CRITIQUE : Peau En Feu, Park Theatre ✭✭✭✭

Skin In Flames

Théâtre Park

13 mai 2015

4 étoiles

Skin in Flames est l'œuvre la plus connue et multi-récompensée de l'écrivain catalan Guillem Clua. La pièce a été initialement produite en 2004 à Barcelone, mais, hormis une lecture scénique en 2007, elle n'a jamais reçu de production complète ici en Grande-Bretagne. Cette première, dans une traduction efficace de DJ Sanders, est très bienvenue, et certainement attendue depuis longtemps. Les thèmes qu'elle aborde – l'impact de la diffusion massive d'images emblématiques de violence, les tromperies de la mémoire, qu'elles soient conscientes ou inconscientes, les contributions ambiguës des organisations d'aide internationale du premier monde, et l'infiabilité des différents récits d'exploitation – nous emmènent sur le terrain occupé par des classiques tels que Le Baiser de la Femme Araignée et La Mort et la Jeune Fille, et la pièce ne se sent pas gênée aux côtés d'une telle compagnie exaltée.

Le décor dans le petit espace studio du Théâtre Park nous présente une chambre fatiguée au look désordonné dans un hôtel bon marché, où des rideaux flottent à une fenêtre ouverte, quelques chaises sont disposées au premier plan et une salle de bain est située à l'arrière. Nous sommes dans une capitale latino-américaine non identifiée, quelque vingt ans après une révolution sanglante ou une guerre civile au cours de laquelle le gouvernement actuel a finalement remporté le pouvoir. L'action commence lorsque Frederick Salomon (Almiro Andrade), un photographe de guerre américain distingué, entre en compagnie d'une journaliste, Hanna (Bea Segura) d'un des journaux d'État. Il était dans cette ville pour la dernière fois au moment de la révolution lorsqu'il a pris une photo d'une jeune fille lancée dans les airs par une explosion, qui a ensuite été reprise par la presse mondiale comme une image emblématique de la guerre et de la pitié qu'elle engendre. C'était l'image qui a lancé sa carrière. Il est de retour en ville pour la remise d'un prix du gouvernement qui sera décerné lors d'un déjeuner officiel plus tard dans la journée. On s'attend à ce que l'interview soit une approbation sans menace, une reconnaissance éclatante d'un photographe légendaire avec des échanges couronnés de platitudes pieuses de toutes parts – une rencontre représentante un échange confortable quoique quelque peu condescendant entre une aspirante et un grand homme du domaine. Cela s'avère rapidement ne pas être le cas, et nous basculons plutôt vers un interrogatoire du passé de Salomon et de la moralité de toute sa carrière et de ce que cette photo notoire impliquait vraiment pour tous les concernés.

À mesure que les ombres s'allongent dans la chambre d'hôtel, à la fois littéralement et métaphoriquement, une deuxième histoire commence à se développer dans le même espace. Un autre couple entre et il devient rapidement clair qu'il s'agit d'une rencontre ou d'une transaction sexuelle, mais il y a aussi une complexité et une sensation incommode d'exploitation et d'abus de pouvoir, tout comme dans le dialogue parallèle. Ida (Laya Marti) est une jeune mère, dont la fille est dans le coma dans un hôpital local. Son compagnon de lit est un haut médecin de l'ONU qui a le pouvoir d'intervenir pour obtenir des médicaments pour la fille et même de la faire transférer pour des soins spécialisés à l'étranger. Cependant, il n'acceptera de le faire qu'en échange de faveurs sexuelles de plus en plus dégradantes de la part d'Ida. Il s'avère que le médecin est également responsable d'organiser le prix pour Salomon, une démarche qui bénéficiera à leurs deux carrières chez eux grâce à la chaleur humanitaire bienveillante dans laquelle ils peuvent se baigner de manière plausible. Au fur et à mesure que la pièce avance, les deux intrigues évoluent dans le même espace d'abord de manière symbolique puis avec une convergence en temps réel de plus en plus choquante. Il serait erroné d'en révéler davantage sur les détails, mais l'auteur mérite un grand crédit pour la manière dont il réunit inexorablement les histoires dans le final tout en laissant suffisamment de fils en suspens pour que notre imagination comble les écarts restants de notre propre manière.

Pour les acteurs et le metteur en scène de ce drame, la tâche clé est de tracer et de maintenir un chemin de développement captivant chez chaque personnage allant d'une confiance extérieure en surface à une désintégration ou une fragmentation émotionnelle. Chacun des joueurs doit ouvrir une palette émotionnelle très large mais d'une manière précise et soigneusement calibrée afin que les extrêmes de colère et de désespoir ne culminent pas trop tôt et que les nombreux changements d'énergie, de pouvoir et de contrôle dans le drame suivent un cours crédible plutôt qu'aléatoire. Le public doit être constamment rappelé que les thèmes émotionnels constants sont en jeu tout en étant tenu en haleine sur la question de savoir qui dit effectivement la vérité ou s'il existe quoi que ce soit comme une vérité unifiée disponible par opposition à de simples perspectives individuelles sur les mêmes événements. En obtenant cet équilibre délicat, les femmes réussissent généralement mieux que les hommes. Avec Bea Segura et Laya Marti, la production a la chance d'avoir deux actrices espagnoles bien connues au sommet de leur art : Marti est particulièrement émouvante dans la manière dont elle dépeint son amour sans bornes pour sa fille et son désespoir à saisir tous les moyens pour la sauver. Elle a beaucoup moins de texte avec lequel travailler que les autres, et pourtant elle transmet éloquemment sa souffrance et son fier mépris pour les cruautés que lui a infligées le Dr Brown. Elle dégage également une merveilleuse innocence enfantine dans son interprétation d'une histoire pour enfants, qui émerge comme un point de délicatesse poignante et multi-couche dans la pièce dans son ensemble. Segura doit chevaucher un tourbillon d'émotions alors qu'elle passe de journaliste naïve à ange vengeur, à un statut final beaucoup plus ambigu, ni manipulatrice ni victime. Elle trace ce parcours avec une habileté détaillée, une intensité passionnée et une précision verbale. David Lee-Jones capture très bien le carriériste blasé du Dr Brown, ainsi que le sens d'un homme qui ne peut maintenant se sentir vivant qu'à travers des pulsions sexuelles de plus en plus exploitantes. Cependant, sa performance serait d'autant plus choquante s'il esquissait le passé de sa vie familiale américaine avec plus de nuances émotionnelles. De même, bien qu'Almiro Andrade soit très crédible en apparence et en langage corporel, sa performance ne capture pas encore pleinement l'ampleur du voyage que son personnage doit accomplir. Nous avons besoin de voir plus de confiance, de fanfaronnade mondiale au début pour apprécier l'ampleur de son effondrement psychologique sous le poids des révélations à venir. Salomon est un homme semblable aux anti-héros de Graham Greene, qui a cessé de croire en lui-même bien avant de se désintégrer devant nous. Pour que le drame fonctionne pleinement, nous devons avoir cette vacuité et ce effondrement intérieur complètement représentés, puis sa récupération finale inattendue également. Certains de ces problèmes peuvent se résoudre au fur et à mesure que la course progresse, à mesure que le rythme et la fluidité des interactions augmentent au-delà des premiers jours de la première de presse.

C'est une soirée au théâtre difficile, inconfortable, mais richement gratifiante. On nous amène à réfléchir profondément sur les mobiles mixtes qui se cachent derrière la mise en œuvre de l'intervention humanitaire, sur le pouvoir du photojournalisme à façonner les perceptions à travers le monde pour le meilleur et pour le pire, et sur la manière dont les images peuvent développer une vie reçue propre qui transcende tout schéma d'intention délibérée. Il semble purement platonique de dire que la guerre fait des victimes, morales ou physiques, de tous ses participants, mais le grand succès sobre de la pièce est de rendre cette vérité concrète et complexe, touchante mais significative pour tous les personnages du drame.

Skin In Flames se joue au Théâtre Park jusqu'au 6 juin 2015