RESEÑA: The Moderate Soprano, Teatro Hampstead ✭✭

Roger Allam (John Christie), Nancy Carroll (Audrey Mildmay), Nick Sampson (Profesor Carl Ebert), Paul Jesson (Dr Fritz Busch), foto © Manuel Harlan The Moderate Soprano

Teatro Hampstead

27 de octubre de 2015

2 Estrellas

Esa es la maravilla del teatro. Es su mutabilidad. Skylight, The Absence Of War, The Judas Kiss y The Vertical Hour se han reestrenado en los últimos años, y muchas personas me comentan lo mucho que han cambiado con el tiempo, aunque no haya reescrito una palabra. Son ellos quienes han cambiado. Y los tiempos han cambiado. Pero no la obra. O mejor dicho, no las palabras en la obra. Así opina David Hare en el programa de The Moderate Soprano, su nueva obra que ahora tiene su estreno mundial bajo la dirección de Jeremy Herrin en el Teatro Hampstead. Sin duda, tiene razón. Pero sus palabras resultan ser apropiadas en un contexto ligeramente diferente. A la vista de The Modern Soprano, aunque los tiempos hayan cambiado, Hare no ha cambiado con ellos, presentando un texto que no es tan aventurero ni teatralmente interesante como cualquiera de las obras que menciona anteriormente, y que podría haber sido escrito mucho antes de que esos 'tiempos hayan cambiado'. Este trabajo original contrasta fuertemente con el trabajo vital y emocionante de Hare en la temporada Young Chekhov en Chichester. Mientras que el tema aquí es genuinamente interesante -cómo esa institución operística tan inglesa y perdurable, Glyndebourne, llegó a ser- y hay personajes extraños y excéntricos en abundancia, todos capaces de una frase ingeniosa o reflexiva, el tratamiento de Hare tiene una característica singular: la monotonía.

De cierta manera, la obra es la historia de la misión de un hombre para llevar la Ópera adecuada a Sussex. De otro modo, es la historia de un matrimonio y el hijo de ese matrimonio. De otro modo más, se observa la forma en que la música puede controlar y modelar vidas. En otro sentido más, es una meditación sobre la amistad y el negocio.

Roger Allam (John Christie) y Nancy Carroll (Audrey Mildmay) foto © Manuel Harlan

Todas estas son temas suficientemente interesantes, pero para funcionar adecuadamente tiene que haber una forma teatral de entrada. Aquí, nunca está realmente claro qué ve Hare que sea eso. La obra salta las zonas horarias de manera despreocupada, y aunque no es problemático seguirla, hace más difícil entender el concepto general, mantener una conexión emocional. La obra no trata sobre las reminiscencias de una fiesta o incluso más de una fiesta. Tampoco es realmente una obra biográfica.

A pesar del título, la obra no trata sobre Audrey Mildmay, la esposa de John Christie, cuyo proyecto y pasión es Glyndebourne. Realmente no se trata de Christie tampoco, aunque es más sobre él que sobre nadie más. Audrey cantó roles principales en algunas de las producciones originales de Glyndebourne, pero no fue, o eso debemos creer, un caso de nepotismo. Christie está obsesionado con Wagner y quiere Parsifal para abrir la primera temporada de Glyndebourne. Los que ha contratado para preparar y presentar la temporada, el Profesor Carl Ebert y el Dr Fritz Busch, ambos alemanes, tienen otras ideas. Rudolph Bing, un sofisticado administrador vienés, intenta mantener a todas las partes contentas y enfocadas para que la crucial primera temporada pueda ser un triunfo. Se alteran los ánimos, se calman los egos, y después de algunos tira y afloja, la temporada inaugural de Glyndebourne comienza con Las bodas de Fígaro de Mozart. Audrey canta el papel de la Condesa y una nueva era dorada de prosperidad musical comienza en los Downs. Una verdadera historia de Sussex – ese puede ser el mejor chiste de Hare sobre el tema y no está en la obra.

Y eso, realmente, es eso.

La obra de Hare tiene poco más que ofrecer. Hay interminables discusiones áridas sobre administración de ópera, repertorio y personalidades, ninguna de las cuales aporta una visión particular sobre los personajes. Las locuras de Christie se investigan, pero de una manera en gran parte tibia. No se aprende mucho sobre los cinco personajes, a pesar de que hay una cantidad tremenda de diálogo.

Para una obra que es esencialmente sobre la Ópera y las pasiones que inspira, el trabajo de Hare se mantiene alejado de la música. Es solo hasta las escenas finales que se oyen melodías de Ópera. Esto parece extraño.

Una de las formas claras de hacer que esta historia respire y resuene sería utilizar la música como parte del tejido de la narrativa. Dada la pasión de Christie por Wagner, los leitmotivs de algún tipo podrían haber sido útiles para los personajes y algún sentido de qué tipo de cantante fue realmente Audrey podría haber ayudado. Glyndebourne finalmente tiene éxito debido al nuevo estilo de presentación de ópera promovido por Busch y Ebert – las escenas de ensayo podrían haber hecho esto más fácil de entender.

Para parafrasear incorrectamente a Amadeus: “Demasiadas palabras”. No suficiente sustancia, estilo o historia.

El placer que ofrece la obra reside en los personajes que Hare ha tallado de fragmentos de la historia. Roger Allam, casi irreconocible como John Christie, hace un trabajo excepcional, transformándose completamente en un amante de la Ópera divertido, quisquilloso y vestido de manera extraña. Hace de la excentricidad parte de la fibra de Christie y muestra superbamente sus extremos: su ira sobre Glyndebourne cuando las cosas no van a su manera; su gentil adoración por Audrey; su creencia inquebrantable en el valor inherente de la Ópera como el aspecto más sublime de la humanidad.

Roger Allam (John Christie), Nancy Carroll (Audrey Mildmay), Nick Sampson (Profesor Carl Ebert), Paul Jesson (Dr Fritz Busch), foto © Manuel Harlan

Muchas imágenes de Allam aquí perdurarán: su paciencia incansable con su esposa enferma y moribunda; tomando té de una manera idiosincrática; mirando amorosamente el campo; discutiendo decididamente sobre el poder y la importancia de la Ópera; manejando despectivamente los temores sobre el fracaso. El momento más tierno de la obra ocurre cuando Christie de Allam está tratando de consolar a su esposa deteriorada y temporalmente ciega, Audrey, satisfaciendo su petición de enumerar las producciones de Glyndebourne de las temporadas iniciales. Es tierno, íntimo e idiosincrático – resume completamente la relación de Christie con Audrey.

La luminosa Nancy Carroll hace lo mejor con el papel de Audrey, pero no recibe muchas oportunidades del texto para desplegar su considerable habilidad actoral. Pero aprovecha al máximo cada oportunidad – sus soliloquios están bellamente calibrados y proporcionan una visión de la mente de un personaje sensato, poco ambicioso pero indudablemente atractivo. Está excelente en todas las escenas con Allam, y sus escenas con George Taylor’s Bing también resuenan con clase: es un deleite ver a Carroll expresar la alegría de Audrey cuando Bing le dice que sí cantará en la temporada inaugural en Glyndebourne.

Una gran parte de la tensión y textura en el material debería provenir de los forasteros: Paul Jesson’s Busch, Nick Sampson’s Ebert y Taylor’s Bing. Pero, por desgracia, es realmente solo Taylor quien lo consigue. Tanto Jesson como Ebert son demasiado “ingleses” para ser creíbles como alemanes exiliados; no es solo una cuestión de habla, es actitud, postura y porte. Hay que generar tensión, y el guion lo permite fácilmente, pero estas interpretaciones niegan esa posibilidad.

Hay grandes pasajes donde el movimiento es inexistente y el discurso es interminable. Estas escenas dependen de los actores: solo sus habilidades vocales y dramáticas pueden animar la verborrea. Por más que lo intente, Allam no puede impulsar estas escenas solo – necesita mejor ayuda de Jesson y Sampson en particular.

Rae Smith proporciona impecables vestuarios y muebles de set, pero el set parecía inusualmente insípido. En el texto, Hare especifica:

A lo largo, la ubicación solo está ligeramente esbozada – implícita, no representada. En Sussex, siempre una sensación de aire y luz, de los suaves Downs más allá.

Smith parece haber tenido otras ideas que, evidentemente, en una o dos escenas, logran una sensación adecuada. Sin embargo, el set aquí, aunque indudablemente bonito, realmente no sirve a las necesidades de la obra.

La iluminación de James Farncombe, sin embargo, es de primera clase y produce efectos que a menudo superan los defectos en el diseño del set y la música de Paul Englishby es adecuadamente agradable.

Este es un nuevo trabajo sorprendentemente decepcionante de Hare. No es horrible, pero no es deslumbrante ni innovador. Roger Allam no puede hacerlo resplandecer, por más que lo intente, con el hábil apoyo de Carroll y Taylor. Aunque puede que esté agotado, parece poco probable que The Moderate Soprano sea más que un éxito moderado. The Moderate Soprano se presenta hasta el 28 de noviembre en el Teatro Hampstead