REZENSION: Schade, dass sie eine Hure ist, Sam Wannamaker Theatre ✭✭✭✭

Foto: Simon Kane 'Tis Pity She's A Whore

Sam Wanamaker Theatre

4. November 2014

4 Sterne

Es muss gesagt werden: Es macht nicht wirklich Spaß, eine Frau in John Fords großer Tragödie 'Tis Pity She's A Whore zu sein. Es gibt vier Frauen in der Besetzung, und alle erleiden ein schlimmes Schicksal. Eine wird in ein Kloster geschickt (und kommt dabei noch glimpflich davon). Eine wird vergiftet und stirbt qualvoll. Einer werden die Augen ausgestochen, und sie wird lebendig verbrannt. Eine begeht Inzest (zugegebenermaßen freiwillig) mit ihrem Bruder (zugegebenermaßen gutaussehend), der sie dann tötet und ihr Herz herausschneidet, das er wie ein Kebab auf seinem Dolch aufgespießt mit sich herumträgt. Kein Zweifel: Dies ist kein Stück, das viel für die Menschheit tut.

Der abscheuliche, unchristliche Kardinal beendet das Stück mit diesen berühmten Zeilen:

Doch nie begegneten sich so seltsam Inzest und Mord.

Von einem so jungen, so reichen an Naturgaben,

wer könnte nicht sagen: "'Tis pity she's a whore?"

In dieser Inszenierung ist es eine Rede über den Leichnam des toten Giovanni, der goldenen Jugend, die ihre Schwester sowohl körperlich als auch familiär liebte. Doch die letzte Botschaft lautet, dass die Frau das Problem war. Das übliche Argument ist, dass der Kardinal die Personifikation der Korruption ist und "nun ja, das würde er natürlich sagen, nicht wahr?"

Und natürlich wurde das Stück um 1630 geschrieben, als die Einstellung zu Frauen unaufgeklärt war. Aber in der modernen Welt der farbenblinden und geschlechtsblinden Besetzung scheint etwas Abscheuliches an diesem Stück zu sein, zumindest wenn es unter Anwendung des Originaltextes aufgeführt wird. Wenn Ford 'Tis Pity She's a Nigger or 'Tis Pity She's a Dyke geschrieben hätte, wäre die moderne Welt ebenso gleichgültig gegenüber dem Titel?

Warum die Zeile nicht ändern, es und den Titel zu 'Tis Pity He's A Whore machen? Schließlich ist Giovanni das Geschwisterteil, das den ersten Schritt macht, und die Welt ist sicherlich so weit fortgeschritten, dass männliche Huren anerkannt werden.

Es ist ein Beweis für die Tiefe des Denkens und der Sorgfalt, die in Michael Longhursts Wiederbelebung von Fords Stück gesteckt wurden, das jetzt im Sam Wanamaker Theatre gespielt wird, dass dies die Gedanken sind, die einem am Ende des Stücks beschäftigen, anstatt ein Gefühl der völligen Abscheu und des Entsetzens über die sich entfaltenden Ereignisse.

Longhurst nähert sich dem Stück in Abschnitten. Der frühe Teil des Stücks, in dem Giovanni seine Liebe zu seiner Schwester Annabella erklärt, den Segen des Paters für die Verbindung sucht, zur Reue beraten wird, dies aber nicht kann und seiner Schwester seine Liebe gesteht, was zu ihrem Eingeständnis wechselseitiger Zuneigungen führt, hat sehr das gequälte, verzweifelte, unsterblich verliebte Gefühl von Romeo und Julia. Der erste vorsichtige, aber zärtliche und zitternde Kuss, den sie teilen, ist hochgeladen. Dann, nackt, machen sie Liebe unter knusprigen weißen Laken, die sich verführerisch um ihre Körper winden, ihr Liebesspiel ist so erotisch, so sinnlich, so elektrisierend, dass sie Romeo und Julia wie bloße Händchenhalter erscheinen lassen.

Ebenfalls gibt es viel Spaß und Intrigen mit der Aussicht auf die verschiedenen schrecklichen Männer, die ihr Ehemann werden könnten, sollte ihr Vater, Florio, seinen Willen durchsetzen. Dies hat eine Art Kaufmann von Venedig-Gefühl, endet jedoch abrupt, als (sehr effektiv, in der pechschwarzen Dunkelheit dieses Auditoriums) der Narr Bergetto irrtümlich getötet wird.

Der letzte Teil des Stücks ist ein Orgien von Blutvergießen, Verrat und Galle, und Longhurst umarmt dies körperlich und allem voran. Von Hippolitas qualvollem Tod durch Gift, über Annabellas Briefschreiben mit ihrem eigenen Blut, Giovannis unerwartetes Erschlagen seiner schwangeren Schwester-Liebhaberin und seine blutgetränkte Rache an ihren Hauptpeinigern (einschließlich ihres gewalttätigen und missbräuchlichen Ehemannes), entfaltet Longhurst ein albtraumhaftes Spiel der Konsequenzen. Blut durchtränkt die Bühne, sammelt sich in dichten, viskosen Schatten um die gefallenen Spieler.

Indem Giovanni nicht als böser Verführer seiner jungfräulichen Schwester dargestellt wird (er wirft die Lüge über die Kirche, die die Verbindung gutheißen soll, praktisch weg), indem sowohl Bruder als auch Schwester leidenschaftlich verrückt nach dem Fleisch und der Seele des anderen sind, lässt Longhurst die Aussicht und dann die Realität ihrer inzestuösen Verbindung irgendwie nicht monströs erscheinen. Man möchte, dass sie zusammen sind, glücklich sind. Es ist eine bemerkenswerte Leistung.

Und all das wird noch wirkungsvoller auf der Leinwand aus Intrige, Korruption und Vergeltung, die den italienischen Adel und die religiöse Hierarchie ausmacht. Sie sind eindeutig die Übeltäter hier, nicht die jungen Liebenden. Wenn Inzest zwischen Geschwistern eines der großen Tabus bleibt (und der Erfolg von Games of Thrones könnte etwas anderes andeuten), dann geht Longhurst in dieser Inszenierung mit der Auffassung um, dass Ford keine moralischen Urteile zu fällen suchte: Annabella und Giovanni sind die tragischen Figuren, die von den Urteilen der Menschen verzehrt werden, die mehr mit Eigeninteresse und persönlichem Reichtum als mit dem beschäftigt sind, was richtig oder wahr ist.

Eine begabte Kernbesetzung bietet Longhurst stilvolle Werkzeuge, um seine Vision von 'Tis Pity She's A Whore umsetzbar zu machen.

Max Bennett ist hervorragend als der liebesverrückte Giovanni. Seine Begierde nach seiner Schwester hat ihn bei der Eröffnung des Stücks so gut wie in den Wahnsinn getrieben, und Bennett verleiht der Figur eine Wildheit, einen frenetischen, verlorenen Jungen-Charme, der in voll entblossenen Wahnsinn aufblüht. Seine Szenen, durchnässt im Blut seiner geschlachteten Liebhaberin, sind voller glühender Qual und der Stille, die aus der aufgegebenen Normalität kommt.

Doch die Szenen zwischen ihm und Fiona Buttons verführerischer Annabella sind zerbrechlich, bezaubernd und durchwirkt von dem Vergnügen und Schmerz einer intimen, verzweifelten, unaufhaltbaren Liebe, von der sie beide wissen, dass sie nicht andauern kann. Er geht spielerisch mit der Sprache um und nimmt eine oft übertriebene oder unersättliche Rolle und macht sie völlig verständlich, komplett. Das erschreckende Bild von ihm, wie er wie ein wahnsinniger Idiot grinst, das aufgespießte Herz Annabellas haltend, ist beängstigend; eine perfekte Verwirklichung von jugendlicher Schönheit und Begierde, die völlig zerstört ist.

Als Annabella ist Fiona Button wunderschön, ätherisch und verwundet, vom ersten Auftreten bis zu ihrem plötzlichen unerwarteten Tod. Sie ist ebenso bezaubernd in der Nacktromanze mit Bennett, dem glücklichsten Moment ihres Charakters, wie mutig und furchtlos in der schwierigen Szene, in der ihr neuer Ehemann, Soranzo (Stefano Braschi), sie körperlich misshandelt. Sie zeigt auch eine hervorragende komische Begabung in den Austauschen mit Morag Sillers exzellenter Putana, bezüglich der Frage der Bewerber, die um ihre Hand anhalten. Sie verfällt nicht in Melodrama, sondern findet stets die Wahrheit des Augenblicks – ihre Szene mit dem Brief, den sie mit ihrem Blut geschrieben hat, ist eindringlich. Und die Szene zwischen ihr und Pater Bonaventura (ein exzellenter Michael Gould) ist wunderschön gespielt, als er sie überzeugt, Soranzo zu heiraten, trotz ihrer Schwangerschaft von ihrem Bruder. Eine berührende und vollständige Darstellung.

In herausragender Form in dieser Produktion ist James Garnon. Sein Narr Bergetto ist pure Freude, ein komisches Juwel. Er kommt leicht mit dem Witz der Sprache zurecht und es gibt einige beeindruckende Momente körperlichen Humors. Alberne Haare, albernes Outfit, alberner Charakter – alles funktioniert wunderbar – sodass es zutiefst schockierend ist, als er versehentlich ermordet wird. Im zweiten Akt wechselt Garnon komplett den Gang und präsentiert einen Kardinal von offensichtlicher Abstoßung. Ölig und geschmeidig, unglaublich selbstwichtig, verkörpert dieser in Rot gekleidete Kardinal den Hass, die Intoleranz und das pure Böse der Welt, die Giovanni und Annabella umbringen. Es ist eine exzellente Darstellung – und in einem Abend voller horrender Momente spricht es Bände über die Intensität und Richtigkeit seiner Darstellung, dass sein Anspruch auf die Ländereien der Toten und Besitzlosen für die Kirche das erschreckendste Gefühl sein sollte.

Als der männliche Pfau Soranzo ist Stefano Braschi in vorzüglicher Form. Spröde und streitsüchtig, ein Schwarm aus Testosteron, haucht er dieser doppelspurigen Figur echtes Leben ein. Die Szene, in der er versucht, die Identität von Annabellas geheimem Liebhaber aus ihr herauszupressen, ist brutal und schockierend; völlig überzeugend. Hippolita, eine wunderbare, anmutige und leidenschaftliche Darstellung der begabten Noma Dumezweni, ist eine weitere Frau, die durch ihre Geschäfte mit Soranzo zerstört wird, und Braschis Arroganz und Verachtung für sie ist spürbar gespielt. Ihr verlängerter, schmerzvoller Tod war meisterhaft inszeniert, ebenso wie die kurzen, spröden Austausche der Verdammung, die ihr Schicksal besiegelten.

Hippolita und Putana leiden beide schwer unter den Händen des abscheulichen Vasquez, hier gespielt von Philip Cumbus. Obwohl er den „mageren und hungrigen“ Blick eines Assassinen hatte und keine Schwierigkeiten mit den physischen Aspekten der Rolle, schrie Cumbus viel zu oft und viel zu laut. Eine beherrschende Präsenz erfordert keine vokale Handgranate. Wenn Cumbus seine Stimme richtig kontrollieren könnte, wäre seine Darstellung beeindruckend gewesen.

Es gab exzellente Arbeiten von Alice Haig (eine sanfte, beruhigende Philotis), Edward Peel (der erste Florio, den ich gesehen habe, der überzeugend vor Schreck stirbt, als er mit der Realität seines blutgetränkten Sohnes konfrontiert wird, der das aufgespießte Herz seiner geliebten Tochter trägt) und Dean Nolans albernem Poggio.

Alex Lowdes Bühnenbild passt perfekt zum wunderschönen Raum im Sam Wanamaker Theatre. Der Einsatz von Hochzeitsaccessoires zu Beginn des zweiten Akts ist perfekt und unterstreicht das Grauen, das folgt. Auch die kuriosen Pastiche-Kostüme funktionieren gut. Die Bewegungen von Imogen Knight und die Kampfszenen von Bret Young sind allesamt effektiv umgesetzt; tatsächlich wirken einige der Kämpfe erschreckend real. Der Moment, in dem ein Dolch aus Max Bennetts nacktem Oberkörper herausragt, ist ebenso beeindruckend wie die Blutlachen, die von den getöteten Körpern fließen. Auf der anderen Seite wirkte es, gelinde gesagt, unpassend, Tanzschritte aus Beyoncés Single Ladies in die letzte Ensembleroutine zu integrieren; vielleicht war es als ironisch gemeint.

Simon Slaters klirrende, metallische Musik ist eigenartig, teilweise ziemlich störend, wird jedoch von der kleinen Band mit vollendeter Fertigkeit gespielt. Die traditionelleren Lieder und Tänze funktionieren gut. Keine Person ist mit der Beleuchtung zugeschrieben, aber der Einsatz der Kerzen, die das Markenzeichen dieses Theaters sind, war außergewöhnlich gut und steigerte die Atmosphäre, indem sie sowohl Sinnlichkeit als auch düstere Machenschaften suggerierten.

Dies ist eine äußerst wirkungsvolle Inszenierung eines schwierigen Stücks. Sie zieht Ihre Aufmerksamkeit von Anfang an in ihren Bann und lässt selten los, aber sie nimmt nie eine Position zu dem zentralen Thema des Inzests ein. Wie alle großen Theaterspiele malt es Bilder, erzählt Geschichten, macht Punkte – und bei der Frage des Geschwisterinzests überlässt es das Publikum sich selbst zu streiten, was gut und was böse ist.

Und ganz besonders, wer die Hure ist, die bemitleidet werden sollte. Die Benannte oder die, die benennt?