RESEÑA: La Visita, Teatro Lyceum ✭✭✭✭✭

The Visit en Broadway. Foto: Joan Marcus The Visit

Teatro Lyceum

12 de abril de 2015

5 estrellas

Al principio, casi no reparas en el ataúd. El equipaje impecable está apilado en lo alto, así que de primeras parece simplemente un carísimo baúl de viaje. Pero enseguida tu atención se desvía deliberadamente hacia otra parte. Hacia el hombre alto con gafas de sol y los otros dos hombres, con el rostro pintado con un círculo blanco opaco; llevan guantes y zapatos amarillos y van impecablemente vestidos con el chaqué tradicional. Y, por supuesto, la visitante. Vestida de blanco de manera impecable, con un largo abrigo ribeteado de piel y un gorro de piel a juego, que subraya su porte elegante. Podrían estar yendo a una boda.

Entran por la parte trasera derecha del escenario, en una procesión solemne. La escenografía es preciosa. En otro tiempo hubo aquí una gran casa, pero ahora está en ruinas. El bosque invade los soportes debilitados; raíces, hojas y ramas están por todas partes, subrayando la decadencia y las fuerzas implacables del tiempo y de la naturaleza. Los habitantes de Brachen, un lugar en algún punto de Europa, se van apagando: el color y la vida se han disipado de sus mejillas, su ropa y su manera de estar en el mundo. La visitante está viva. Intensamente viva.

Entonces lo ves: es un ataúd. Sin duda. Un ataúd.

Y durante 90 minutos de relato extático, te transportan a un lugar donde el amor, la muerte y las consecuencias bailan juntos, y donde la victoria del amor verdadero quizá no sea lo que al principio creías.

Se trata de la excepcional puesta en escena de John Doyle del último musical del ilustre tándem John Kander y Fred Ebb, The Visit, actualmente en funciones previas en el Teatro Lyceum de Broadway, y protagonizado por la incansable y francamente inspiradora Chita Rivera. Con libreto de Terrence McNally, es uno de los mejores musicales de Kander & Ebb. Y, desde luego, es el mejor —y más importante— musical que se representa ahora mismo en Broadway; y eso es decir mucho, teniendo en cuenta la competencia actual.

No es, ni mucho menos, un musical típico. Estira y juega con la forma de maneras inusuales, provocadoras e ingeniosas. No recuerdo la última vez que el número de las once en un musical implicara que la estrella no cantase; pero aquí ocurre exactamente eso: la pieza alcanza su cénit inolvidable y desgarrador cuando Chita Rivera, la visitante que da título al espectáculo, baila con su yo más joven (la etérea Michelle Veintimilla) en un momento de cruda e intensa autorrevelación. Es tan poderoso como delicado. De una belleza inexplicable.

Doyle utiliza la puesta en escena para subrayar temas que destacan tanto en la música como en el texto. El pasado es un personaje constante en la acción. La visita tiene lugar por culpa del pasado y determina el futuro. Las imágenes más jóvenes, casi fantasmales, de los personajes centrales —Claire (Rivera) y Anton (Roger Rees y John Riddle como sus versiones de ahora y de entonces)— están siempre presentes, ya sea dando vida a los recuerdos o aportando un eco constante del pasado y de sus consecuencias.

Del mismo modo, cuando no participan en la acción inmediata, los habitantes del pueblo permanecen en las sombras, observando, reflexionando, juzgando. Representan a la sociedad y a las culturas compartidas, el prisma de la «respetabilidad» y la «tradición». Las acciones en el centro del escenario, sean del presente o del pasado, les afectan, les moldean; y, por su sola presencia, ellos también moldean y afectan al pasado, al presente y al futuro.

Cada vez que entra en la acción, Claire forma parte de una procesión formal. El patrón es implacable y rígidamente estirado. En la superficie, Claire representa el pasado alcanzando al presente; pero la verdad es más intrigante. Ella y su séquito, casi militar, encarnan la Justicia. Y, como toda forma de justicia, la de Claire llega con consecuencias que resuenan. Puede ir vestida enteramente de blanco, pero el propósito de su visita es revelar los verdaderos colores de los demás.

La historia es a la vez simple y compleja. Claire y Anton estaban desesperadamente enamorados cuando eran jóvenes, pero Anton eligió casarse con Matilde y ganar la seguridad de la tienda de la familia de ella. Claire, por motivos que se revelan a medida que avanza la obra, abandona el pueblo y se forja una nueva vida. Se casa muchas veces y «enviuda bien», convirtiéndose en la mujer más rica del mundo.

Mientras la fortuna de Claire mejora, el pueblo en el que nació se hunde poco a poco. La industria desaparece y la pobreza se enquista. Entonces, un día, el alcalde recibe la noticia de que Claire regresa a Brachen, y él y los demás vecinos esperan persuadirla para que entregue parte de su fortuna y así permitir que el pueblo pueda volver a levantarse. Para excitación de los lugareños, Claire ofrece a Brachen 10.000 millones de dólares.

Pero tiene en mente un precio muy concreto. Y que el pueblo esté o no dispuesto a pagarlo es el eje central del relato. Concretar más la trama sería negar los giros —a menudo sorprendentes o desconcertantes— del libreto de McNally. De verdad: cuanto menos se sepa de The Visit, mayor será la primera experiencia de verla.

Chita Rivera es inolvidable como Claire; una estrella incandescente del escenario de Broadway en plena forma, Rivera está impecable. Está asombrosa, de pies a cabeza la viuda insondablemente rica. Su aplomo y su presencia son hipnóticos; cuando está en escena o está a punto de entrar, no puedes dejar de mirarla. A medida que, lenta pero inexorablemente, va revelando las verdades y los dolores que han forjado su carácter y la han empujado a volver, Rivera es un estudio de la venganza meticulosa y del ajuste de cuentas que sitúa a su Claire codo con codo con Medea o Electra.

A la vez, la Claire de Rivera es toda una mujer, con un recuerdo nítido de la adoración de antaño por Anton y las resonancias del pueblo donde nació. También es ingeniosa, y puede lanzar una observación, una amenaza o un análisis afiladísimo con una precisión infalible. Su voluntad de acero, su sonrisa cómplice, su andar elegante, su sonrisa contagiosa, su inteligencia voraz: son solo algunas de las facetas brillantes del diamante con el que Rivera construye a Claire.

A sus 82 años, no sorprende que Rivera no pueda cantar y bailar como antes, pero aun así hace ambas cosas mejor que muchos. Su trabajo en «You, You, You», «Winter», «Love and Love Alone» y «In The Forest Again» es extraordinario, absorbente y sensual. Su compenetración con Rees es inequívocamente profunda: si Romeo y Julieta hubieran vivido, habrían sido como Rees y Rivera aquí. Totalmente entregada a cada aspecto del personaje y del musical, Rivera es una alegría constante.

Roger Rees iguala una y otra vez ese nivel de entrega. Su Anton es un personaje mercurial, desgarrado entre el mundo que dejó atrás y el que ha creado, pero siempre buscando la manera de quedárselo todo. A la vez perseguido por fantasmas y oportunista, Rees convierte a Anton en un candidato casi shakespeariano a la redención. Su voz es rica y certera, y apropiadamente gastada cuando cala la magnitud de la tarea que se le impone. Como es debido, el público ve y oye dos extremos del registro de Rees en la interpretación de «I Know Claire» y «Fear». Es una actuación poderosa en todos los sentidos.

Como Frederich Kuhn, el profesor, Jason Danieley está completamente irreconocible, salvo cuando canta y su espléndida voz le delata. Está totalmente sumergido en el personaje, desgarrado por el dilema moral al que debe enfrentarse. Esto resulta más evidente en su solo, «The Only One», pero también de forma constante a lo largo de toda la obra.

Mary Beth Peil, como Matilde, la esposa de Anton desde hace muchos años, ofrece una lección magistral de cómo retratar el dolor y el resentimiento. Con muy pocas palabras, dibuja con claridad el tipo de mujer que es, y en sus silencios resulta especialmente elocuente. Cuando se sienta o permanece de pie en las sombras, inmóvil y vigilante, con los ojos saltando de un lugar a otro, evaluando, calculando, maquinando, es hipnótica. Te das cuenta de que quieres volver a ver la producción solo para concentrarte por completo en el notable trabajo de Peil.

También soberbios, en todos los aspectos, están John Riddle y Michelle Veintimilla, que interpretan las versiones jóvenes de Claire y Anton en la época de su gran romance lleno de deseo. Ambos cuidan mucho de imitar rasgos de sus yoes mayores (y viceversa) y de mostrar con claridad lo que está en juego, al menos para Claire. La sensación de una pasión lánguida, duradera y a la vez arrolladora es casi tangible. Cantan y bailan con la facilidad y la entrega de dos que son uno, con gracia y una convicción absoluta.

No hay eslabones débiles en el reparto de dieciséis. David Garrison, Matthew Deming, Chris Newcomer y Elena Shaddow son especialmente ejemplares, con interpretaciones detalladas y matizadas que resultan siempre estimulantes y provocadoras.

En lo musical, la partitura es inagotablemente fascinante. Más cercana a Kiss of the Spider Woman que a Chicago, Kander crea un sonido específico para el pueblo y las distintas épocas de Brachen, y utiliza diferentes tipos de canciones para desarrollar personajes o avanzar la trama. «Yellow Shoes», quizá la melodía más inequívocamente “Kander” de la partitura, es alegre y pegadiza, pero burbujea por encima de un giro argumental serio. Muchos números potencian la atmósfera, explican puntos de la trama, desarrollan personajes… pero algunos son sencillamente preciosos. «A Car Ride» y «In The Forest Again» son momentos musicales extraordinarios en una partitura repleta de joyas.

Cabe sospechar que, de haber compuesto la partitura Sondheim, los elogios se habrían derramado de inmediato sobre el compositor. Que sea posible pensar que una partitura de Kander podría haberla escrito Sondheim dice más sobre el rango de Kander y su voluntad de probar formas nuevas que cualquier otra cosa. Su uso de dos coros aquí es un terreno nuevo para él, pero extraordinariamente eficaz. De hecho, el espectáculo nunca está mejor que cuando el conjunto canta a pleno rendimiento, avivando armonía y melodía mientras comunica, con absoluta claridad, el torrente de emociones y reacciones subterráneas.

Es una partitura gloriosa de Kander, de las mejores que ha escrito. ¿Quién más ha intentado una tragedia musical de venganza y ha salido tan bien parado?

Las letras de Ebb son afiladas y astutas; a veces engreídas, a veces ligeras, a veces románticas, a veces alarmantes… siempre en el clavo. No se desperdicia ni un minuto. El relato devastador se cuenta a un ritmo endiablado, la presión no afloja nunca, y las revelaciones y los giros se suceden sin tregua a medida que se acerca implacablemente el plazo de Claire para aceptar su trato. El reloj avanza y se refleja en el diálogo, en la letra y en la partitura. También el cambio y la aceptación.

Scott Pask, seguramente el escenógrafo más solicitado de Broadway, ofrece el marco perfecto para la historia: con un solo vistazo a esa grandeza desecada, sabes más de lo que podrían contarte páginas y páginas de diálogo sobre el estado actual de Brachen y sobre cómo lo recordaría Claire. Japhy Weideman ilumina cada rincón del espacio cuando hace falta y crea cambios de atmósfera importantes con tonalidades que parecen formar parte de la propia partitura. El vestuario de Ann Hould-Ward es sencillamente perfecto.

Doyle y la coreógrafa Graciela Daniele se aseguran de que las imágenes escénicas resulten siempre cautivadoras. Daniele no tiene grandes números que montar, pero consigue dotar a los que sí requieren baile de movimientos elegantes y totalmente apropiados. Los giros seductores, casi baléticos, de los jóvenes Anton y Claire y la rutina de «Yellow Shoes» pertenecen a mundos distintos, pero son exuberantemente exactos.

La dirección musical de David Loud fue ejemplar. La música se interpreta con brío y fervor, y se asegura de que el canto sea impecable y la dicción, cristalina. La orquesta, de diez músicos, cubre muchos instrumentos y la variedad tímbrica se agradece; si no se puede contar con una orquesta mayor, una como esta es un compromiso excelente.

Que no quepa duda: esto no es una comedia musical. Es otra cosa por completo. Si la abrazas y dejas que te envuelva, la recompensa será enorme. Esto es de primera en todos los sentidos y, lo que es más importante para la vida del género musical, supone una dirección nueva y estimulante… pero devastadora.

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