CRITIQUE : Mes Enfants ! Mon Afrique, Trafalgar Studios 2 ✭✭✭✭

Mes Enfants ! Mon Afrique !

Trafalgar Studios 2

10 août 2015

4 étoiles

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Cela semble sinistre. Menaçant. Il y a des fils barbelés. C'est la première chose que vous remarquez. Les fils barbelés. Puis vous voyez qu'il y a une sorte de zone de confinement, délimitée par les fils barbelés. On dirait un terrain d'exercice dans une prison de haute sécurité. Ou un camp de concentration. Un endroit terrible, quoi qu'il en soit.

Derrière la zone de confinement, trois personnes sont assises silencieusement. En attente. La femme a la peau blanche ; les hommes ont la peau noire. Il y a deux portes menant à la zone de confinement et les deux sont spécifiquement marquées : seules les personnes ayant la bonne couleur de peau peuvent utiliser les portes. Ensuite, vous remarquez la division dans le petit passage derrière la zone de confinement. Le trio en attente est séparé ; ils pourraient donner l'impression d'être assis ensemble mais ce n'est pas le cas.

Des extraits d'enregistrements audio de discours, de rassemblements, de reportages, résonnent doucement à travers l'auditorium. Il n'y a pas de climatisation, donc l'espace devient vite chaud, très chaud, et sec. Observer le trio silencieux à travers le prisme des fils barbelés, l'évocation d'une prison oppressive, est inconfortable, inquiétante, choquante. Elle encapsule avec précision le sentiment de l'Apartheid.

Voici Mes Enfants ! Mon Afrique !, l'analyse intransigeante d'Athol Fugard sur le changement générationnel, l'éducation et l'usage de la violence dans l'opposition politique en Afrique du Sud, au plus fort de l'ère de l'Apartheid. Mis en scène par Roger Mortimer et Deborah Edgington, cette reprise captivante et troublante, produite par Two Sheds, se joue maintenant à Trafalgar Studios 2.

Il est difficile de se souvenir d'une production récente d'un drame où les éléments de design ont joué un rôle si important dans la compréhension de la production. C'est presque comme si le décor, l'éclairage et le son étaient eux-mêmes des personnages dans la narration. Le décor de Nancy Surman est remarquable. Sa présence constante et symétrique suggère un ordre et une oppression à parts égales, et un sentiment asphyxiant de détention prolongée. Les panneaux indiquant l'entrée par couleur ne sont pas intrusifs ; leur menace et leur horreur résident dans leur banalité.

Le décor vous rappelle constamment qu'à l'époque en question, l'Afrique du Sud était comme cela : une prison impitoyable et dure, où des choses indicibles se passaient dans l'ombre, où les personnes blanches et noires étaient divisées et maintenues dans l'ignorance, où le changement ne venait pas assez vite. L'obscurité est une force tangible dans la pièce et le design exceptionnel de l'éclairage de Jack Weir garantit que l'obscurité sous toutes ses formes est constante - même lorsque la lumière brille ou brûle, Weir ne vous laisse jamais oublier la présence et le pouvoir de l'obscurité. Les niveaux de lumière montent et descendent, horizontalement et verticalement ; les ombres dansent sur les visages, couvrent les traits, obscurcissent l'action. Les états alternés de lumière et d'obscurité reflètent ou détournent la lumière et l'obscurité des personnages et du discours. La peur et l'espoir sont transmis de manière experte par le contrôle de l'obscurité de Weir.

Et, tout le temps, ponctuant et accentuant les développements de l'intrigue ou les changements dans la dynamique des relations sur scène, le design sonore d'Erin Witton atteint son but déstabilisant. Subtil souvent, parfois éclatant de violence ou de dissonance, le paysage sonore de Witton permet aux ombres de Weir de valser dans l'enfer de fils barbelés de Surman. La fusion de ces éléments donne à toute la production une sensation opératique/balétique qui convient parfaitement à l'imagerie fleurie de Fugard et aux aspects grandioses de l'écriture.

La pièce concerne trois personnages : un professeur et ses deux élèves. L'un des élèves est une fille blanche d'une famille aisée. L'autre est un garçon noir très brillant. Le professeur a vécu une vie difficile, se consacrant à l'enseignement. L'insistance du gouvernement pour que les élèves noirs soient enseignés séparément et différemment de leurs homologues blancs a pesé sur le professeur, M. M (oui, il n'a pas le même initial que Mandela pour rien) qui est opposé aux écoles Bantu (où des cours inférieurs sont enseignés aux élèves noirs) et cherche, de manière subtile, à contrecarrer le système.

Il encourage les élèves spéciaux ayant un talent évident. Au début de la pièce, c'est l'une des occasions où la rébellion subtile de M. M est à l'œuvre : il y a un débat et le très brillant élève noir, Thami, débat avec la très brillante fille blanche, Isabel. M. M veut que les deux travaillent ensemble, apprennent ensemble. Il sait que Thami bénéficiera de l'exposition à Isabel. Il a raison.

Dans l'une des scènes les plus glorieuses de la pièce, les deux élèves se défient sur leurs connaissances de la littérature anglaise. Ils sont très impressionnants, échangeant des faits et des citations de grands auteurs comme Wordsworth ; et la joie particulière qui découle de leur émulation les voit tous deux exceller, et le rapport, les plaisanteries et l'esprit de compétition dans cette scène pourraient être ceux de collègues à Eaton. Ce qui est, bien sûr, le but : nourrir les esprits brillants, quels que soient leur origine et couleur de peau, et l'excellence suivra.

Mais le peuple de Thami en a assez et la violence est à l'ordre du jour alors que les mécontents et les opprimés cherchent à forcer le changement. Thami est contraint de prendre position, de se retourner contre les voies de désobéissance civile de M. M. Cela mène à une lutte entre M. M et Thami, avec Isabel comme spectatrice fracturée et incertaine.

L'écriture de Fugard est de grande envergure, incisive dans les détails, captivante par moments mais aussi fatalement imparfaite. Elle est à la fois révélatrice et intime et ne se place pas facilement dans cette étrange configuration. Le côté poétique de l'histoire est remarquable mais il s'accorde difficilement avec la dureté de la réalité ; en même temps, le choc des styles fonctionne étonnamment bien, mais il y a une insatisfaction persistante avec la forme et le but qui diminue l'effet global.

Une interprétation superbe peut surmonter ces problèmes structurels. Bien que la distribution ici soit assez merveilleuse par moments, ils ne sont pas tout à fait à la hauteur de la tâche imposée par Fugard. Ils doivent à la fois embrasser les défauts de l'écriture et les surmonter - et ils y parviennent presque. Mais il y a une légère tendance à la mélodramatisation qui hante les trois performances, peut-être issue de l'écriture un peu exotique, qui tend à saper le drame.

La meilleure performance est celle de Nathan Ives-Moina dans le rôle de Thami. Il est séduisant en tant qu'étudiant noir qui veut s'éduquer mais qui succombe à la pression de ses pairs et change de chemin. Les toutes meilleures scènes de cette production (en dehors du débat dynamique sur la littérature) impliquent sa lutte avec lui-même sur quel chemin suivre - l'évolution lente de M. M ou la perturbation rapide de la violence.

Rose Reynolds et Anthony Ofoegbu sont tous deux en bonne forme dans les rôles d'Isabel et M. M respectivement, mais tous deux sont sujets à des moments de mélodrame à la Eastenders. Deux réalisateurs auraient dû pouvoir garder les performances sur le droit chemin de la focalisation, donc on suppose que le résultat était intentionnel, et, si c'est le cas, c'est une erreur de jugement. Un jeu parfaitement droit est ce qui est nécessaire pour tirer le meilleur de la pièce.

Ce sont, cependant, des détails insignifiants. Dans l'ensemble, décor, éclairage, son et jeu d'acteurs - cela fonctionne. C'est captivant et pose des questions. Bien que Fugard l'ait écrit à propos de l'Afrique du Sud, la pièce concerne toute société ou culture où les gens sont traités différemment, surtout en ce qui concerne l'éducation. Compte tenu de l'actuelle attaque du Royaume-Uni sur la culture dans les écoles et des guerres de classe qui définissent la Grande-Bretagne moderne, la pièce trouve des résonances dans de nombreux milieux - à NHS ou pas NHS, par exemple.

La pièce de Fugard parle d'injustice, de distinctions irrationnelles, et d'un échec des valeurs appropriées. Ses résonances s'étendent bien au-delà de l'Afrique du Sud.

Mes Enfants ! Mon Afrique se joue à Trafalgar Studios2 jusqu'au 29 août 2015