REZENSION: Oresteia, Almeida Theatre ✭✭✭

Oresteia am Almeida Theatre. Foto: Alastair Muir Oresteia

Almeida Theatre

12. Juni 2015

3 Sterne

Vor Gericht, um sein Leben zu retten, hält Orestes, der Sohn von Agamemnon und Klytemnestra, der des Mordes an seiner Mutter angeklagt ist, seine Mutter hat seinen Vater ermordet, der seine Schwester ermordete, folgende leidenschaftliche Rede:

„Es gibt keine wahre Version. Es gibt sie nicht. Es gibt keine Geschichte - eine Linie der Wahrheit, die von Anfang bis Ende reicht. Das passiert nicht mehr, vielleicht ist es nie passiert, aber selbst wenn ich dies jetzt sage, während ich das sage, erschafft jeder von Ihnen in Ihren Köpfen Ihre eigenen Versionen, verschiedene Linsen, die gleichzeitig auf dasselbe zielen und dieses Ding anders wahrnehmen - es hängt zu sehr davon ab - der Tag, den Sie hatten, was Sie über Ihre  Mutter denken, der Gedanke, den Sie gedacht haben, bevor dieser hier - alles fließt herein, dieses Ding, dieses ganze Ding ist hilflos, denn Ihr Gehirn schafft Geschichten, in denen es recht hat."

Dieses Gefühl gilt sowohl für den Text als auch für die Frage, über die Orestes sinniert - wie man das Handeln eines anderen Menschen beurteilen kann.

Dies ist Oresteia, nicht Die Oresteia, die Trilogie von Stücken (Agamemnon, Die Opferbringerinnen, Die Eumeniden), die Aischylos im Jahr 458 v. Chr. einen Preis einbrachte und als das „ursprüngliche Familiendrama“ gilt und als Sprungbrett für alle moderne Dramatik, sondern die unkonventionelle, selbstgefällige, filmische und lose „Adaption“ von Robert Icke, die nun am Almeida gespielt wird und die Griechen-Saison von Rupert Goold eröffnet.

Orestes' Punkt gilt im Allgemeinen für das Theater - die Meinung von jedem über jede Inszenierung an jedem gegebenen Tag kann sich aus den von ihm genannten Gründen unterscheiden - doch es gilt sicherlich für Adaptionen oder Wiederaufführungen, bei denen der Regisseur (hier auch der Bearbeiter) spezifische Punkte machen will.

Aischylos schrieb zu einer Zeit, als die Vormachtstellung des Patriarchen vorausgesetzt wurde und Rache de rigueur war. Tatsächlich wird Aischylos' Trilogie zugeschrieben, das Konzept der Gerechtigkeit weiterentwickelt zu haben, indem man die Vorstellungen von Rache und Gerechtigkeit trennte und darauf hinwies, dass Unschuld als erwiesen gelten muss, es sei denn, das Gegenteil wird bewiesen. Natürlich tat er dies im Rahmen des damals akzeptierten patriarchalen Systems, und jede Betrachtung seines Werkes muss nun sorgfältig positioniert werden.

Icke nimmt in seiner Adaption eine entschieden feministische Position ein, was bewundernswert ist. Klytemnestra ist die Machtfigur in dieser Trilogie; nicht Agamemnon oder Orestes. (Interessanterweise heißt es jedoch immer noch nach Orestes). Es gibt auch andere mächtige Frauen: Elektra, Athene, die Furie/Blind Justice. Aber die gesamten Vorgänge erreichen ihren dramatischen Höhepunkt, als einer von Orestes' Anklägern, in Gestalt der verstorbenen Klytemnestra, diesen Punkt macht:

„Eine Schwester, ein Vater, eine Mutter - sind tot. Es muss ein Ende geben. Aber gestatten Sie mir, das Haus zu fragen: Warum zählt der Mord an der Mutter weniger als der am Vater? Weil die Frau weniger wichtig ist. Warum ist das Motiv der Mutter für Rache geringer als das des Sohnes? Sie rächte eine Tochter; er einen Vater. Weil die Frau weniger wichtig ist. Diese Frau hat den Preis gezahlt. Aber dieses Haus kann kein Ort sein, an dem die Frau weniger wichtig ist."

Es klingt großartig. Und Lia Williams, die die Zeilen spricht, liefert ihre beste Arbeit des Abends in dieser Szene und um dieses Argument herum ab.

Aber...es ist alles Unsinn. Und verfehlt völlig den Punkt, den Aischylos machte.

Erstens wurde Klytemnestra nicht vor Gericht gestellt, so dass keine Gleichheitsfrage entsteht. Zweitens übte Orestes Rache aus, wie es damals üblich war - das große moralische Dilemma, das Aischylos aufwarf, war, wem Orestes größere Treue schuldete - dem ermordeten Vater oder der Mutter, die ihn gebar und stillte, aber seinen Vater tötete? Aber es geht dem Gericht nicht um Rache, sondern um Gerechtigkeit. Die Frage ist, ob er schuldig oder nicht schuldig ist. Diese Frage wurde bei Klytemnestra nicht gestellt. Drittens scheint niemand von der Rolle, die Elektra beim Anstiften von Orestes zum Verbrechen spielte, betroffen zu sein. Zum Teil liegt das daran, dass sie in dieser Version scheinbar nicht wirklich existiert; sie wird als verrückte, unvollkommene Erinnerungs-/Fantasiegestalt von Orestes abgetan, aber im Original war sie seine Schwester und drängte ihn, Rache an ihrer Mutter zu nehmen. Viertens wird der Mord an Aegisthus, Klytemnestras Liebhaber und Usurpator von Agamemnons Platz in der Welt, ebenfalls durch Orestes, nicht einmal als gerichtsverhandlungswürdig erachtet. Der Mord an einem Mann ist nichts im Vergleich zum Mord an einer Frau?

Das soll nicht sagen, dass Frauen im Leben mit Männern gleichgestellt werden - sie sind es nicht, und das ist falsch und sollte sich ändern - sondern soll lediglich auf die Schwächen in Ickes Ansatz hinweisen. Es gibt einige wunderbare Bilder, einige kraftvolle Austausche, einige brillante Inspirationen - aber insgesamt hält seine Oresteia dramatisch nicht zusammen. Für eine Produktion, die drei Stunden und vierzig Minuten dauert, werden viele viele Minuten mit Warten verbracht.

Der erste Akt ist die Dramatisierung eines Abschnitts, der im ersten von Aischylos' Trilogie, Agamemnon, relativ schnell von der Chor behandelt wird und über Agamemnons Entscheidung berichtet, seine Tochter Iphigenie zu töten, um ein günstiges Ergebnis für den Trojanischen Krieg zu gewährleisten. Es ist sehr lang, sehr langweilig und obwohl es Momente von roher, unersättlicher Kraft gibt (wie das Bild eines Vaters, der seine Tochter im Arm hält, als sie ihren letzten Atemzug nimmt), wird dramatisch kein Fall für die umfangreiche Behandlung dieses Handlungsabschnittes gemacht.

Der erste Akt ist auch voller Geschrei. Nichts eignet sich besser dazu, das Potenzial für echte dramatische Kraft auszuschalten, als Schreien. Außer vielleicht eine laute Windmaschine, die zwar einen interessanten Effekt schafft, aber die Möglichkeit des Dialoghörens völlig eliminiert.

Der zweite Akt ist viel besser, teilweise weil Luke Thompsons herausragender Orestes in den Vordergrund rückt, sowohl mit seinem Therapeuten/Interrogator, der präzisen und perfekt ausbalancierten Lorna Brown, als auch mit Jessica Brown Findlays kraftvoller Elektra. Ickes großer Erfolg bei der Adaptation ist die Fragmentierung, die er der linearen Erzählung verleiht - indem der größere Bogen als Segmente der Untersuchung und Festnahme von Orestes gestaltet wird, kommen das Flüchtige, das Erinnerte, das Mögliche und das Tatsächliche in Spiel. Sehen wir die tatsächlichen Ereignisse oder nur Orestes' Erinnerung an diese Ereignisse?

Dieser clevere, innovative Ansatz belebt die Vorgänge wirklich und bietet große Möglichkeiten für spukhafte, schockierende und elektrisierende Bilder. Es gibt buchstäblich ein Blutbad, als Agamemnon getötet wird, und Icke und Natasha Chivers arbeiten außergewöhnliche Lichteffekte - Blackouts von greller Alarmierung, gespenstische Reflexionen von dem, was war oder hätte gewesen sein können oder was sein wird, und Kamera- und Bildschirmarbeit, die einen modernen Look und Eindruck vermitteln. Es gibt auch einen LED-Zähler, der die tatsächlich vergangene Zeit misst und effektiv ein formelles Gefühl der Dringlichkeit schafft.

Der dritte Akt sieht Elektra Orestes am Grab ihres Vaters begegnen und es wird schnell klar, dass Trauer Elektra nicht steht. Sie überredet ihren Bruder, Rache an ihrem Vater zu nehmen, indem sie ihre Mutter abschlachten. Oder tut sie das? Ist sie nur ein Hirngespinst von Orestes' verrücktem, fieberhaftem Verstand nach seiner Ermordung seiner Mutter? Letztendlich spielt es hier, abgesehen von dem oben diskutierten Punkt, wenig Rolle. Die Handlung schreitet fort, vorbei an der Andeutung von Aegisthus in Klytemnestras Leben und unaufhaltsam zu deren Doppelmord.

Dann wechselt die Produktion in den Gerichtssaal-Modus, als Orestes vor Gericht gestellt wird. Der tonale Wechsel ist plötzlich und wirkt desorientierend - das Publikum fühlt sich, wie sich Orestes fühlen muss - verwirrt, unsicher, angespannt. Die Göttin Athene richtet, also wird sofort klar, dass hier nicht herumgespielt wird. (Hara Yannas, als bemerkenswerte, trotzige Kassandra im zweiten Akt, ist als majestätische, richterliche Athene hervorragend). Thompsons Orestes ist überwältigt von der Größe dessen, was mit ihm passiert; Thompson spielt hier einen Trumpf: in jeder Hinsicht überzeugend. Er weiß, wie er seine Stimme effektiv einsetzen kann und spielt mit Intensität, vom Kern bis zu den Fingerspitzen, strotzend vor Komplexität.

Tatsächlich ist die gesamte Besetzung in dieser Szene in Hochform. Die berauschende Ausschweifung und die reglementierte Formstrenge des Gerichtssaals erlauben ökonomisches, kraftvolles Schauspiel; Anwälte sprechen nicht nur als Anwälte, sondern als Gespenster der Rollen, die sie in früheren Akten gespielt haben. Und Annie Firbank, als die einzige Furie, die blinde Gerechtigkeit sucht, ist unheimlich sublim, und umkreist zweimal sehend den mehrstufigen Bühnenraum, was die Vorstellung der langsam drehenden Räder der Gerechtigkeit hervorruft.

Es gibt einen Punkt, an dem das Publikum den Atem anhielt. Würden sie wirklich interaktiv vorgehen? Würden sie uns wirklich auffordern, ein Urteil zu fällen? Die Frau neben mir murmelte „Schuldig“ unter ihrem Atem, aber das Paar dahinter dachte anders. Tatsächlich wäre es vielleicht besser gewesen, wenn Icke das Publikum hätte wählen lassen. Das Ergebnis könnte vorher festgelegt sein, aber der Prozess des Wählens könnte wirklich entlarvend gewesen sein.

Die letzten Bilder von Thompsons Orestes, immer noch in blutgetränkten Klamotten seiner Mutter, frisch freigesprochen, ein freier Mann, der wiederholt „Was mache ich?“ fragt, sind provokativ und erschütternd. Er mag frei sein, aber er muss mit sich selbst leben; ein Schicksal, vielleicht schlimmer als der Tod.

Eine riesige Last liegt hier auf den Schultern von Angus Wright (Agamemnon/Aegisthus) und Lia Williams (Klytemnestra). Nach dem ersten Akt kommen beide mit ihren Rollen zurecht, aber keiner scheint wirklich genug geerdet, beeindruckend genug oder zerrissen genug, um volle Wirkung zu erzielen. Wright ist als Aegisthus und im Gerichtsverfahren am besten; er ist zu dünn und schlaksig, um als grimmiger Kriegsherr mit der körperlichen Präsenz und Ausdauer glaubwürdig zu sein, um Troja zu erobern, und obwohl er eine kraftvolle und sonore Stimme hat, ruft er zu oft, und setzt Tempo, Pause und Tonhöhe nicht ausreichend ein, um Interesse, besonders im ermüdenden ersten Akt, zu wecken und zu halten.

Williams ist elegant und schlau, aber es fehlt ihr an Gravitas, eine Wesenskern-Rücksichtslosigkeit, die ihr entgeht. Sie muss sowohl erdiger als auch ritueller sein, Williams' Klytemnestra ist so modern und manieristisch, dass die brutale Wut, die sie stützt und überwältigt, nie wirklich in den Fokus kommt. Sie ruft ebenfalls zu oft.

Hildegard Bechtler verwandelt den Almedia-Raum mit einem stilvollen und schicken Design, das Macht und Familie, Ritual und Rhetorik evoziert, vollständig. Eine große funktionierende Badewanne dient fast als Opferaltar und später sitzt Athene oben darauf, um über Orestes zu richten. Bewegliche Paneele, die entweder transparent oder undurchsichtig sein können, ermöglichen, dass eine Vielzahl von Räumen und Bildern gleichzeitig im Spiel sein kann. Ein Familientisch ist fast ständig präsent, symbolisiert die Bedeutung familiärer Bindungen für die Handlung und später der Verlust und Schmerz, die leere Tische suggerieren.  Es gibt vier robuste griechische Säulen, um die Gegenwart in der Vergangenheit zu verankern. Es ist ein wunderbar fließendes und klinisches Set - ein Ort, an dem alles passieren kann.

Aber diese Oresteia zieht sich hin. Es gibt keine Entschuldigung für die Länge des ersten Aktes. Icke muss Material kürzen, die Geschichte sauber, prägnant und ohne überflüssige Wortgefechte erzählen. Mehr Lyrik und weniger wortreiche Irrelevanz würden etwa eine Stunde aus diesem Stück herausnehmen, was es erheblich verbessern, sein pulsierendes Herz wirklich schlagen lassen würde.

In einem Essay im Programm sagt Simon Goldhill, Professor für Griechisch an der Universität Cambridge und Berater der Produktion:

„Die Gefahr für jedes Werk, wenn es zu einem Klassiker wird, besteht darin, dass es unter Aspik erhalten bleibt, ein weiteres, aus der Mode gekommenes Gericht, das aus Pflichtbewusstsein bewundert wird. Aischylos' Oresteia ist zweifellos eines der größten Werke der westlichen Kultur, aber es bedarf einer kontinuierlichen und aktiven Auseinandersetzung mit seinem ungeheuren Potenzial, damit es mit seinem wahren Drang und seiner Kraft spricht. Alle Übersetzer sind Verräter, aber einige Verräter erweisen sich als Befreier, die uns ermöglichen, zu kalibrieren, was wichtig ist, und die Welt aus einer verblüffend neuen Perspektive zu sehen."

Keine Zweifel daran. Robert Icke scheint jedoch mehr ein Alchemist als ein Befreier zu sein. Er hat Aischylos in etwas ganz anderes verwandelt, definitiv modern und gelegentlich spannend. Aischylos in ein anderes Bild zu gestalten, ist nicht dasselbe wie eine klassische Handlung zu befreien oder zu erleuchten.

Es wird interessant sein zu sehen, ob Icke, wie Aischylos es vor etwa 2.400 Jahren tat, für diese "Adaption" der Oresteia Preise gewinnt. Kassandra würde wahrscheinlich sagen, dass er das tun wird.

Oresteia läuft im Almeida Theatre bis zum 18. Juli 2015