CRITIQUE : Les Misérables, Théâtre Queens ✭✭✭✭

Les Misérables - Un Jour de Plus. Photo: Johan Perrson Les Misérables

Théâtre Queen's

16 décembre 2014

4 Étoiles

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L'homme à deux sièges d'éloignement semble être en difficulté médicale. Il se lève brusquement et se dirige vers l'allée, mais quelques personnes le long de la rangée, il s'effondre. Il y a une aide immédiate à portée de main, les gens se lèvent et assistent, les huissiers arrivent. L'homme et sa partenaire féminine disparaissent dans le foyer. Les personnes sur lesquelles il s'est effondré, des visiteurs venus de climats germaniques, sont très agitées, se tenant debout, s'accroupissant, allumant des torches et des téléphones, cherchant quelque chose qui est tellement important qu'il doit être trouvé sur-le-champ – peut-être une montre Rolex ou un ticket en or ?

Pendant que cette agitation se déroule, la petite Cosette chante, très joliment, Castle On A Cloud et l'action se poursuit dans Master of the House et la scène où Valjean se confronte aux horribles Thénardiers pour sauver la petite Cosette. Oui, c'était une agitation longue, irritante et bruyante. Mais cela n'a pas fait une égratignure sur l'alchimie théâtrale se produisant sur scène au Théâtre Queen's où le blockbuster de 1985 d'Alain Boubil et Claude-Michel Schonberg, Les Misérables, célèbre sa 29ème année et, tel qu'actuellement joué, plein de vigueur, de talent et de musicalité. Lors de la dernière vue, il y a environ deux ans, la production était en mauvaise forme, mal répartie à plusieurs endroits et malheureusement dépourvue de détail, de texture, de lustre vocal ou de caractérisation.

C'est très différent maintenant.

Dans sa production originale, dirigée par Sir Trevor Nunn et John Caird, avec le décor iconique de John Napier, le design d'éclairage impeccable de David Hersey, les costumes d'Andreane Neofitou et la mise en scène musicale de Kate Flatt, Les Misérables dépendait de la force du grand ensemble, de la capacité des artistes expérimentés et plus jeunes à créer une mosaïque presque toujours changeante de situations et de personnages. Travailler avec le solide ensemble bien formé de la RSC a facilité cela, mais c'était une partie essentielle du succès de cette production originale à Londres, puis à Broadway et ensuite à Sydney,

Australie. Les Misérables n'est pas un show qui fonctionne simplement; c'est un travail ardu et cela nécessite une polyvalence et une compétence de chaque membre de la distribution, un engagement à faire fonctionner chaque instant aussi bien que n'importe quel autre et un parfait équilibre entre l'orchestre et la distribution. Ce que Les Misérables ne peut pas supporter, comme la production actuelle de Broadway (pas cette production mais le « revamp ») le démontre amplement, c'est une approche style X-factor de la partition. Lorsque le show a été produit pour la première fois, aucun de I Dreamed A Dream, Stars, On My Own, Bring Him Home ou Empty Chairs And Empty Tables n'était des standards; aucune d'entre elles n'avait été chantée et chantée et chantée par tout le monde, de Barbra Streisand à Susan Boyle. La vérité est qu'aucune d'entre elles, dans le contexte de Les Misérables en tant que show de scène, n'est rien de plus qu'un moment d'illumination pour un personnage particulier. Oui, bien exécutée, toutes peuvent arrêter le spectacle; mais arrêter le spectacle n'est pas le but de l'une d'entre elles.

Ainsi, il est rafraîchissant et vraiment excitant de découvrir que l'ensemble de 2014, dans l'ensemble, aborde le spectacle de la manière originale. C'est un ensemble de première qualité, qui travaille dur, de tous âges et types, qui créent sans effort les divers groupes dissemblables de folk français que Valjean rencontre au cours de ses voyages : condamnés, gardes, fermiers, ouvriers d'usine, prostituées, nonnes, clients de tavernes, étudiants, mendiants, voleurs et aristocrates. Il n'y a aucun sens de similitude à travers les multiples rôles joués ici – presque chaque acteur crée une toute nouvelle personnalité dans chaque scène où ils apparaissent dans un rôle différent. Cela rend le détail, l'histoire compliquée, le fil conducteur de la marche émotionnelle serré avec sincérité, inventivité et clarté.

Si vous n'avez jamais vu Les Misérables, c'est une bonne année pour le voir; si vous l'avez vu, cette distribution offre de nouvelles approches et des nuances intéressantes à des scènes que vous pensez bien connaître et des personnages que vous pensez ne plus pouvoir vous surprendre. Cela est le plus clair dans le cas de la famille Thénardier et de leurs acolytes. Il est essentiel que les Thénardiers adultes puissent être comiques et monstrueux en même temps; ils ne peuvent pas être des caricatures, mais ce sont des vampires pleins de sang, mûrs à l'excès, qui peuvent sucer la vie d'une dalle de marbre. L'humour de Master of the House doit être authentique, pour briser la litanie de tristesse et d'horreur qui caractérise les 40 premières minutes du spectacle, mais aussi pour fournir une juxtaposition fascinante à la cruauté et au marchandage flegmatique autour de Cosette qui suit.

Tom Edden est facilement le meilleur Thénardier que j'ai vu depuis la glorieuse performance de Peter Carroll il y a quelques décennies. Il apporte une nouvelle gaieté au rôle, mais n'hésite pas à être impitoyable et vicieux quand cela est nécessaire. Ses yeux rayonnent du don sans fin d'un opportuniste pour prendre avantage spontanément et sa forme dégingandée se plie et se tord pour un grand effet comique alors qu'il vole ses patrons sans méfiance. Ses scènes dans les égouts sont extrêmement inconfortables.

Comme un volcan de puissance vocale, de synchronisation comique et d'assertivité physique sans compromis, Helen Walsh offre une Madame Thénardier étonnante, provocatrice et extrêmement agréable (Wendy Ferguson étant absente). Les routines avec Edden dans les deux offres de Master of the House étaient parfaitement jouées; elles semblaient se produire pour la première fois, tellement en adéquation étaient les deux. Les deux acteurs n'ont pas gaspillé une seconde de temps de scène; chacun a trouvé tout ce qu'il y avait à trouver – et plus encore – dans leur travail. Stupéfiant. Grâce à ce travail solide, Carolina Gregory (Carrie Hope Fletcher étant absente) a fait une excellente Eponine. Son dégoût pour le comportement de sa propre famille est totalement compréhensible, tout comme son attirance pour le bel Marius de Rob Houchen. Elle est éloquente dans ses silences et n'a pas peur de chanter doucement avec grand effet. Parce que son personnage est si bien établi, son On My Own est très émouvant et totalement dans le personnage. Pas de moment diva ici, heureusement. Mais elle garde le meilleur pour la fin : ses derniers moments dans les bras de Houchen étaient merveilleusement judicieusement et hautement chargés. Seul le cœur le plus dur pourrait ne pas être ému par sa performance ici. Houchen est facilement l'un des meilleurs interprètes que j'ai vu dans le rôle de Marius, une partie qui, dans de mauvaises mains, peut être sans charme et niais. Pas ici. Houchen convainc complètement en tant qu'idéaliste qui tombe soudainement, de manière inattendue amoureux et dont la vie est changée à jamais à cause de cet amour. Il a une présence sur scène facile, une excellente baryton et il peut jouer. Empty Chairs at Empty Tables est finement jugé et magnifiquement livré et il fait fonctionner les dernières scènes avec Valjean et Cosette parce qu'il est totalement crédible. Son amitié et son allégeance à Enjolras sont également bien établies, comme on peut s'y attendre, mais, quelque peu inhabituellement, Houchen prend le temps de rendre ses relations avec les autres étudiants également réelles, en particulier Christian Edwards' Grantaire.

En tant qu'Enjolras, Michael Colbourne coupe une silhouette convenablement élégante et il n'y a aucun doute sur sa conviction quant à la nécessité de la révolution. Mais, vocalement, il était légèrement en-dessous dans plusieurs sections et doit travailler sur son soutien pour assurer des lignes claires et puissantes. Il a beaucoup de charisme et de style et j'ai particulièrement aimé sa relation avec Gavroche et la sincérité avec laquelle il a affronté la réalité que la mort d'Éponine marque.

L'ensemble est composé d'interprètes remarquables, des acteurs doués avec de grandes voix. Particulièrement bons étaient Tamsin Dowsett, Jordan Lee Davies, Jeremy Batt, Bradley Jaden, Joanna Loxton, Jonny Purchase et Jade Davies. Légèrement décalé par rapport au reste de la distribution était Adam Pearce's Bamatabois trop juteux et Adam Linstead's étenu évêque de Digne.

Les trois enfants dans la distribution, Freya Griffiths, Phoebe Lyons et Aaron Gelkoff, étaient très bons, avec Gavroche de Gelkoff exceptionnel donné son jeune âge (8 ans !). Chacun était simplement joué et la petite Cosette et Gavroche ont chanté comme des pros, mais sans la fausse qualité et l'insincérité qui peuvent souvent gâcher de tels moments.

La vieille Cosette est un rôle difficile. Cela semble assez facile comme concept, mais le chant est exigeant et le personnage requiert une technique habile et adroite pour éviter un marécage de sentimentalisme et de morosité. Emile Fleming s'en sort bien dans le rôle, mais son registre supérieur est trop aigu et pincé et il y a une gêne dans son jeu de scène qui est perturbante. Elle devrait trouver plus de réconfort dans la force de la performance de Houchen, chevaucher avec plutôt que contre elle. Car la clé pour Cosette est son dévouement à Marius; sans cela être palpable et réel, l'acte deuxième ne peut pas fonctionner.

Il y a trop de colère et d'agression dans Fantine de Celinde Schoenmaker et le résultat est qu'il est difficile de se soucier de ce qui lui arrive. De plus, elle aboie I Dreamed A Dream comme si c'était Rose’s Turn; c'est un « moment star » mal orienté. Schoenmaker doit laisser le personnage canaliser les paroles et la mélodie, plutôt que d'essayer d'impressionner un panel imaginaire de juges de X Factor. Je n'étais pas non plus convaincu, dans l'ensemble, par Valjean de Peter Lockyer, encore un client très en colère dans certaines séquences. Valjean est un rôle magnifiquement écrit et quelque peu un test d'endurance. Cela nécessite un rythme soigneux, réfléchi et, fondamentalement, au premier plan devrait être le souci et la préoccupation de Valjean pour les autres : son fils de sa sœur, Fantine, Cosette, Marius. Il est propulsé par un besoin de faire le bien, de rembourser sa dette envers Dieu. Bring Him Home n'est pas à propos de Valjean, c'est à propos de Marius et doit être chanté de cette façon. Lockyer l'a abordé comme son grand numéro, plutôt que comme un point de réalisation important sur le parcours du personnage.

La dernière section du spectacle a vu Lockyear à son meilleur, bien que chaque fois qu'il partageait la scène avec Javert de David Thaxton, il élevait son jeu de manière significative. Vocalement, sa voix n'était pas aussi sûre qu'elle pourrait l'être; bien que le haut et le bas soient assez solides, la section centrale de la voix, curieusement, était incohérente.

Cependant, il n'y avait pas de préoccupations de ce genre avec le Javert tonitruant et efficace de Thaxton. Si vous voulez effacer la mémoire désastreuse de l'effort lamentable de Russell Crowe dans le film, ceci est le tonique. Thaxton est parfait à tous égards dans chaque scène – le meilleur Javert que j'ai vu depuis que Philip Quast a joué le rôle en 1987.

Sa voix est belle et constante en timbre et en plénitude du haut vers le bas. Chaque phrase est précisément, parfaitement chantée, totalement dans le personnage. Il conduit le sens à travers le pouvoir des notes qu'il juge exquisément. Stars est électrisant et son Soliloquy un modèle complet de performance musicale dramatique. Il est totalement dans le personnage à chaque moment, et lorsqu'il émerge des ombres, ou y disparaît, sa présence précède ou persiste. Vous n'oubliez jamais ce Javert. C'est une performance de classe mondiale.

Adam Rowe dirige l'orchestre de manière imposante, bien que occasionnellement le pouls et les sons percussifs sous-jacents puissent avoir besoin d'une plus grande emphase et il permet des phrases extrêmement étranges de Valjean et Fantine à l'occasion. Dans l'ensemble, cependant, la musique est très bien servie.

Avec Thaxton, Houchen, Gregory, Edden et Walsh en si spectaculaire forme, et soutenus par un ensemble aussi glorieusement doué, tout problème avec les autres principaux n'est pas assez pour ternir l'expérience.

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