RESEÑA: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 de octubre de 2015

4 estrellas

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La importancia de un excelente diseño escénico a menudo se pasa por alto, especialmente en producciones donde se supone que la motivación para asistir es algo diferente a una sed de satisfacción teatral. Pero, a veces, el diseño se convierte en una parte tan crítica del éxito general de la experiencia teatral, que uno se pregunta cómo se intentan obras y musicales sin el mejor y más iluminador diseño de escenario posible. Ejemplos recientes incluyen el asombroso diseño de Bob Crowley para Skylight con Carey Mulligan/Bill Nighy, el diseño perspicaz de Justin Nardella para el debut en Londres de Casa Valentina, y el encantador trabajo de Robert Howell en Matilda.

Así es con el notable diseño de Beowulf Boritt para la producción de Roundabout de Thérèse Raquin, una nueva adaptación de Helen Edmunson basada en la famosa novela de Émile Zola, ahora en escena en Studio 54, dirigida por Evan Cabnet. El diseño de Boritt es una parte integral del tejido emocional y dramático de la producción y, sin él, esta producción podría resultar apagada e ineficaz.

Boritt utiliza el espacio de manera sensacional aquí. A veces, se expone toda la extensión del escenario, mostrando altura, profundidad y amplitud, significando, deliciosamente, la libertad del mundo. El suelo se extiende hasta la mitad de la profundidad del escenario donde se encuentra con agua que corre a lo largo del escenario. El agua representa escape, naturaleza, purificación. Su presencia constante es tentadora y uno anhela chapotear y nadar.

Cuatro pilares altos enmarcan un lado del escenario y, de manera inverosímilmente delicada, sugieren confinamiento, represión, encarcelamiento. Mirado de una manera, el escenario podría ser una ventana al mundo desde una torre cerrada: un abstracto, tal vez, del tipo de vista que Rapunzel podría haber contemplado a diario.

Proyecciones cambian el panorama de vez en cuando. La más impresionante, y casi sofocantemente abrumadora, es una variación sobre los famosos Nenúfares de Monet (bueno, uno de ellos). La imagen es instantáneamente identificable; innegablemente francesa, emotiva, sensual. Pero la paleta es desconocida: marrones y dorados; como una imagen sepia de la obra de Monet a la que se añade un color potente. Es inquietantemente atmosférico.

Luego, la casa donde vive Thérèse Raquin es volada. Toda oscura, al estilo antiguo mohoso, pequeña y desordenada, las dos habitaciones que vemos parecen muy pequeñas contra la grandeza del espacio de libertad. Los techos son bajos: la sensación de estar enjaulado, atrapado o encarcelado, rodeado de decadencia, es tangible; casi sientes como si tu propia respiración estuviera constreñida, por miedo a inhalar el polvo del pasado que tan libremente gira en esas habitaciones.

El set de Boritt es tan elocuente que ahorra páginas de diálogo. No hay necesidad de insistir en la situación en la que el personaje titular se encuentra al comenzar la acción. Solo verla en el vasto espacio abierto y contrastarlo con la tensión en la casa apretada de Madame Raquin, tan controladora como maligna matriarca de la literatura moderna, establece claramente la desesperada naturaleza de la situación de Thérèse.

Forzada a vivir con su Tía y trabajar en su tienda después de la muerte de su padre, Thérèse es una imagen de miseria. Quiere huir de su Tía y de sus precisas demandas y experimentar la vida, pero la penuria y la desaprobación de la sociedad la mantienen en su lugar. Su Tía derrama su atención y dinero en su mimado, irritante e hipocondríaco hijo, Camille, y finalmente el destino de Thérèse se sella: se casa con Camille, una unión sin amor que trae infelicidad a ambos.

La repetición y el patrón sin sentido de su vida, incluidas las noches de cartas cada jueves con los amigos ligeramente pretenciosos de Madame, llevan a Thérèse al borde de la cordura. Luego conoce a Laurent, un viejo amigo de Camille que ahora trabaja con él en el ferrocarril. Laurent y Thérèse inician una apasionada aventura, ambos desesperados por el otro. Mientras tiene a Laurent, Thérèse está viva, propiamente, por primera vez en su vida.

Sus encuentros ocurren en la habitación de Thérèse siempre que Laurent puede escabullirse temprano del trabajo. Pero cuando el gerente de Laurent impide que salga temprano, los dos amantes están desesperados por encontrar una manera de tenerse el uno al otro, de estar juntos. Impulsados por su insaciable necesidad mutua, acuerdan asesinar a Camille para poder casarse. Lo ahogan, pero antes de morir, Camille muerde el cuello de Laurent.

A medida que la herida en el cuello se infecta, también lo hace el vínculo entre Laurent y Thérèse, ya que ambos son atormentados por lo que le hicieron a Camille. La culpa y el miedo convierten su pasión en desarmonía peligrosa. Madame sufre un ictus y queda paralizada al escuchar al dúo discutir sobre lo que hicieron a su amado Camille. Confinada a una silla de ruedas, con realmente solo sus ojos moviéndose, las miradas vigilantes y conocedoras de Madame mantienen a Thérèse y Laurent en un filo afilado. La muerte resulta ser la única escapatoria que pueden aceptar.

La dirección clara y perceptiva de Cabnet es sólida en su mayor parte, y hay un énfasis en los aspectos visuales de la producción que la hacen especial. Thérèse, sola en una roca, contemplando la huida; el torpe, casi inepto, asesinato de Camille seguido de las imágenes de los amantes empapados, sin aliento en tierra firme; la mano de Madame asomando a la vista, justo cuando el derrame la derriba; el inquietante sentido del espíritu de Camille habiendo poseído el dormitorio donde Thérèse y Laurent lo engañaron. Usando el silencio tan expresivamente como el sonido, Cabnet preside una producción rica en detalle e increíblemente tensa de experimentar.

La única verdadera omisión es una sensación más clara de la pasión impulsada por el deseo entre Thérèse y Laurent. Dado que su necesidad mutua sexual es tan intensa que el asesinato es más viable que estar el uno sin el otro, Cabnet no hace realmente un intento por comunicar ese sentido. No hay escenas donde se arranquen la ropa mutuamente los amantes, no hay desnudez, no hay una sensación de encuentros carnales repetitivos y compulsivos: sí, se representa la aventura, pero de una manera muy reservada, lo que curiosamente socava el poder del argumento.

No hay quejas sobre el elenco. Judith Light está en forma sensacional como la manipuladora Madame, retratando un claro sentido de veneno goteando de cada sugerencia útil o reconocimiento sonriente. Después del ictus, la actuación de Light es realmente hipnótica: es difícil no ver su rostro expresivo y ojos elocuentes irradiar sentimientos y emociones. La escena donde trata de deletrear con un alfabeto el asesinato de su hijo es absolutamente cautivadora. Esta es una actuación fenomenal.

Gabriel Ebert es verdaderamente repelente como el engreído y aburrido insoportable, Camille. Hace que tu piel se erice como seguramente debió haberle ocurrido a Thérèse. Es fascinante de ver, porque a pesar de todo lo que está mal en el personaje, Ebert logra navegarlo de manera que cuando es asesinado, es verdaderamente impactante y conmovedor. Tan indeleble es la imagen de Camille que Ebert pinta, que las secuencias fantasmagóricas resuenan con un poder insidioso.

Matt Ryan es extremadamente atractivo como Laurent, y uno no tiene dificultad en comprender el deseo abrumador de Thérèse. No es solo la belleza física de Ryan, sino la forma en que hace al personaje insinuante, seductor y un poco, emocionantemente, peligroso. Es una interpretación terriblemente bien juzgada y muy masculina que contrasta marcadamente con el perfecto perfil de niño de mamá de Ebert.

También hay excelentes actuaciones de Jeff Still y David Patrick Kelly. Kelly, en particular, hace el mejor uso de un giro dramático clave, creando un momento de puro pánico helado cuando el secreto del asesinato de Camille parece estar a punto de ser descubierto.

Pero el trabajo duro de la obra recae sobre los hombros de la actriz que interpreta a Thérèse, aquí Kiera Knightley, haciendo su esperado debut en Broadway después de haber aparecido dos veces en el West End. Sus experiencias en el cine ayudan enormemente a Knightley aquí: puede hacer que una mirada silenciosa hable volúmenes y está en casa creando imágenes visuales de un poder impresionante. Permanece en silencio durante gran parte de la obra, pero no ocupa en absoluto un lugar secundario por ello.

Aprovecha al máximo cada oportunidad, ya sea caminando detrás de Camille junto al mar, enfrentándose a Madame o embriagada por la presencia de Laurent. Y cuando habla, cada palabra cuenta, dándole una belleza lírica a muchos pasajes y un temor cansado y humillado a otros. El colapso final de Thérèse está juzgado de manera impecable, verdaderamente impresionante.

Jane Greenwood proporciona trajes excepcionales, la mayoría en tonos de negro, gris o marrón, que recogen la paleta en el escenario de Boritt. Mis respetos a Keith Parham por un diseño de iluminación extraordinario que brilla a través de la escala emocional a medida que se desarrollan los eventos: luz oscura y fría; luz cálida y lujuriosa; luz sofocante; suaves rayos de libertad y el gris que viene cuando las cosas están sombrías. Es raro experimentar una iluminación tan emocionalmente afinada como la de Parham aquí. Es un logro mayor. Las composiciones originales de Josh Schmidt efectivamente aumentan el impacto emocional de la producción.

Zola escribió un apasionante thriller psicológico y la adaptación de Edmundson aquí es fiel a su intención, tierna y aterradora por igual. El elenco de primer nivel de Cabnet hace un gran trabajo, animando los muchos hilos entrelazados, y creando un poderoso, completo festín teatral. Podría beneficiarse de un mayor énfasis en la carnalidad que desata la perdición para Thérèse y Laurent (también para Camille) pero dado el maravilloso elenco, los escenarios, los trajes y la iluminación, nadie debería sentirse decepcionado.

Thérèse Raquin se presenta en Studio 54 hasta el 3 de enero de 2016