REZENSION: Die Möwe, Chichester Festival Theatre ✭✭✭✭

Anna Chancellor und Samuel West in Der Möwe. Foto: Johan Persson Die Möwe

Chichester Festival Theatre

24. Oktober 2015

4 Sterne

Es gibt viele bleibende Bilder: der Mond, der die provisorische Bühne streichelt, die im See gebaut wurde, um Konstantins "Avantgarde"-Stück zu zeigen; Polina, die wütend die Blumen zerreißt, die Nina Dorn gegeben hat; Trigorin, der mit dem Rücken zum Publikum steht, aber den genauen Moment festlegt, in dem Nina, im Mondlicht auftretend, seine träge Leidenschaft weckt; Arkadina, die wie ein stolperndes Schulmädchen hüpft und sich ihrer jugendlichen Erscheinung versichert; der Regen, der das Anwesen und den See peitscht, Nina in den Regen mitreißt; das helle, fast überwältigende Sonnenlicht, das die Luft über dem See fast verbrennt; Dorn, erschrocken und wirklich entsetzt, als er den Körper von Konstantin entdeckt, warm, aber des Lebens enthoben. Kraftvolle Bilder allesamt.

Noch bleibender, noch wichtiger, noch kraftvoller ist jedoch das spektakuläre Tableau, das im letzten Akt heraufbeschworen wird und als Darstellung vieler der unruhigen und quälenden Themen des Stücks dient. Das Abendessen wird im Raum neben dem Studierzimmer serviert, Arbeit getrennt vom Geschäft des Lebens. Kerzen brennen hell auf dem Tisch, an dem die Erwachsenen speisen, ihr Licht weich, fast glänzend, wenn man sie durch die eleganten Fenster sieht, die das Arbeitszimmer säumen - Arbeit, Realität, in kaltem, hartem Licht; das Geschäft des Lebens, weicher, leicht unwirklich.

Die stille Stille des Studierzimmers steht im krassen, kontrapunktischen Einklang mit der erzwungenen, gesellschaftlichen Geselligkeit des mit Essen, Wein, Lachen und Gästen gefüllten Esstisches. Realität und Unwirklichkeit. Wahrheit und Fiktion. Verlorene Liebe und verlorene Liebe. Hoffnung aufgegeben und nicht erfüllte Hoffnung, die dennoch weiter besteht. Der einzelne Revolverschuss ändert alles und nichts; ein einzigartiger Singularitätspunkt.

Dies ist der dritte Teil von Jonathan Kents Young-Chekhov-Staffel, die jetzt im Chichester Festival Theatre läuft - David Hares neue Adaption von Die Möwe. Viel berühmter und bekannter als entweder Platonow oder Iwanow, die beiden Stücke, die die Staffel abschließen, und die Arbeit dieser speziell zusammengestellten Repertoiregesellschaft, Die Möwe hat eine wechselhafte Geschichte, hauptsächlich wegen der vielen Produktionen, die versucht haben, die Tragödie und Bedeutung auf übertriebene Weise aus Tschechows Erzählung herauszupressen und dabei die Feinheit und die fast symphonische Natur seiner Beobachtungen über die Schwächen und Gebrechlichkeit der Menschheit zerstören.

Kent umgeht diese Falle geschickt, nicht zuletzt, weil Hares Adaption, die beste der drei in der Staffel, scharf, charmant und komisch ist und dadurch die Wirkung der tragischeren Aspekte verstärkt. Es ist eine auffällig kurze Version des Stücks, und Kent unterstützt das Verständnis seiner Konturen und Farben, indem er eine Pause zwischen den Akten 3 und 4 einfügt. Dies ermöglicht es den vier zentralen Charakteren des Stücks, ihre Positionen festzulegen, ihre Spannungen und Allianzen zu entwickeln sowie ihre Hoffnungen, Ängste und Träume; bis zum Ende des dritten Akts sind die verschiedenen Würfel gefallen und Akt Vier, der zwei Jahre später spielt, handelt von Konsequenzen; Hühner - oder Möwen - kehren nach Hause zurück.

Der andere Vorteil, den dieser Ansatz mit sich bringt, ist, dass die Strukturierung der anderen Charaktere vor der Pause richtig herausgearbeitet wird. Es ist klar, dass Medvedenkos Besessenheit mit Geld niemals nachlassen wird und dass Mascha ihn niemals lieben wird, trotz seiner Verehrung für sie. Beide werden bedauern, was nicht war.

Es ist klar, dass Sorin trotz seiner Proteste über seine eigenen Misserfolge und Unzulänglichkeiten das Leben geführt hat, das er wollte; er wird bedauern, was war.

Es ist klar, dass Polina und Schamrrajew ein unsicheres Leben als Verwalter des Anwesens haben, ständig die Bücher ausbalancierend oder versuchen, sie auszubalancieren, und die Erwartungen von Sorin und seiner Schwester Irina erfüllen. Sie bedauern die Gegenwart und werden immer bedauern.

Dorn, der Dorfarzt, ist eindeutig in Arkadina verliebt und möglicherweise der Vater von Mascha, da Polina lange Zeit seine Geliebte war. Er bedauert, was hätte sein können.

Dieses Wirrwarr von Emotionen und Untertexten sorgt für ebenso angespannte wie komische Situationen, und das Spiel jeder dieser Charaktere bringt das Beste aus den Einsichten, die das Stück zu bieten hat. Jade Williams ist besonders gut als die ewig trauernde Mascha; sie trauert darüber, dass Konstantin sie nicht bemerkt, geschweige denn, dass er sie liebt. Kantig und schroff, ist Williams' Mascha eine unerbittliche Naturgewalt. Pip Carter spielt perfekt dagegen und macht die Geldbesessenheit des nörgelnden Medvedenko sowohl lustig als auch traurig, ohne jemals auf die Mitleidskarte zu setzen. Carters Schulmeister akzeptiert meist sein Schicksal, sodass die Gleichgültigkeit von Mascha trotz Ehe und Elternschaft von Bedauern geprägt ist, aber vollständig verständlich ist; es ist auch völlig glaubwürdig, dass sein Schwiegervater ihn vier Meilen im Regen hätte gehen lassen, weil "es ist nicht so, als wäre er ein General."

Lucy Briers macht Polina warm, aber verzweifelt darauf, mit Dorn zu entkommen. Sie zeigt fast Missachtung für Sasha und Schamrrajew, während sie den Anschein einer pflichtbewussten Ehefrau und Mutter gibt. Des McAleer schnauft und pufft durch die Rolle von Schamrrajew mit genau dem richtigen Maß an Grausamkeit und penibler Richtigkeit. Man hat nie Zweifel daran, warum Sasha so ist, wie sie ist. Jeder hat komische Momente, perfekt ausgeführt: McAleers "Bravo-Silva!"-Geschichte ist meisterhaft bewertet, sogar mit den vielen Wiederholungen des Höhepunkts, und Briers' Wut über die Blumen, die Nina Dorn präsentiert hat, ist in jeder Hinsicht exquisit.

Adrian Lukis ist wunderbar gut als der intelligente, wachsame Dorn, der sehr wenig verpasst und noch weniger sagt. Sein Funkeln gegen den aufsässigen und sich beschwerenden Sorin, einen köstlich grummelnden Peter Egan, ist ziemlich köstlich, ebenso wie seine Szenen mit Anna Chancellors tyrannischer Debütantin Arkadina. Lukis und Chancellor teilen eine glorreiche Chemie, er der Raubvogel, sie die willige Beute, bis zu einem Punkt, an dem die Rollen schwindelerregend umgekehrt werden. Auch Egan markiert geschickt die komplexe Beziehung, die Sorin zu seiner egoistischen, verwöhnten Schauspielerinnen-Schwester hat. Beide Männer bringen das Beste aus Joshua James heraus, der nie besser ist als in seinen Austauschen entweder mit Sorin oder Dorn.

Alle sechs dieser wunderbaren Charakterdarsteller arbeiten sehr effektiv, um die reiche und befriedigende Welt des Anwesens zu schaffen, wo die Aktivitäten der vier zentralen Charaktere auf einen Höhepunkt zusteuern werden. Es ist ensemblearbeit auf höchstem Niveau, detailliert und vielschichtig.

Anna Chancellor ist einfach perfekt als Arkadina, ihre kehlig-gesprochene, selbstsüchtige Impulsivität und Schmeichelei verbinden sich hervorragend, um die ultimative schlechte Mutter-Schauspielerin/Liebhaber-Narzisstin zu schaffen. Sie ist in jeder Hinsicht großartig, sei es wenn sie gelangweilt ist, während sie den mit einem Schuss verletzt Kopf ihres Sohnes verbindet, ernsthaft Trigorin bittet, mit ihr zu entkommen, Sorin bis zur Erschöpfung antreibt und dann über seine Gesundheit jammert, mit jedem männlichen Flirt, der sich bewegt, oder Nina und Sasha wann immer möglich demütigt.

Makelloses Timing zusammen mit der Fähigkeit, das Outfit des Augenblicks unerwartet glamourös und gleichzeitig teuflisch unangemessen zu machen und eine unvergleichliche Fähigkeit, mit einer Person zu sprechen, während sie eine andere anschaut und an eine dritte denkt, während sie überlegen, ob das Licht sie zu maximaler Wirkung streift, ob sie gut aussieht beim Rauchen - diese Arkadina ist eine glückselige Diva, die wie ein Kreisel dreht, um sicherzustellen, dass ihre Ziele erreicht werden.

Samuel West tanzt mit Chancellor hervorragend, und egal wie gelegentlich oder entschlossen sinnlich dieser Walzer erscheint, der Unterton von Dunkelheit und Verzweiflung ist nie weit entfernt. Sie braucht ihn wahrscheinlich mehr als er sie braucht, aber das ist nie ganz klar und die Mehrdeutigkeit dieser Bedingung zahlt sich aus. West macht Trigorin sehr ansprechend und attraktiv, aber romantisch und simpel auf der einen Seite und verschlagen und eigennützig auf der anderen.

Es wird oft gesagt, dass Trigorin Tschechows bester männlicher Charakter ist. Während die Young-Chekhov-Saison dies ernsthaft in Frage stellen könnte, macht West sicherlich einen überzeugenden Fall, indem er eine der rundesten und nuanciertesten Darstellungen der Rolle in den letzten Jahren bietet. Seine Rivalität mit Konstantin, sein Bedürfnis nach Nina, seine Abhängigkeit von Sorin und Arkadina, seine Distanz zu den Details der Leben von Dorn, Polina, Mascha und seine willkürliche Gleichgültigkeit - West legt alles in eine reife und fesselnde Darbietung von großer Finesse dar.

Pip Carter und Anna Chancellor in Die Möwe. Foto: Johan Persson

Wo die Produktion leicht aus dem Ruder läuft, ist leider der Punkt, an dem jede Produktion von Die Möwe triumphieren muss, um Größe zu erreichen: im Spiel von Konstantin und Nina, den zwei wandlungsfähigsten Charakteren im Stück. Weder Joshua James noch Olivia Vinall kommen wirklich nahe an die Intensität des Verständnisses, der reich gezeichneten emotionalen Einsicht oder des glutvollen Romantismus, die Konstantin und Nina benötigen, um großartige zu sein.

Beide sind ausreichend, damit das Stück gut genug funktioniert, aber weder mit dem anderen noch in Kombination mit anderen Charakteren erleuchten sie wirklich. James ist zu distanziert, nicht annähernd so sehr von seinem Bedürfnis nach Nina und seiner Hamlet’schen Eifersucht auf Trigorins Erfolg, sowohl als Liebhaber seiner Mutter als auch als Schriftsteller, erfasst. Er muss sich mehr mit den Extremitäten des Charakters auseinandersetzen und viel mehr Aufwand in die Rolle einbringen, Konstantin zu sein statt die Rolle einfach nur zu spielen. Die beiden Szenen, die am meisten hohl klangen, waren entscheidend: die Szene, in der er seine Mutter dazu bringen will, seine verwundete Kopfhaut zu verbinden und sich dann mit ihr streitet; und die Szene, in der er Nina, durchnässt und verwaist, im regennassen Wald begegnet.

Vinall hingegen beginnt gut, die erste Szene, in der Konstantins Stück besonders gut funktioniert und ihre Beziehungen zu allen Schlüsselpersonen sind glaubhaft dort festgemacht. Aber als das Stück sich weiterentwickelt und Nina sich verändert und neue Ziele anstrebt, gibt es Raum, nun einen Anspruch wirklich, für größere, emotional komplexere Arbeit. Vinall erfüllt diese Herausforderung nicht ausreichend.

Das Ergebnis ist, dass der verheerende Schluss des Stücks nicht so traumatisch ist, wie es sein sollte. Das liegt nicht am Schreiben, an der Regie oder an irgendwelchen Problemen mit den anderen Darstellern - im Gegenteil, Lukis, Chancellor und West sind alle quite magnificent in ihrer unterstützung des Höhepunkts; das gequälte, schuldige, ängstliche Gesicht von Chancellor, wenn sie, in Kerzenlicht gehüllt, in das Studierzimmer blickt oder diesen Eindruck gibt, ist ganz unvergesslich, ebenso wie Lukis' Reaktion auf Konstantins Selbstmord. Aber ohne vollständig engagierte Arbeit von James und Vinall kann das Stück nicht so fliegen, wie es könnte. Mehr ehrliche, intelligente und durchdachte Darstellkunst ist erforderlich.

Trotzdem ist dies immer noch eine bemerkenswert fesselnde und einbeziehende Produktion von Die Möwe. Sie packt vielleicht nicht den emotionalen Schlag, den sie könnte oder sollte, aber sie ist sehr unterhaltsam und das Geschichtenerzählen ist wunderschön klar, die Charaktere meist perfekt und lebendig belebt.

Mark Hendersons Beleuchtung erhält volle Möglichkeit auf Tom Pyes wunderbarem Szeneriedesign hier: der Mondschein-Verzauberung des Sees, als Konstantins Stück scheitert wegen der Unwilligkeit seiner Mutter, den Mittelpunkt zu teilen; die Intensität des Sonnenlichts über dem See, als Trigorin und Nina sich klar werden, was sie wollen; die Dunkelheit, unterbrochen von den flackernden Kerzen, als Konstantin die endgültige gewaltsame Handlung ausführt, wenige Sekunden bevor er sein Werk zerrissen hat. Die Beleuchtung ist außerordentlich beeindruckend; ebenso die Effekte, die das Gefühl des Wasserregens erzeugen. Wenn sich Medvedenko zu seinem vier Meilen langen Marsch aufmacht, fühlen Sie, wie Ihre Socken vor Wasser anschwellen.

Jedes der drei Stücke in der Young-Chekhov-Saison behandelt einige der gleichen Themen: Tod durch Revolver; die Rolle eines Arztes im provinziellen Russland; Liebesdreiecke; unerwiderte Liebe; Armut; was den menschlichen Geist bricht. Aber jedes Stück behandelt diese Themen völlig anders. Kents wunderbare Produktionen spiegeln sowohl die Gemeinsamkeiten als auch die Unterscheidungspunkte wider, basierend auf ehrlichen, wahrheitsgemäßen Darbietungen, die im Ton modern, aber im Ansatz klassisch sind.

Alle drei Stücke nahe beieinander zu sehen, zwingt einen, sie neu einzuschätzen. In den Händen von Kent, seiner Gesellschaft und Kreativen hat Hare die Arbeit des jungen Anton Tschechow wiederauferstehen lassen und ein klares, strahlendes Licht in diese Arbeit scheinen lassen.

Das Ergebnis ist eine Offenbarung.