REZENSION : Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14. Oktober 2015

4 Sterne

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Die Bedeutung exzellenten Bühnenbilds wird oft übersehen, insbesondere bei Starvehikeln oder Theatererlebnissen, bei denen angenommen wird, dass die Motivation für den Besuch etwas anderes als eine Sehnsucht nach theatralischer Zufriedenheit ist. Doch gelegentlich wird das Design zu einem so entscheidenden Bestandteil des Gesamterfolgs des Theatererlebnisses, dass man sich fragt, wie Stücke und Musicals ohne das bestmögliche erhellende Bühnenbild versucht werden können. Jüngste zufällige Beispiele sind Bob Crowleys erstaunliches Set für Skylight mit Carey Mulligan und Bill Nighy, Justin Nardellas einfühlsames Design für das Londoner Debüt von Casa Valentina und Robert Howells wunderbare Arbeit an Matilda.

Genauso verhält es sich mit dem bemerkenswerten Design von Beowulf Boritt für die Produktion von Thérèse Raquin der Roundabout Theatre Company, einer neuen Adaption von Helen Edmunson basierend auf Émile Zolas berühmtem Roman, die nun am Studio 54 gespielt wird, unter der Regie von Evan Cabnet. Boritts Design ist ein integraler Bestandteil der emotionalen und dramatischen Struktur der Produktion, und ohne sie könnte diese Produktion schlaff und ineffektiv wirken.

Boritt nutzt den Raum hier sensationell. Manchmal wird das volle Ausmaß der Bühne präsentiert, Höhe, Tiefe und Breite werden gezeigt und signalisieren köstlich die Freiheit der Welt. Der Boden erstreckt sich bis zur Hälfte der Bühnentiefe, wo er auf Wasser trifft, das sich über die Länge der Bühne erstreckt. Das Wasser symbolisiert Flucht, Natur, Reinigung. Seine ständige Präsenz ist verlockend, und man sehnt sich danach, hinein zu springen und zu schwimmen.

Vier hohe Säulen rahmen eine Seite der Bühne ein und suggerieren, unvorstellbar zart, Enge, Repression, Gefangenschaft. Betrachtet man sie auf eine Weise, könnte die Bühne ein Fenster zur Welt aus einem verschlossenen Turm sein - ein Abstraktum, vielleicht, der Art von Aussicht, die Rapunzel täglich genossen haben könnte.

Projektionen ändern von Zeit zu Zeit die Aussicht. Die beeindruckendste und fast erstickend überwältigende ist eine Anspielung auf Monets berühmte Seerosen (naja, eine davon). Das Bild ist sofort erkennbar; unverkennbar französisch, emotional, sinnlich. Aber die Palette ist ungewohnt - Brauntöne und Gold; wie ein Sepia-Bild von Monets Werk, dem potenzielle Farben hinzugefügt wurden. Es ist gespenstisch atmosphärisch.

Dann wird das Haus hereingeflogen, in dem Thérèse Raquin lebt. Alles Dunkelheit, altmodisch muffig, eng und überladen, wirken die beiden Räume, die wir sehen, sehr klein im Vergleich zur Weite des Freiraums. Die Decken sind niedrig - das Gefühl, eingesperrt, gefangen oder eingezwängt zu sein, umgeben von Verfall, ist greifbar; man fühlt fast, als würde einem der eigene Atem genommen, aus Angst, den Staub der Vergangenheit einzuatmen, der in diesen Räumen so frei wirbelt.

Boritts Set ist so beredt, dass Seiten von Dialogen dadurch eingespart werden. Es ist nicht nötig, die Situation, in der sich die Titelheldin befindet, zu verdeutlichen, da die Aktion beginnt. Allein sie im weiten offenen Raum zu sehen und das im Kontrast zur Spannung im beengten Haushalt von Madame Raquin, als kontrollierend böse Matriarchin, wie man sie in der modernen Literatur finden kann, verdeutlicht die verzweifelte Lage von Thérèse.

Gezwungen, nach dem Tod ihres Vaters bei ihrer Tante zu wohnen und in ihrem Laden zu arbeiten, ist Thérèse ein Bild des Elends. Sie will vor ihrer Tante und deren genauen Forderungen fliehen und das Leben erfahren, aber Armut und die Missbilligung der Gesellschaft halten sie an ihrem Platz. Ihre Tante überschüttet ihren verwöhnten, nervtötenden und hypochondrischen Sohn Camille mit Aufmerksamkeit und Geld, und schließlich ist Thérèses Schicksal besiegelt: Sie wird Camille geheiratet, eine liebloses Verbindung, die beiden Unglück bringt.

Die gedankenlose Wiederholung und das Muster ihres Lebens, einschließlich der Kartennächte jeden Donnerstag mit Madames etwas prätentiösen Freunden, bringen Thérèse an den Rand des Wahnsinns. Dann trifft sie Laurent, einen alten Freund von Camille, der jetzt mit ihm bei der Eisenbahn arbeitet. Laurent und Thérèse beginnen eine leidenschaftliche Affäre, beide verzweifelt nach dem anderen. Während sie Laurent hat, ist Thérèse zum ersten Mal in ihrem Leben wirklich lebendig.

Ihre Treffen finden in Thérèses Zimmer statt, wann immer Laurent früh von der Arbeit loskommt. Aber als Laurents Chef seine frühen Gehen stoppt, sind die beiden Liebhaber verzweifelt, einen Weg zu finden, sich zu haben, zusammen zu sein. Angetrieben von ihrem unstillbaren Bedürfnis nacheinander, stimmen sie zu, Camille zu ermorden, damit sie heiraten können. Sie ertränken ihn, aber bevor er stirbt, beißt Camille Laurents Hals.

Während die Wunde am Hals eitert, tut es auch das Band zwischen Laurent und Thérèse, da beide von dem, was Camille angetan wurde, gequält werden. Schuld und Angst verwandeln ihre Leidenschaft in gefährliche Dissonanz. Madame erleidet einen Schlaganfall und ist gelähmt, als sie das Duo dabei belauscht, wie sie besprechen, was sie ihrem geliebten Camille angetan haben. An einen Rollstuhl gebunden, mit wirklich nur ihren Augen, die sich bewegen, halten Madames wachsame, wissende Blicke Thérèse und Laurent auf einem messerscharfen Abgrund. Der Tod erweist sich als der einzige Ausweg, den sie akzeptieren können.

Cabnets klare und wahrnehmende Regie ist überwiegend gelungen, und es gibt einen Schwerpunkt auf visuellen Aspekten der Produktion, die sie zu etwas Besonderem machen. Thérèse, allein auf einem Felsen, den Ausweg erwägend; der unbeholfene, fast unfähige Mord an Camille, gefolgt von den Bildern der durchnässten Liebenden, atemlos an Land; Madames Hand, die ins Sichtfeld kriecht, gerade als der Schlaganfall sie trifft; das ruhelose Gefühl von Camilles Geist, der das Schlafzimmer besessen hat, in dem Thérèse und Laurent ihn betrogen haben. Stille so ausdrucksstark wie Klang nutzend, überwacht Cabnet eine Produktion, die reich an Details und unglaublich angespannt zu erleben ist.

Die einzige wirkliche Auslassung ist ein klareres Gefühl für die von Lust getragene Leidenschaft zwischen Thérèse und Laurent. Angesichts der Tatsache, dass ihr Bedürfnis nacheinander sexuell so intensiv ist, dass Mord eher in Frage kommt als ohne einander auszukommen, unternimmt Cabnet keinen wirklichen Versuch, dieses Gefühl zu vermitteln. Es gibt keine Szenen, in denen die Kleidung der Liebenden von einander gerissen wird, keine Nacktheit, kein Gefühl von sich wiederholenden, zwanghaften fleischlichen Begegnungen: ja, die Affäre wird dargestellt, aber auf eine sehr zugeknöpfte Weise, was die Kraft der Handlung kurioserweise untergräbt.

Es gibt keine Beschwerden über die Besetzung. Judith Light ist in sensationeller Form als die manipulative Madame, die einen klaren Sinn für Gift von jedem hilfreichen Vorschlag oder lächelnden Anerkennen tropfen lässt. Nach dem Schlaganfall ist Lights Darbietung wirklich hypnotisierend: es ist schwierig, nicht ihr ausdrucksstarkes Gesicht und ihre beredten Augen zu beobachten, die Gefühle und Emotionen ausstrahlen. Die Szene, in der sie versucht, mit einem Alphabet den Mord an ihrem Sohn zu buchstabieren, ist absolut packend. Dies ist eine phänomenale Leistung.

Gabriel Ebert ist richtig abstoßend als der schmierige, unerträgliche Langweiler Camille. Er lässt einem die Haut kribbeln, so wie Thérèses sicherlich gekribbelt haben muss. Es ist faszinierend zu beobachten, denn trotz allem, was an der Figur schrecklich ist, navigiert Ebert es so, dass wenn er ermordet wird, es wirklich schockierend und berührend ist. So unauslöschlich ist der Gedanke an Camille, den Ebert malt, dass die unheimlichen Sequenzen mit heimtückischer Kraft widerhallen.

Matt Ryan ist extrem attraktiv als Laurent, und es fällt einem nicht schwer, Thérèses überwältigende Begierde zu verstehen. Es ist nicht nur Ryans physische Schönheit, sondern die Art und Weise, wie er die Figur insinuierend, verführerisch und leicht, spannend gefährlich macht. Es ist eine fabelhaft gut abgestimmte, sehr maskuline Darbietung, die im scharfen Kontrast zu Eberts perfekt inszeniertes Muttersöhnchen steht.

Es gibt auch hervorragende Rollen von Jeff Still und David Patrick Kelly. Kelly insbesondere macht das Beste aus einem entscheidenden dramatischen Umschwung und schafft einen eiskalten Moment reiner Panik, wenn das Geheimnis um Camilles Mord kurz vor der Entdeckung steht.

Aber die harte Arbeit des Stücks ruht auf den Schultern der Schauspielerin, die Thérèse spielt, hier Kiera Knightley, die ihr verspätetes Broadway-Debüt gibt, nachdem sie zweimal im West End aufgetreten ist. Ihre Filmerfahrungen helfen Knightley hier enorm - sie kann einen stillen Blick Bände sprechen lassen und ist zu Hause im Erschaffen visueller Bilder von überwältigender Kraft. Sie schweigt für einen Großteil des Stückes, aber ist deswegen kein bisschen im Hintergrund.

Sie nutzt jede Gelegenheit bestmöglich aus, ob sie nun hinter Camille am Meer entlang geht oder sich mit Madame konfrontiert oder von Laurents Anwesenheit berauscht ist. Und wenn sie spricht, macht sie jedes Wort zum Zählen, verleiht vielen Passagen einen lyrischen Schönklang und anderen einen müden, gedemütigten Schrecken. Der endgültige Zusammenbruch von Thérèse ist makellos abgestimmt und wirklich beeindruckend.

Jane Greenwood liefert außergewöhnliche Kostüme, die meisten davon in Schwarz-, Grau- oder Brauntönen, und die die Palette in Boritts Szenerie aufgreifen. Ein großes Lob an Keith Parham für ein außergewöhnliches Lichtdesign, das die Gefühlsskala durcheilt, während die Ereignisse sich entfalten: Dunkles, kaltes Licht; heißes, lustvolles Licht; warmes, erstickendes Licht; sanfte Strahlen der Freiheit und das Grau, das kommt, wenn die Dinge trostlos sind. Es ist selten, eine Beleuchtung zu erleben, die emotional so abgestimmt ist, wie Parhams sie hier abliefert. Es ist eine bedeutende Leistung. Josh Schmidts Originalkompositionen verstärken effektiv die emotionale Wirkung der Produktion.

Zola schrieb einen hervorragenden psychologischen Thriller und Edmundsons Adaption hier bleibt seinem Anliegen treu, zart und schaurig zugleich. Cabnets hervorragende Besetzung leistet großartige Arbeit, belebt die vielen miteinander verknüpften Fäden und schafft eine kraftvolle, theatralische Freude, die vollmundig ist. Es könnte mehr Betonung auf die Sinnlichkeit vertragen, die für Thérèse und Laurent (für Camille auch) den Untergang freisetzt, aber angesichts der wunderbaren Schauspielerei, Sets, Kostüme und Beleuchtung sollte sich niemand zu kurz kommen fühlen.

Thérèse Raquin läuft bis zum 3. Januar 2016 im Studio 54