KRITIK: The Bandstand, Papermill Playhouse ✭✭✭✭✭

The Bandstand

Papermill Theatre

15. Oktober 2015

5 Sterne

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Es beginnt in Dunkelheit. Laute, dumpfe Geräusche, leicht undeutlich, durchbrechen die Atmosphäre. Helle, grelle Lichter erleuchten kurz die Bühne. Zwei Männer haben sich verschanzt, zusammengekauert, Angst und Besorgnis binden sie. Soldaten. Eine Kriegszone. Die Explosionen sind Mörsergranaten oder Handgranaten. Tödlich. Während das Licht der anhaltenden Explosionen das Terrain durchzieht, sind andere Soldaten zu sehen.

Der blitzartige Effekt lenkt die Aufmerksamkeit sowohl auf die beiden zusammengekauerten Soldaten als auch auf etwas anderes. Ein Klavier. Genau dort, leicht vor den Männern: Vielleicht ihr Ziel? Vielleicht die Verkörperung dessen, wofür sie kämpfen? Vielleicht eine Vision, an die sie sich klammern? Oder, wie sich schließlich herausstellt, all das und mehr. Ein weiteres Stroboskoplicht. Eine weitere Explosion. Wieder Dunkelheit.

So beginnt The Bandstand, ein neues Musical, das jetzt im Papermill Theatre spielt. Vollständig originale Musicals sind heutzutage selten. Meistens, so scheint es, suchen Produzenten nach einem bekannten Buch, Film, Theaterstück oder einem Backkatalog von Hits (manchmal Kombinationen dieser Elemente), um eine vertraute oder "zuverlässige" Grundlage für ein Musical zu schaffen. Matilda, Fun Home und Mrs Henderson Presents sind aktuelle Beispiele.

Wo es darum geht, schiere Unterhaltung oder schlicht albernen Spaß zu bieten, erhalten vollständig originale Werke mehr Unterstützung, wie Something Rotten und The Book of Mormon anschaulich zeigen.

Aber es ist viel seltener, ein vollständig originales Werk des Musiktheaters zu finden, das eine komplexe, fesselnde Geschichte erzählt, die in echten Ereignissen verankert ist, sich auf völlig originale fiktive Charaktere konzentriert und eine vollkommen originale Partitur bietet, die den Stil und das Gefühl der Musik der Ära, in der die Handlung spielt, vollständig hervorruft.

Noch seltener ist ein solches Werk zu finden, das viele großartige Rollen bietet, voller Einsicht und echtem Herz ist, zum Lachen und Weinen vor Freude bringt und eine starke politische Botschaft vermittelt. Noch seltener ein Werk, bei dem man, sobald der Vorhang im zweiten Akt fällt, alle Musik sofort wieder anhören möchte. Und ein Ticket kaufen möchte, um die Show noch einmal zu sehen.

Aber da ist es. The Bandstand (Musik von Richard Oberacker, Buch & Liedtexte von Robert Taylor und Richard Oberacker) ist eine solche Show: ein uneingeschränkter Triumph in jeder Hinsicht, wunderschön geschrieben, superb inszeniert, meisterhaft gespielt und vollkommen fesselnd und mitreißend. Und es hat es noch nicht an den Broadway geschafft – trotz seiner Qualität, verbessern und ändern die Kreativen noch, entschlossen, diesen Diamanten bis zur funkelnden Perfektion zu polieren. Viel fehlt nicht, denn diese Inszenierung von The Bandstand ist bereits besser als die meisten aktuellen Musicalangebote am Broadway.

Regisseur Andy Blankenbuehler hat hier etwas Bemerkenswertes und Elektrisierendes erreicht. Zusammen mit David Korins (Bühnenbild), Jeff Croiter (Lichtdesign) und Paloma Young (Kostümdesign) schafft Blankenbuehler eine theatralische Sprache und ein Gefühl, das verführerisch und kraftvoll ist. Meistens koexistieren das Gefühl von Theater, Musik und Krieg, erinnern ständig an die Narben der Schlacht, die die Musiker tragen, deren Geschichte im Mittelpunkt des Musicals steht. Gelegentlich reißen Szenen oder Vignetten einen aus dem glücklichen Ort von Clubs und Nachtlokalen heraus und wecken eine Welt voller Erkennungsmarken und Not. Es ist geschmeidig und clever gemacht; perfekt ausgeführt.

Die Geschichte dreht sich um Donny, der vom Pazifik-Kriegsschauplatz des Zweiten Weltkriegs zurückkehrt, erschüttert durch den Verlust seines besten Freundes, aber entschlossen, es in der Musikwelt zu schaffen. Donny versprach seinem Freund Mike, dass er, wenn Mike etwas zustoßen sollte, nach Mikes Frau Julia sehen würde. Aber er kann es nicht ertragen und hält sein Wort nicht, sondern konzentriert sich auf seine Musik.

Ein nationaler Wettbewerb spornt ihn an. Wenn er ihn gewinnt, wird es einen Kinofilm geben, in dem seine Band die Hauptrolle spielt. Der Wettbewerb hat eine patriotische Note, und so kommt ihm die Idee, Spieler zu finden, die allesamt ehemalige Soldaten sind, um seine Band zu bilden. Durch Verbindungen findet er ein Team von begabten Musikern, die alle auf die eine oder andere Weise tief betroffen sind von ihren persönlichen Kriegserlebnissen. Aber zusammen können sie wirklich spielen, wirklich swingen.

Schließlich sucht Donny Julia auf, die sich als eine herausragende Sängerin und Texterin erweist, ganz zu schweigen von atemberaubender Schönheit. Eine Freundschaft entsteht, befeuert von der Begeisterung von Julias Mutter, Mrs Adams, und gestärkt durch ihre gemeinsame Liebe zu Mike. Mit Julias Hilfe nimmt die Band Fahrt auf und befindet sich im ernsthaften Wettbewerb um den Preis.

Aber dies ist ein Musical, daher gibt es auf dem Weg viele Hindernisse, aber auch einige nette Überraschungen und eine Wendung am Ende der Show, die ein Knaller ist. Die Stärke, die die Band findet und füreinander hat, ist tiefgreifend und durchdringt die Handlung mit unbestreitbarer Freude. Jedes Bandmitglied hat seine eigene gequälte Erinnerung, sein eigenes Geheimnis, seine eigenen Narben, aber zusammen, durch die Musik, die sie machen, und die Fürsorge und Liebe, die jeder für die anderen bringt, triumphieren sie auf unerwartete Weise.

Ich kann mich an kein Stück Musiktheater erinnern, das solch eine lebendige, anregende Oberflächenpracht und Melodie besitzt, aber sich mit so schwierigen und umstrittenen Themen befasst: Posttraumatische Belastungsstörung; die kaltschnäuzige Art, wie Veteranen von den Regierungen behandelt werden, die sie in den Krieg schicken; die brutale Täuschung durch die Medienmacht. Der Trick hier ist, dass die einzelnen Charaktere, die sich diesen großen Themen stellen, so facettenreich und komplex sind, dass die Botschaften, so wichtig sie auch sind, untrennbar mit ihrer Entdeckungsreise verwoben sind. Es gibt keine einfachen Antworten, nur Glauben, Musik, Fürsorge, Lachen und den unbezwingbaren menschlichen Geist.

Corey Cott ist fast unglaublich gut als Donny. Fast ständig auf der Bühne bringt Cott maskulinen Charme, charmante Frechheit, einen angetriebenen Sinn für musikalisches Abenteuer und Hollywood-Glamour und Showmanship in jeden Aspekt seiner Darbietung ein. Er ist hier in jeder Hinsicht ein Superstar.

Es wäre einfach, Donny zu einem großmäuligen, machohaften Angeber mit Talent und einem Ego von der Größe des Saturns zu machen, die Art von Charakter, die in Filmen endlos vorkommt. Aber Cott, während er mit all diesen Klischees spielt, lässt die Narben des Krieges, den Verlust von Mike, seine Schuldgefühle nie los - er zeigt Donny als getrieben, Wiedergutmachung zu leisten, sowohl jungenhaft als auch männlich, auf sicherem Boden, aber in Gefahr. In seinem Gesang und Tanz ist Cott vollendet und bezaubernd, (er ist die ganze Show über unwiderstehlich, aber besonders führend in Right This Way am Ende des ersten Aktes) aber es ist die Tiefe der Schauspielerei, die diese Vorstellung aus dem Park befördert.

Es gibt eine Sequenz, in der Donny Klavier spielt, während Julia singt. Cott sagt nichts, aber sein Gesicht und seine Augen vermitteln tausend Worte. An einem anderen Punkt hat er ein Lied vor einem Hotelzimmer, Give Me A Reason, das eine Meisterklasse subtiler, schmerzhafter Schönheit und makelloser Kontrolle ist. Leidenschaft und Schmerz treiben ihn durchgehend an. Cott liefert die Art von Leistung, die von alleine einen Theaterbesuch erfordert.

Aber er ist nicht allein. Weit gefehlt. Überall sind die Performances hier in jeder Hinsicht erstklassig, und umso beeindruckender, weil die Hauptdarsteller sowohl Big Band-Instrumente richtig spielen als auch singen und schauspielern müssen. Keiner stolpert über irgendein Hindernis.

Als Julia ist Laura Osnes Perfektion. Ihre Stimme ist von oben bis unten warm und sie ist sowohl in den großen, kraftvollen Nummern als auch in den intimeren musikalischen Passagen hervorragend. Sie singt mit unbestreitbarer Schönheit und bewältigt die gesamte Bandbreite von Julias Emotionen - koketter Spaß mit einer Ukulele, unbeholtene Annäherungsversuche, bis hin zu herzzerreißender Trauer, als Donny schließlich gesteht, wie ihr Mann im Krieg starb. Es ist eine durchweg wunderschön abgestimmte Vorstellung, voller Leidenschaft und Anmut. Und ihre endgültige Darbietung von Welcome Home ist einer dieser beeindruckenden, unvergesslichen Momente der Musiktheatergeschichte - ganz oben mit Rose's Turn.

In gewisser Weise ist sie hier immer noch eine Beschützerin, aber nichts ist schläfrig an der warmen, zarten und einfach herrlichen Darbietung, die die talentierte Beth Leavel als Julias Mutter, Mrs Adams, gibt. Offensichtlich, ehrlich, mit ihrem eigenen Kummer fertig werdend, ist Leavel unglaublich faszinierend. Ihr Anthem in der zweiten Hälfte, Everything Happens, ist inspirierend, nicht nur wegen Leavels Gesang (unschlagbar), sondern auch, weil es die Hoffnungen aller Charaktere und die erlösende Kraft der Musik verkörpert. Herzzerreißend gut.

Die Männer in Donnys Band, die seine Brüder in der Musik werden, sind durchweg großartig. Brandon J Ellis, James Nathan Hopkins, Geoff Packard, Joe Carroll und Joey Pero - jeder definiert seinen bestimmten Ex-Soldat-Musiker präzise und sicher und wird im Laufe der Show, ohne das Thema zu überbeschweren, durch ihr Musizieren geheilt und bildet glaubwürdige Freundschaften. Für jeden ist die Reise von I Know A Guy zu Welcome Home eigenwillig, angespannt und nervenaufreibend - aber immer verständlich und häufig sehr amüsant. Musikalisch sind sie großartig und wenn ihre Band swingt, swingt sie wirklich. Purer Genuss.

Die Partitur enthält viele Juwelen: Will That Be All?, You Deserve It, Where's The Harm In That?, Worth It, Right Away, Nobody, und das wirklich sensationelle Welcome Home. In Wahrheit gibt es hier jedoch keine schlechte Nummer; jedes Lied bringt die Handlung oder die Charaktere voran und hat seinen eigenen musikalischen Schwung und Elan. Das ist Musik, die man mitsingen und mittanzen möchte. Frisch und überwältigend erfreulich; meistens unterhaltsam, aber in Teilen zutiefst bewegend, sublim berührend. Dies sollte als eine der großen Partituren des 21. Jahrhunderts bekannt werden.

Blankenbuehler choreografiert ebenso wie er Regie führt und das Ergebnis ist, dass Tanz ebenso ein Teil des Erzählgewebes ist wie das Singen und Schauspielern. Die Kompanie ist präzise geübt und die großen Ensembleszenen sind voller köstlicher, ansprechender Schritte. Corey John Snide sticht besonders in den Tanzsequenzen hervor: seine virtuose Ausführung ist hervorragend. Der Tanz unterstützt das "Big Band"-Gefühl der Vorgänge und fühlt sich immer integral, nicht angehängt, an.

Dies ist ein Meisterwerk des Musiktheaters. Es funktioniert auf vielen Ebenen gleichzeitig und ist auf allen erfolgreich. Sogar der Titel hat eine Doppeldeutigkeit - das Stück handelt davon, zur Bandstand zu gelangen, aber genauso sehr davon, wie die Band schließlich Stellung bezieht.

The Bandstand wird Sie zum Weinen, zum Lachen bringen, Sie dazu bringen, tanzen zu wollen, Sie dazu bringen, singen zu wollen, und definitiv dazu, aufzuspringen und zu jubeln. Es sollte aus Cott einen A-Listen-Star machen und die zu Recht respektierten Reputationen von Osnes und Leavel weiter verbessern. Es ist das beste, vollständig originale neue Musical seit langem.

Von Hoffnung befeuert und durch Musik angetrieben, wird es Sie dazu bringen, sich glücklich zu fühlen, am Leben zu sein.

The Bandstand läuft im Papermill Playhouse bis zum 8. November 2015