KRITIK: Die gemäßigte Sopranistin, Hampstead Theatre ✭✭

Roger Allam (John Christie), Nancy Carroll (Audrey Mildmay), Nick Sampson (Professor Carl Ebert) , Paul Jesson (Dr. Fritz Busch), Foto © Manuel Harlan The Moderate Soprano

Hampstead Theatre

27. Oktober 2015

2 Sterne

Das ist das Wunder des Theaters. Seine Wandelbarkeit. Skylight, The Absence Of War, The Judas Kiss und The Vertical Hour wurden alle in den letzten Jahren wiederbelebt, und viele Leute sagen mir, wie sehr sie sich verändert haben, obwohl ich kein Wort umgeschrieben habe. Es sind sie, die sich verändert haben. Und die Zeiten haben sich verändert. Aber nicht das Stück. Oder besser gesagt, nicht die Worte im Stück. So meint David Hare im Programm von The Moderate Soprano, seinem neuen Stück, das nun unter der Regie von Jeremy Herrin im Hampstead Theatre seine Weltpremiere feiert. Zweifellos hat er recht. Aber seine Worte erweisen sich als passend in einem etwas anderen Kontext. Ausgehend von der Beweislage bei The Moderate Soprano, obwohl sich die Zeiten geändert haben mögen, hat sich Hare nicht mit ihnen verändert und liefert einen Text, der nicht so abenteuerlustig oder theatermäßig interessant ist wie eines der von ihm erwähnten Stücke, und der lange vor dem Zeitpunkt geschrieben worden sein könnte, als sich jene 'Zeiten verändert haben'. Dieses Originalwerk steht in starkem Kontrast zu Hares lebendigem und aufregendem Werk in der Young Chekhov Saison in Chichester. Während das Thema hier wirklich interessant ist - wie diese am meisten englische und beständige Operninstitution, Glyndebourne, entstand - und es bizarre und exzentrische Charaktere in Hülle und Fülle gibt, die alle kluge oder nachdenkliche Zeilen beherrschen, hat Hares Behandlung eine singuläre Eigenschaft: Langweiligkeit.

In gewisser Weise ist das Stück die Geschichte eines Mannes, der die richtige Oper nach Sussex bringen möchte. In einer anderen Weise ist es die Geschichte einer Ehe und des Kindes dieser Ehe. In wiederum anderer Weise untersucht es, wie Musik Leben kontrollieren und formen kann. In noch einer anderen Weise ist es eine Meditation über Freundschaft und Geschäft.

Roger Allam (John Christie) und Nancy Carroll (Audrey Mildmay) Foto © Manuel Harlan

Dies sind alles interessante Themen, aber um richtig zu funktionieren, muss es einen theatermäßigen Ansatz geben. Hier ist es nie wirklich klar, was Hare darin sieht. Das Stück springt sorglos durch Zeitzonen, und obwohl es nicht schwierig zu folgen ist, macht es das Verständnis des Gesamtgedankens schwieriger und die emotionale Verbindung schwieriger aufrechtzuerhalten. Das Stück handelt nicht von den Erinnerungen einer Partei oder mehrerer Parteien. Es ist eigentlich auch kein biografisches Stück.

Trotz des Titels handelt das Stück nicht von Audrey Mildmay, der Frau von John Christie, dessen Idee und Passion Glyndebourne ist. Es handelt auch nicht wirklich von Christie, obwohl es mehr über ihn als über jemanden anderen ist. Audrey sang Hauptrollen in einigen der ursprünglichen Glyndebourne-Produktionen, aber es war, so glauben wir, kein Fall von Vetternwirtschaft. Christie ist besessen von Wagner und will, dass Parsifal die erste Glyndebourne-Saison eröffnet. Die von ihm engagierten Professor Carl Ebert und Dr. Fritz Busch, beide Deutsche, haben andere Vorstellungen. Rudolf Bing, ein eleganter Wiener Administrator, versucht, alle Parteien glücklich und fokussiert zu halten, damit die wichtige erste Saison ein Triumph wird. Gemüter erhitzen sich, Egos werden besänftigt, und nach einigem Feilschen beginnt die Eröffnungssaison von Glyndebourne mit Mozarts Hochzeit des Figaro. Audrey singt die Rolle der Gräfin und ein neues goldenes Zeitalter der musikalischen Prosperität bricht in den Downs an. Eine echte Sussex-Geschichte – das mag Hares bester Witz zu diesem Thema sein, und es ist nicht im Stück enthalten.

Und das ist wirklich alles.

Hares Stück hat wenig mehr zu bieten. Es gibt endlose trockene Diskussionen über die Verwaltung der Oper, das Repertoire und die Persönlichkeiten, die keinen besonderen Einblick in den Charakter liefern. Christies Torheiten werden untersucht, aber auf weitgehend laue Weise. Es wird nicht viel über die fünf Charaktere gelernt, obwohl es eine schreckliche Menge geredet wird.

Für ein Stück, das im Wesentlichen über Oper und die Leidenschaften, die sie inspiriert, handelt, hält sich Hares Werk weit von Musik entfernt. Erst in den finalen Szenen sind tatsächliche Opernmelodien zu hören. Das scheint seltsam.

Eine der klaren Möglichkeiten, diese Geschichte atmen und widerhallen zu lassen, wäre gewesen, Musik als Teil des Gewebes der Erzählung zu nutzen. Angesichts von Christies Leidenschaft für Wagner hätten Leitmotive in gewisser Weise für die Charaktere nützlich sein können, und ein Eindruck davon, welche Art Sängerin Audrey tatsächlich war, hätte geholfen. Glyndebourne erfolgreich zu machen, liegt schließlich an dem neuen Stil der Operninszenierung, für den Busch und Ebert eintraten - Probeszenen hätten dies verständlicher machen können.

Um Amadeus falsch zu zitieren: „Zu viele Worte“. Nicht genug Substanz, Stil oder Geschichte.

Der Genuss, den das Stück bietet, liegt in den Charakteren, die Hare aus Fragmenten der Geschichte geschnitzt hat. Roger Allam, fast unkenntlich als John Christie, macht einen hervorragenden Job, verwandelt sich völlig in einen lustigen, pingeligen, merkwürdig gekleideten Opernliebhaber. Er macht die Exzentrizität zum Teil des Gewebes von Christie und zeigt seine Extreme meisterhaft: seine Wut auf Glyndebourne, wenn die Dinge nicht nach seinem Willen gehen; seine sanfte Verehrung von Audrey; sein unerschütterlicher Glaube an den inhärenten Wert der Oper als den erhabensten Aspekt der Menschheit.

Roger Allam (John Christie), Nancy Carroll (Audrey Mildmay), Nick Sampson (Professor Carl Ebert) , Paul Jesson (Dr. Fritz Busch), Foto © Manuel Harlan

Viele Bilder von Allam hier werden bestehen bleiben: seine unermüdliche Geduld mit seiner kranken, sterbenden Frau; Tee in einer eigentümlichen Weise trinken; liebevoll über das Anwesen blicken; entschlossen über die Macht und Bedeutung der Oper streiten; über Ängste vor dem Scheitern hinwegsehen. Der zärtlichste Moment des Stücks tritt auf, als Allams Christie versucht, seine verschlechternde, vorübergehend erblindete Frau, Audrey, zu trösten, indem er ihrem Wunsch nachkommt, die Glyndebourne-Produktionen der ersten Saisons aufzulisten. Es ist zärtlich, intim und skurril – völlig zusammenfassend Christies Beziehung zu Audrey.

Die leuchtende Nancy Carroll gibt ihr Bestes in der Rolle der Audrey, aber sie bekommt vom Text nicht viel Gelegenheit, ihre beträchtlichen schauspielerischen Fähigkeiten zu entfalten. Aber sie macht das Beste aus jeder Gelegenheit – ihre Soliloquien sind wunderschön eingeschätzt und bieten Einblick in den Verstand eines vernünftigen, unambitionierten, aber unbestreitbar reizvollen Charakters. Sie ist hervorragend in allen Szenen mit Allam, und ihre Szenen mit George Taylors Bing strahlen auch Klasse aus: Es ist eine Freude zu sehen, wie Carroll Audreys Freude ausdrückt, als Bing ihr sagt, dass sie in der Eröffnungssaison von Glyndebourne singen wird.

Ein Großteil der Spannung und Textur im Material sollte von den Außenseitern kommen: Paul Jessons Busch, Nick Sampsons Ebert und Taylors Bing. Aber, leider, es ist wirklich nur Taylor, der dies gelingt. Sowohl Jesson als auch Ebert sind viel zu „englisch“, um als exilierte Deutsche glaubwürdig zu sein; es geht nicht nur um die Sprache, sondern auch um Haltung und Auftreten. Spannung muss erzeugt werden, und das Drehbuch erlaubt es leicht, aber diese Darbietungen verwehren diese Möglichkeit.

Es gibt große Passagen, in denen Bewegung nicht existiert und das Gespräch endlos ist. Diese Szenen hängen von den Fähigkeiten der Schauspieler ab: Nur ihre stimmlichen und dramatischen Fähigkeiten können das Geschwätz beleben. So sehr er sich bemüht, Allam kann diese Szenen nicht allein vorantreiben – er braucht bessere Unterstützung von Jesson und Sampson im Besonderen.

Rae Smith liefert makellose Kostüme und Bühnenmöbel, aber das Set wirkte ungewöhnlich langweilig. Im Text spezifiziert Hare:

Überall wird der Ort nur leicht skizziert – angedeutet, nicht dargestellt. In Sussex, immer ein Gefühl von Luft und Licht, von den sanften Downs darüber hinaus.

Smith scheint andere Ideen gehabt zu haben, die in einer oder zwei Szenen freilich ein angemessenes Gefühl erzeugen. Ansonsten jedoch dient das Set hier, obwohl es zweifellos hübsch ist, nicht wirklich den Bedürfnissen des Stücks.

James Farncombes Beleuchtung hingegen ist erstklassig und erzeugt Effekte, die oft die Mängel im Setdesign überwinden, und Paul Englishbys Musik ist passend angenehm.

Das ist ein überraschend enttäuschendes neues Werk von Hare. Es ist nicht schrecklich, aber es ist nicht fesselnd oder bahnbrechend. Roger Allam kann es nicht zum Leuchten bringen, so sehr er es auch versucht, mit der fähigen Unterstützung von Carroll und Taylor. Obwohl es ausverkauft sein könnte, scheint es unwahrscheinlich, dass The Moderate Soprano mehr als ein mäßiger Erfolg sein wird. The Moderate Soprano läuft bis zum 28. November im Hampstead Theatre