REZENSION: Dixon und Daughters, National Theatre ✭✭✭✭

Paul T Davies rezensiert „Dixon and Daughters“, ein Stück von Deborah Bruce, das derzeit am National Theatre zu sehen ist.

Die Besetzung von „Dixon and Daughters“. Foto: Helen Murray Dixon and Daughters.

National Theatre.

25. April 2023

4 Sterne

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Häuser können Erinnerungen in sich tragen – manche davon ganz und gar nicht durch einen nostalgischen Filter betrachtet. An dem Morgen, an dem Mary aus dem Gefängnis entlassen und von ihrer Tochter Bernie nach Hause gebracht wird, will sie vor allem eines: in ihrem eigenen Bett schlafen. Doch darin hat eine andere Tochter, Julie, geschlafen – was Mary in Rage versetzt (und von Beginn an fragen wir uns: warum). Und es gibt ein Gästezimmer, in das keine der Frauen hineinwill. Autorin Deborah Bruce hält die Fragen auf bewundernswerte Weise in Schach – bis die erschütternde Gewalt, die Dixon seinen Töchtern und seiner Frau angetan hat, ans Licht kommt, vor allem durch die erlösende Kraft von Briana, früher Tina, deren Vorwürfe gegen ihren Vater zu einem Gerichtsverfahren führten, in dem Mary einen Meineid leistete – und das wiederum zu ihrer Haftstrafe.

Liz White, Yazmin Kayani und Alison Fitzjohn. Foto: Helen Murray

Bühnenbildnerin Kat Heath bewahrt Geheimnisse im Schatten; manchmal werden sie scharf ins Licht gerissen. Allerdings fragte ich mich, ob die Sichtlinien für das Publikum auf der rechten Seite des Zuschauerraums problematisch sein könnten, da die Szenen in Marys Schlafzimmer sehr hoch und weit links auf der Bühne spielen. Auch empfand ich die harten Lichtwechsel und zuschlagenden Türen bei Zeitsprüngen als etwas melodramatisch – im Kontrast zum naturalistischen Spiel dieses starken Ensembles. Als Mary fängt Brid Brennan ihren stählernen Willen ein, die Schutzmauern fest hochgezogen, wie selbst eingesperrt in der Verdrängung ihres gewalttätigen Ehemanns und der tiefen Narben, die er hinterlassen hat; wenn sie schließlich offenbart, was er ihr angetan hat, ist das herzzerreißend, weil sie ihren Kummer herauslässt. Alison Fitzjohn ist als Briana eine Naturgewalt, entschlossen, alles ans Tageslicht zu bringen, und dabei Online-Plattitüden und Self-Help-Slogans vor sich hin murmelnd – doch ihre Darstellung hat eine Tiefe, die verhindert, dass es zur reinen Comedy-Nummer wird. Sie rückt das Sofa zur Seite und legt die Blutflecken aus ihrer Kindheit im Teppich frei; symbolisch wird damit alles sichtbar. Andrea Lowe ist wunderbar zerbrechlich als trinkende Julie, die ihrerseits blaue Flecken verbirgt, zugefügt von einem gewalttätigen Partner; Liz White knistert vor Märtyrertum als organisierte, scheinbar stabile Bernie; Yazmin Kayani spielt deren Tochter Ella erschüttert, als sie das wahre Ausmaß des Familienhorrors erkennt. Komplettiert wird die Besetzung von Rosy Sterling als Leigh, frisch aus der Haft entlassen und von Mary aufgenommen – und obwohl sie klar auch als dramaturgisches Mittel dient, um Fragen und Antworten anzustoßen, macht ihre energiegeladene Performance die unzureichende Unterstützung für Entlassene sichtbar.

Foto: Helen Murray

Wenn jede der Frauen bekennt, wie sehr sie von Männern kontrolliert wird (Ella etwa, die die Uni verlassen will wegen eines unangenehmen Dozenten mit übergriffigen Annäherungsversuchen), rutscht das Stück stellenweise zu deutlich ins Verbatim-Theater ab. Auch sitzt der Humor gelegentlich unbehaglich neben dem Stoff – auch wenn klar ist, dass die Frauen ihn als Abwehrmechanismus nutzen.  Doch wie Helena Kennedy QC in einem ausgezeichneten Programmheft-Artikel erläutert, ist Misogynie eine Denkweise – und wie sehr sie normalisiert wird, vermittelt dieses gut getaktete, zutiefst fesselnde Stück äußerst eindringlich. Es endet mit einer schlichten, aber kraftvollen Geste der Erlösung – und genau solche Momente machen diese Inszenierung unvergesslich.