REZENSION: Der Dunkle Turm, Jugendmusiktheater ✭✭✭✭✭

The Dark Tower

Youth Music Theatre,

CLF Cafe, Bussey Building,

Peckham Rye Lane,

Mittwoch, 24. August 2016

5 Sterne

Das ist wahrscheinlich das grösste Musicaltheater-Ereignis des Jahres. Und ich wähle meine Worte mit Bedacht. YMT ist ein Kürzel, das in den Biografien von Darsteller*innen und Teammitgliedern in Programmheften immer häufiger auftaucht – meist unter „Ausbildung“. Es hat seinen Platz neben den besten Schauspielschulen des Landes als Schmelztiegel neuer Talente. Und als Produzent ist YMT eine Kraft, mit der man bei der Beauftragung, Entwicklung und Förderung neuer, origineller Stücke zunehmend rechnen muss. Und in diesem Sommer brachte die Company ein grossartiges neues Werk heraus, wie die meisten von uns es noch nie gesehen haben.

Im vergangenen Winter erhaschte ich einen Ausschnitt aus YMTs Tanzdrama von 2015, „Sweat Factory“, in der weihnachtlichen Konzert-Auswahl von Auszügen, die in der Salvation Army Hall an der Oxford Street präsentiert wurde. Ich war so beeindruckt von dem, was ich sah – und hörte (Rachel Birch-Lawsons Choreografie zu Garth McConaghies musikalischer Umsetzung von Aoife Manix’ Libretto), dass ich wusste: Ich muss unbedingt alles sehen, was diese Company in derselben Form macht.

Als „The Dark Tower“ also angekündigt wurde – erneut mit der faszinierenden Choreografin, die wieder mit ihrem langjährigen Associate Choreographer Khyle Eccles zusammenarbeitete – habe ich sofort gebucht. Ich glaube inzwischen, das war eine der besten Entscheidungen, die ich je getroffen habe.

Conor Mitchell, ein Theatre Maker aus Nordirland, der in seinen Arbeiten Musik, Text und Erzählung verbindet, hat eine verblüffende Antwort auf das gleichnamige Hörspiel von Louis MacNeice aus dem Jahr 1946 geschrieben. Schon die Entstehungsgeschichte des Stücks spricht Bände: Zu Beginn des ersten Jahres nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs – inspiriert von Robert Brownings Gedicht „Childe Roland to the Dark Tower Came“ (das seinerseits Wurzeln in Shakespeares „King Lear“ hat) – bat der BBC Home Service MacNeice um ein Versdrama über das Verhältnis des Menschen zum Krieg und beauftragte Benjamin Britten mit einer Partitur dazu. Es war ein Werk, geboren aus ungeheurem Leid und Opferbereitschaft, in einer Welt, in der Unruhe und Konflikt endlos schienen. Heute könnte es kaum relevanter sein.

Und wenn das Namen sind, die wir nicht unbedingt mit zeitgenössischem Musicaltheater verbinden, dann liegt das daran, dass uns dieses Werk über das hinausführt, was wir üblicherweise tun – und denken.

Was Mitchell geschrieben hat, ist mehr als nur vom Geist Brittens durchdrungen; es beginnt mit charakteristischen Fanfaren und Verzierungen, liefert ein kühnes chorisches Tutti in einem weitgehend tonalen Rahmen und erinnert uns augenblicklich an den Komponisten von allem von „Night Mail“ bis zum „War Requiem“. Mit überraschenden Wendungen und Rucken in den harmonischen Verläufen erschüttert er unsere Gewissheit darüber, wo wir sind und was geschieht. Er trifft uns mit antiphonalen, einander antwortenden Chorgruppen, die in dem Industriegebäude, in dem diese Aufführung stattfindet, wie Kanonendonner widerhallen.

Und dann bemerken wir eine weitere Verwandtschaft: Der Klang von Brittens Nachfolgern, allen voran Michael Tippett, drängt nach vorn und wird in diesem musikalischen Abenteuer zu weiteren Figuren. Im Verlauf des Werks könnten wir uns beinahe mitten in „A Child of Our Time“ wiederfinden – in Chorälen von herzzerreissender Schönheit – oder in der Dramatik und den Gefahren der Zweiten Sinfonie. Es ist berauschend. Es ist verblüffend. Und es ist zugleich die kühnste, originellste Partitur, die Sie in diesem Sommer hören werden – abgesehen von Andrew Lloyd Webbers „Jesus Christ Superstar“ (1970).

Wir begeben uns auf eine Art Pilgerreise des Unbekannten Soldaten. Von MacNeice bewusst als „eine Fabel“ stilisiert, ist der Soldat seine zentrale Figur, die auf eine Quest geschickt wird. In Rachel Birch-Lawsons Inszenierung werden Reise, Suche und Auftrag durch fortwährend neu formierte Gruppen und Ensembles dargestellt. Tatsächlich verlegt sie uns die Treppen im Gebäude hinauf auf immer höhere Ebenen: Der zweite Raum ist kleiner und mit transparenten Plastikflaschen verstopft; die dritte und letzte Ebene ist eine abrupt andere Black Box, mit schwarzen Podeststufen hinauf zu einem stilisierten, pavillonartigen Turm (oder ist es die Staubwolke einer Atombombenexplosion?). Die Dauer jeder Etappe verkürzt sich, die letzte ist kurz und von exquisiter Eindringlichkeit.

All das deutet kaum die überwältigende sinnliche Attacke der üppigen Musik an – und die eleganten, präzisen und so warm menschlichen Bewegungen, die ihr Form und Richtung geben. Die Menge an zu singendem Text bedeutet: Das ist kein Ballett. Und die Kraft, Schönheit und Energie der Bewegung bedeutet: Das ist keine Oper. Und die Geschichte selbst ist so poetisch stilisiert – in Sprachgestus, Struktur und Absicht –, dass es eigentlich auch kein Schauspiel ist. Wenn überhaupt, dann ist es vielleicht eine Art getanztes Oratorium. Es ist der ausgearbeitete Ausdruck eines ernsten, beinahe erhabenen Themas – und doch wird dies durch die unverblümte Jugendlichkeit der Menschen, die es präsentieren, moduliert (einschliesslich der fünf Musiker*innen in der Band – gekleidet in Uniformen, die exakt denen des tanzenden, singenden und sprechenden Ensembles entsprechen). Die Verletzlichkeit ihres Alters, die Intensität ihrer Beschäftigung mit jedem einzelnen Detail des Werks, die überwältigende Kraft ihres Engagements für die Geschichte, die sie erzählen, und für die aussergewöhnlichen Mittel, mit denen sie sie erzählen – all das ist ebenso elektrisierend wie faszinierend. Am Ende denkt man: Wenn man überhaupt etwas darüber sagen kann, was das ist, dann dies: Es ist neu.

Gleichzeitig entsteht eine starke Bildsprache in Sophie Barlows schlankem Design einer überwiegend weissen Umgebung, durchzogen von roten Blitzen, mit der zentralen, schwarz gekleideten Figur des Soldaten. In dieser Welt erzählt uns eine Company aus 35 Mädchen und Jungen im Alter von 13 bis 19 Jahren die Geschichte – mit MacNeices oft archaisch-poetischer Sprache. Und – man stelle sich das vor – diese Jugendlichen hatten nur zwei Wochen Zeit, um 60 Minuten musikalisches Material zu lernen, mit Dutzenden musikalischer Ensembles, viele davon mit komplexen Fugati, Stretti und ähnlichem, und mit einem immens hohen Konzentrationsanspruch. Dazu musste die gesamte Bewegung gelernt werden, einschliesslich Hebungen und Sprüngen, und weitere 30 Minuten an Übergängen, die das Publikum von Ort zu Ort verlagern – und sie hatten nur einen einzigen Tag im dreistöckigen Gebäude, um sich auf die Ankunft des Publikums vorzubereiten. Und doch: Auch wenn der Satz für die Stimmen anspruchsvoll ist, ist jedes einzelne Mitglied der Company ihm mehr als gewachsen. Unter der fachkundigen Leitung von Musical Director Richard Healey klingen sie so voll und überzeugend, wie es ein vollständig ausgebildeter und gut eingespielter Chor tun könnte. Alle in der Company haben auch ihre individuellen Momente – choreografisch oder stimmlich. MacNeice schafft eine lange Rollenliste, und diese erscheinen entlang der epischen Reise des Helden.

Dazu passend ist die Partitur makellos detailliert und aufmerksam für alle Implikationen des Textes: Mitchell ist ein Genie theatralischer Farbgebung – so, wie es Britten war und vor ihm Puccini. Und auch die Orchestrierungen stammen von ihm. Die Musiker*innen, unter der hervorragenden Betreuung von Francis Goodhand, spielen mit atemberaubender Souveränität über dieses Material – besonders Cat Johnstons Trompete, die eine der längsten und schwierigsten ersten Trompetenstimmen hat, die ich je gehört habe (und sie spielt drei Vorstellungen am Tag).

Angesichts all dieser grossartigen Dinge, die es zu entdecken und zu geniessen gibt: Würde es die Leser*innen überraschen zu erfahren, dass es bislang offenbar kaum oder gar keine Presseberichterstattung über diese einzigartige Leistung gibt? Das ist schwer zu verstehen, gerade bei dieser Fülle an Dingen, die man lieben kann. Dieses aussergewöhnlich wunderbare Werk verdient die aufmerksame Bewunderung und Ermutigung der nationalen Medien – und all jener Kulturorganisationen, die das aufregendste Musicaltheater-Entwicklungsfeld in diesem Land seit Jahren unterstützen und Teil davon sein möchten. Wir müssen versuchen, mit dem atemberaubenden Tempo Schritt zu halten, das YMT vorgibt.

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