REZENSION: Der Vater, Wyndhams Theatre ✭✭✭✭✭

Claire Skinner und Kenneth Cranham in Der Vater. Foto: Simon Annand Der Vater

Wyndhams Theatre

2. November 2015

5 Sterne

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Es gibt viel zu sagen über das Gefühl, nichts über eine Theaterproduktion zu wissen, die man sich gleich ansehen wird, abgesehen von dem beruhigenden Anblick des Namens eines Schauspielers, den man respektiert, auf dem Spielplan. In solchen Fällen werden Erwartungen nie übertrieben und man ist eher offen für viele Möglichkeiten. Es kommt nicht oft vor, dass man mitten in einer Vorstellung an seinem Verstand zweifelt. Nicht im Sinne von „Ich bin verrückt, dass ich diese Quälerei weiter anschaue“ (das passiert erschreckend oft), sondern im Sinne von „Was passiert hier, ich verstehe das nicht, nein, ich kann es nicht herausfinden – verliere ich den Verstand?“.

Doch genau das geschieht in James MacDonalds Inszenierung von Florian Zellers Der Vater, der nun seine West-End-Premiere im Wyndhams Theatre feiert. Zeller ist Franzose, sodass die Verwicklungen, Form, Charaktere und Situation voll und ganz seine sind, aber die Worte hier stammen von Christopher Hampton, dessen Übersetzung prägnant, direkt und erschütternd ist. Es ist ein berauschender Mix aus herausragendem Schreibtalent, und Macdonalds Inszenierung holt die ergreifende Wahrheit aus jedem Abschnitt heraus.

Wie mein Begleiter am Ende flüsterte: „Es ist düster“. Das ist es in der Tat – herrlich düster.

Claire Skinner und Kenneth Cranham in Der Vater. Foto: Simon Annand

Im Programm äußert Zeller seinen Ehrgeiz für das Stück mit folgenden Worten:

„Der Vater versucht, durch das Theater die Situation eines alten Mannes zu verstehen, der alle seine Orientierungspunkte verloren hat und an dem Punkt angelangt ist, an dem sein Königreich sich auflöst. Was hat mich zu diesem Thema hingezogen? Ich weiß es nicht genau. Aber eines glaube ich doch: dass das Theater nützlich – und unmittelbar – seinem Publikum einen Spiegel vorhalten kann, sodass wir uns erkennen und so ein bisschen besser verstehen können. Deshalb war es mir wichtig, dass wir auf dieser besonderen Reise nicht nur Zuschauer sind, sondern dass auch wir uns in diesem geistigen Labyrinth verirren – um die Tragödie des Alters und jene Lebensfragilität, die uns alle gleich macht, vollständiger von innen heraus zu erleben.“

Selten war ein ausgedrückter Ehrgeiz so vollständig erfolgreich wie der von Zeller, wo seine Arbeit von Hampton und Macdonald in eine wunderschöne Symphonie des Schmerzes geformt wird. Tatsächlich ist der Gedanke an eine Symphonie fast buchstäblich, da die vielen kurzen Szenen durch das mitreißende Sounddesign von Christopher Shutt verbunden sind, das aus klassischer Klaviermusik zu bestehen scheint (zumindest größtenteils) und brillant gespielt wird, außer für die gelegentlichen falschen Noten oder unerwarteten Pausen. Mit dem Fortschreiten des Stücks nimmt die Anzahl der seltsamen Unterbrechungen der Musik zu und liefert damit eine akustische Analogie für das Einsetzen und Fortschreiten von Alzheimer, dem Fokus von Zellers Stück.

Auch die Beleuchtung von Guy Hoare trägt zur Bedeutungsvermittlung bei. Zu Beginn jeder Szene (oder den meisten jedenfalls) gibt es einen Funken-Effekt, eine kleine visuelle Darstellung einer ordentlichen Verbindung, die hergestellt wird, unmittelbar bevor das Licht angeht. Der Funke variiert in seiner Intensität im Verlauf der Handlung und wenn er fehlt, spricht die Stille tatsächlich Bände.

Das Bühnenbild von Miriam Buether leistet ebenfalls seinen Beitrag. Buether etabliert mühelos die Pariser Natur der Wohnung und arrangiert das Zimmer mit Sorgfalt. Während die Szenen von Zeit A zu Zeit B flackern, wird das Publikum sanft in den Modus „was ist mit all den Möbeln passiert“ versetzt und fragt sich, ob das Entfernen von Möbeln und Einrichtungsgegenständen eine Metapher für Alzheimer ist. Das ist es natürlich, aber Buethers eigentliche Absicht ist cleverer: Das Bühnenbild und seine Veränderungen stehen für die Verwirrung der Hauptfigur André, der in einem Trott gefangen ist, immer fragt, wo die Dinge sind und nicht, wo er sich befindet.

Kenneth Cranham und Claire Skinner in Der Vater. Foto: Simon Annand

Alles an Macdonalds Inszenierung ist durchdacht und klug. Schwierige Bühnenbildwechsel erfolgen in völliger Dunkelheit und verstärken das verstörende Gefühl, das von Szene zu Szene entsteht. Der gesamte Effekt der Produktion ist, Sie fest in die Wahrnehmung, die zitternde, unsichere und ständig wechselnde Wahrnehmung, die André erlebt, zu versetzen. Dies ist der Grundstein für Zellers Ansatz: Die Szenen und Charaktere spielen sich ab und werden aus Andrés Sicht gespielt.

In den frühen Phasen des Stücks ist dieser Ansatz sowohl konfrontierend als auch entwaffnend. Ich ertappte mich dabei, im Programm nachzuschauen, wer wer war, bevor ich Zellers Idee begriff (anstatt zu denken, dass ich etwas verpasst hatte). Sobald Sie in den richtigen Rezeptionsmodus eingeklinkt sind, akzeptieren, dass Sie nicht alles verstehen werden, können Sie Kenneth Cranhams außergewöhnliche Leistung als André bewundern und ein gewisses Verständnis dafür gewinnen, wie es ist, vom Alzheimer herausgefordert zu werden.

Kenneth Cranham in Der Vater. Foto: Simon Annand

Es wäre einfach, André als Karikatur eines Demenzleidenden darzustellen, aber Cranham geht nicht in diese Falle. Seine Darstellung ist roh, schmerzhaft anzusehen an einigen Stellen wegen ihrer brutalen Ehrlichkeit und realistisch bis ins Mark. Im gesamten Stück zeigt er André in all seinen Schattierungen, von Klarheit bis zu völliger, leerer Hilflosigkeit. Und er erlaubt es meisterhaft, dass diese Schattierungen in Sekunden dunkler und heller werden und sich umkehren, während André in und aus dem Nebel tritt, der ihn umhüllt.

Cranham holt so viel Humor wie möglich aus dem Charakter, was, natürlich, Andrés Zugänglichkeit und Menschlichkeit erhöht. Er zeigt auch sein Temperament, sein solides Ärgernis darüber, was mit ihm passiert, sowie verblüffende Momente der Selbsterkenntnis, die tief berührend sind. Eine Sequenz, in der André bemerkt, dass er wie ein Baum ist, der alle seine Blätter verloren hat, ist zutiefst herzzerreißend. Die letzte Szene ist so erschütternd wie alles in König Lear.

Dies ist eine wahrhaft großartige Darstellung von Cranham, leicht eine der großen Leistungen des Jahres und des Jahrzehnts.

Der Rest der Besetzung ist durchweg hervorragend. Einige, wenn nicht alle, tragen die Last, einen echten Charakter zu spielen (wenn André klar ist), und einen erinnerten/wahrgenommenen Charakter (wenn André mental abdriftet). Claire Skinner (Anne, Andrés Tochter) ist besonders gut darin, aber das gesamte Ensemble bewältigt die Aufgabe geschickt. Eine großartige Szene entsteht, wenn Jim Sturgeons Charakter André bedroht, verspottet und angreift: Es ist ein sehr beunruhigender Moment, ein Fall, in dem Erinnerung und Emotion sich in Andrés Gedanken zu einem Ausdruck verbinden, aber Sturgeon ist darin brillant leer.

Dies ist ein Stück für unsere Zeit. Jeder wird eines Tages von den hier behandelten Themen berührt werden, sei es als Pfleger, Partner eines Pflegers oder als Pflegebedürftiger. Cranhams subtile Meisterleistung ist Grund genug, dieses Stück zu sehen, aber eigentlich ist das Stück das Wichtigste.

Der Vater läuft im Wyndham's Theatre bis zum 21. November 2015. Jetzt buchen.

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