CRITIQUE : The Gin Game, Théâtre Golden ✭✭✭

La Partie de Gin

Golden Theatre, Broadway

15 octobre 2015

3 Étoiles

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Elle est frêle, vive, intelligente. Elle pourrait être malade, mais chaque fibre d'elle-même dégage une vivacité incroyable. Elle a peut-être 90 ans, mais le temps ne l'a pas écartée. Elle a un sourire rapide, une langue acérée, des yeux perçants - on n'a pas l'impression que grand-chose lui échappe. Mais elle est indéniablement âgée. Et elle semble très seule.

C'est un homme puissant, massif, ou plutôt, ce qu'il en reste. Lui aussi semble très vieux, bien que pas autant qu'elle. Il est beaucoup plus grand, plus large, plus épais, un véritable ours d'homme. Ses yeux sont brillants, mais pas autant que les siens; il se déplace plus lentement, mais il est clair qu'il pourrait se déplacer rapidement s'il le souhaitait. Son tempérament est explosif, ce qui est démontré très tôt.

Il l'encourage, la contraint à jouer au Gin Rummy avec lui. Il veut gagner; elle gagne toujours, qu'elle connaisse les règles, le jeu ou le parcours le plus sûr ou non. Lorsqu'il renverse la table de jeu dans une rage incontrôlable face à sa maîtrise des cartes, on ne peut qu'avoir peur pour sa sécurité. Il pourrait facilement lui briser le cou dans une rage effroyable.

Cependant, mes collègues spectateurs ont trouvé cela drôle.

Il s'agit de la reprise de La Partie de Gin, pièce lauréate du prix Pulitzer de D.L. Coburn, mise en scène par Leonard Foglia et désormais à l'affiche du Golden Theatre de Broadway. Lors de sa première production à Broadway, en 1977, elle mettait en vedette le duo mari et femme, Jessica Tandy et Hume Cronyn. Elle n'a pas remporté le Tony Award de la meilleure pièce, mais Tandy a décroché le prix de la meilleure actrice. Comment elle a remporté le prix Pulitzer reste un mystère, car c'est une écriture légère et simple, la première pièce de Coburn pour le théâtre.

Le secret, on le soupçonne, réside dans l'alchimie entre les deux acteurs. Avec Tandy et Cronyn, cela venait naturellement : c'est une pièce sur des étrangers qui découvrent leurs similitudes, leurs points de fusion, testent les limites de chacun. Pour Tandy et Cronyn, cela devait être comme respirer, comme le suggère le film de leur performance. D'autres productions ont compté sur une alchimie similaire : Mary Tyler Moore et Dick Van Dyke; Julie Harris et Charles Durning. L'alchimie entre les deux vieux combattants est vraiment la clé.

Et il est indéniable que Cicely Tyson et James Earl Jones ont une alchimie, du genre qu'un mari brutal et sa femme longtemps souffrante peuvent avoir. C'est effrayant, redoutable, émotionnellement chargé et totalement crédible : des milliers de femmes à travers le monde, occidentales et orientales, connaissent bien ce genre de relation.

Ce n'est tout simplement pas drôle. Du moins, pas drôle à mon avis. Les spectateurs autour de moi riaient à gorge déployée, même lorsque des larmes se formaient tragiquement dans les yeux de Tyson, même lorsque Jones était lui-même consterné par ce qu'il avait fait mais continuait de le faire. Qu'est-ce qui est drôle qu'un homme agresse violemment une femme, avec des mots, des intentions, des pensées et des actions, surtout quand il sait que cela lui fait peur ?

Les performances m'ont semblé finement jugées, allant peut-être dans une direction où les productions précédentes n'étaient pas allées. Il y a une brutalité, un tranchant rugueux dans l'exaspération de Jones qui est imprégné de violence domestique masculine-féminine. Cela n'a rien de mauvais, c'est une interprétation qui fonctionne parfaitement. Cela ne donne simplement pas une soirée agréable de rires joyeux au théâtre.

Voici le grand problème ici. Ces acteurs bien-aimés le sont à cause de qui ils sont, de ce qu'ils ont fait avant, plutôt que de ce qu'ils font ici. Dans le style typique et obséquieux de Broadway, ils sont applaudis à leur entrée, avant qu'ils n'aient fait quoi que ce soit pour mériter des applaudissements. Ce sentiment de "ce sont des stars" imprègne l'action, apaise ou permet au public de croire que la pièce sera un bon moment amusant. Ou peut-être le public s'attend-il simplement à cela et l'impose comme sa réaction.

Pour moi, cependant, c'est impénétrable.

Les deux acteurs ici font quelque chose de tout à fait différent d'une comédie de salon. Ils essaient de faire passer un message et, courageusement, un qui dépasse la communauté caucasienne. La maltraitance des femmes est partout et doit être arrêtée - c'est ce que crie cette version de La Partie de Gin. C'est juste que personne ne semble écouter.

Tyson est particulièrement efficace. Elle est merveilleusement vivante et agile dans le rôle de Fonsia, la résidente de la maison de retraite qui veut encore vivre et qui, surtout, veut de la compagnie. Elle supplie pratiquement Jones de l'adopter comme compagne, et ses "rébellions" contre son mauvais comportement ont tous les signes d'une épouse battue et loyale. La scène où ils dansent ensemble est d'une triste beauté - elle montre ce qu'ils pourraient avoir, si seulement les deux, non seulement Jones, mais les deux, voulaient que cela arrive.

Car, Fonsia de Tyson insiste pour être la plus intelligente. C'est de bonne guerre, car elle l'est clairement. Mais sa persistance dans ce domaine a des conséquences pour elle; la colère et le désarroi de Jones et, peut-être à la fin, un rejet complet. Est-ce le bon résultat pour elle? Le laisser gagner de temps en temps - ce qu'on appelle le compromis en thérapie de couple, je crois - permettrait-il une cohabitation plus heureuse?

Est-il préférable pour Fonsia d'affirmer son astuce intellectuelle sur Weller de Jones toujours? Alors qu'ils explorent la vie et les faiblesses de chacun en jouant au Gin Rummy, est-il nécessaire pour elle de lui imposer sa malice? Cela devrait-il tant compter pour lui qu'elle le fasse? Devrait-elle pardonner son agression physique violente et tempétueuse ou faire ce qu'elle peut pour s'assurer que cette agression ne se matérialise jamais?

Ce sont des questions qui sont au cœur du grand drame. La Partie de Gin n'est peut-être pas dans la ligue des grands dramaturges modernes, mais cette production lui donne une chance d'aspirer à ce niveau. Tyson le comprend; il n'est pas clair que Jones le fasse, ou puisse le faire.

Sans aucun doute, Jones a l'une des plus grandes voix théâtrales. Ses sons graves et profonds de basso profundo sont vraiment extraordinaires, et lorsqu'il prend le temps de laisser sa voix s'adoucir et scintiller, il est vraiment remarquable à entendre sur n'importe quelle scène. Il y a une rigueur sonore qui est séduisante. Mais, il ne peut pas non plus se débarrasser du lustre et de l'image de Dark Vador (et pourquoi le ferait-il !) donc à moins qu'il ne travaille très dur, le sentiment de danger est une constante.

Ainsi, dans cette production, Jones devient le Stanley Kowalski des maisons de retraite, capable de violence réelle mais pas nécessairement de violence intentionnelle. Il se nourrit de la Fonsia à la façon d'un lapin de Tyson avec une réelle habileté - tous deux rendent clair le chasseur et le chassé. Le problème est que le texte voit réellement Fonsia comme le chasseur...

Les acteurs étant des acteurs, ils prennent leur signal dans le public. Des rires arrivent. Et donc les performances sont ajustées pour convenir et provoquer plus de rires. Cela se comprend.

Mais c'est aussi tout simplement faux. Avec ce casting, ce n'est pas une comédie. C'est un drame austère et magnifique sur les batailles des sexes et comment ces batailles ne diminuent pas avec l'écoulement du temps. On peut trouver Antoine et Cléopâtre dans les maisons de retraite, jouant au Gin Rummy et se testant et se taquinant. L'âge n'atténue pas les traits innés renforcés par la société.

Foglia doit porter la responsabilité ici. Si cela devait être une chance de réimaginer cette pièce pour un nouveau public, pour une nouvelle époque, avec des combattants centraux totalement différents, c'est un échec. Cela aurait pu être une exploration brûlante et cinglante de la dysfonction sexuelle et sociale - et avec ce casting, cela aurait pu être le cas. Tyson pourrait définitivement le faire; Jones, probablement, avec la bonne vision directoriale.

Au lieu de cela, la pièce se contente d'un déplorable juste milieu, où la violence contre les femmes est drôle et le public la trouve telle. Prendre la route la moins empruntée, comme Robert Frost le savait bien, aurait fait toute la différence.

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