CRITIQUE : The One Day Of The Year, Finborough Theatre ✭✭✭✭✭

Fiona Press, Mark Little et Paul Haley. Photo : Mark Douet The One Day Of The a Year

Finborough Theatre

21 mai

5 Étoiles

Il est presque l'aube. Le père est irritable, s'habille, ordonne à sa femme patiente et terre-à-terre d'aller chercher ses médailles. Il doit assister à un service de l'aube. Elle se précipite pour les trouver. Le père crie à son fils endormi. Lève-toi, nous devons partir pour le service. Le fils, coupable mais défiant, crie qu'il n'y va pas. Le père fait irruption dans la chambre du fils. Le jeune homme ne cille pas, en chemise et sous-vêtements, debout sur son lit, tenant bon. Pas de service de l'aube pour lui. Le père y réfléchit, se rend compte que cette bataille est perdue d'avance, prend les médailles de sa femme, la laisse l'habiller et s'en va. Rien ne l'empêchera de profiter de sa journée.

Le fils ressent... quelque chose. Peut-être ineffable, mais quelque chose. Le vieux compagnon de guerre de son père arrive à la maison, prêt à regarder le service de l'aube et le défilé à la télévision louée avec la mère. Le fils allume la radio. Il pourrait ne pas aller au service de l'aube mais il l'écoutera. Pourquoi ? Par habitude ? Ou autre chose ? En s'habillant, le « Last Post » joue. Le vieil homme se met au garde-à-vous, se remémorant ; le fils s'arrête, réfléchi.

La juxtaposition de ces deux hommes, divisés par les générations, l’éducation et l’expérience, mais envoûtés par le pouvoir d’un morceau de musique, et tout ce qui l’accompagne, s’installe de manière permanente, inexorable dans l'esprit et l'âme de l'audience. Aussi évocateur et émouvant que le théâtre peut l'être.

Gregory Doran a récemment déclaré que Mort d'un commis voyageur était la plus grande pièce américaine du XXe siècle. Bien que beaucoup puissent le contester sur ce point, la question qui me revenait sans cesse à l'esprit était de savoir quelle serait la plus grande pièce australienne du XXe siècle ? Les scènes londoniennes sont rarement bénies par des pièces australiennes, bien que les acteurs australiens soient régulièrement présents sur celles-ci, certains en mode ex-pat, d'autres non. Cela surprend beaucoup de spectateurs londoniens que les Australiens écrivent même des pièces.

Mais ils le font. Et souvent, de très bonnes.

Dans n'importe quelle liste sensée des dix meilleures pièces écrites par un Australien, The One Day Of The Year d'Alan Seymour apparaîtrait sûrement.

En 1960, lorsqu'elle a été produite pour la première fois en Australie, elle a causé un sensationnel, s’est retrouvée interdite, et a été l’objet d’un mépris virulent et nu. Des policiers maintenaient l'ordre dans les théâtres où elle était jouée. Elle a été étudiée par des générations de scolaires en Australie, est montée et tombée en popularité, a atteint un statut iconique et a presque été oubliée. Quelle meilleure occasion, alors, pour le diligent Finborough Theatre de choisir de la ressusciter en l'année du centenaire de la Campagne de Gallipoli ; le Finborough jouit d'une réputation bien méritée pour redécouvrir des joyaux théâtraux perdus, négligés ou oubliés, donc la pièce de Seymour y trouve parfaitement sa place.

Car, il ne faut pas se tromper, c'est un joyau.

Aussi bien travaillée que n'importe quel drame naturaliste de l'époque, la pièce perdure car elle traite de concepts universels qui ont la capacité de toucher et d'affecter la vie de tous ceux qui la voient, qu'ils soient Australiens ou non : la futilité de la guerre ; la notion de valoriser le point de vue d'un autre ; les conséquences de l'éducation ou de son absence ; et la précarité et la difficulté particulières du lien entre père et fils, mère et fils, mari et femme.

Malgré ses détails et sa narration, ce n'est pas une pièce sur l'Anzac Day, le jour férié en Australie où l'on rend hommage à ceux qui ont combattu pour leur pays lors des guerres, ceux qui ont été tués ou mutilés, ou pire, ont survécu. Non. De la même manière que Mort d'un commis voyageur parle fondamentalement du Rêve américain, The One Day Of The Year parle du Rêve australien, ou peut-être plus exactement, du rêve de ce que c'est que d'être un Australien aspirant.

Il y a d'autres, évidentes parallèles avec la pièce de Miller : le personnage père central sait qu'il est un échec mais fait face à cela différemment ; la tension dans la pièce provient du père et du fils, et atteint son apogée lors d'une confrontation où le fils force le père à affronter les faits ; il y a une femme fidèle et fatiguée qui essaie d'empêcher sa famille de se déchirer ; et il y a un vieil ami sage, réfléchi, et perspicace du père qui essaie de stabiliser la situation et d'éviter le désastre.

Mais là s'arrêtent les similitudes (en dehors de leur grandeur inhérente). Miller a écrit une pièce sur de grands thèmes et des enjeux nationaux sous forme de drame domestique ; Seymour a écrit un drame domestique sur la classe, les valeurs et le compromis, sous forme de lutte épique sur un pilier fondamental de l'identité australienne.

Le metteur en scène Wayne Harrison, dont la reprise de The One Day Of The Year a ouvert ses portes hier soir au Finborough, comprend cela parfaitement. Il a collaboré avec Alan Seymour sur cette version de la pièce, en l'actualisant de manière subtile, mais efficace. Il est fort regrettable que Seymour soit décédé en avril de cette année et n’ait pas pu assister à la renaissance de sa pièce la plus célèbre.

Car il s'agit d'une reprise parfaitement réussie d'une grande pièce. Harrison a soigneusement exploré l'œuvre, trouvé les vérités, les points de repère, la profondeur, et a rendu tout cela vivant et extraordinaire de façon vivante. C'est, de loin, la version la plus drôle de cette pièce que j'ai jamais vue et, en conséquence directe, c'est aussi la plus émotive, touchante et pénétrante que j'ai jamais vue. Et, au fil des ans, j'ai vu des dizaines de productions de cette pièce.

Harrison, sagement, utilise les limitations de l'espace du Finborough à son avantage. Le décor simple (Catherine Morgan) établit précisément la vie sobre et non compliquée que mène la famille Cooke. Il y a une cuisine et la chambre de Hughie, avec son lit simple rabattable. Il n'y a pas d'extravagance dans le foyer des Cooke. Harrison utilise bien le cadre minimaliste - les personnages peuvent se déplacer d'un espace à l'autre pour un effet. Quand Hughie explique sa gêne à propos de sa famille et leurs travers, il peut errer dans l'espace où ils se trouvent et ils peuvent démontrer son affront.

Il y a, de manière inattendue, une utilisation astucieuse de projections faisant partie de la toile de fond du langage de la pièce. Quoi que l'on puisse louer au sujet de la coda que Jonathan Munby a ajoutée à Le Marchand de Venise actuellement joué au Globe, la nouvelle fin de cette pièce est rien de moins qu'ingénieuse, reflétant clairement et concisément, les thèmes de la tradition, du sacrifice et de la perte que Seymour tisse dans le texte.

C'est une mise en scène aussi magnifiquement et soigneusement dirigée qu'aucune autre actuellement jouée sur une scène londonienne. Elle n’a pas les ressources de la Mort d'un commis voyageur de la RSC, mais elle laisse cette production loin derrière en termes de sensibilité dramatique et de cohérence théâtrale.

Le casting, majoritairement impeccable, aide grandement la vision de Harrison.

Mark Little, dans probablement la performance de sa vie, est un Alf assuré, complexe et très drôle, très humain. Vétéran de la Seconde Guerre mondiale, Alf est un type traditionnel, qui est sans vergogne de classe ouvrière (il travaille à un ascenseur pour payer les factures) mais qui a économisé et épargné pour s'assurer que son fils, Hughie, reçoive une éducation et puisse avoir le genre d'opportunités qu'Alf s'est lui-même vu refuser. Bruyant, très amateur de boissons et archétype du râleur (il tremperait probablement quelques pintes avec Nigel Farage), Alf est presque une parodie de lui-même.

Presque. En vérité, il est ce merveilleux vieux roublard ivre qui se soûle et devient trop fou, mais que tout le monde pardonne parce que, lorsqu'on y regarde de plus près, c'est juste un bonhomme ordinaire qui fait du mieux qu'il peut. Il y a un sous-courant de violence chez lui aussi et cela établit son pire aspect, les limites extérieures de son excès. C'est une pièce écrite à une époque où la masculinité était définie différemment. Alf traite tout le monde qu'il aime de manière tout aussi mauvaise, principalement parce qu'il a eu son propre chemin pendant si longtemps, mais, tout autant, il les aime vraiment et il le montre. Quand il le peut.

Alf est un rôle énorme, et Little accorde à chaque aspect de la partie une attention appropriée et détaillée. L'exubérance joyeuse, l'éclair de colère soudaine imprévisible, les silences fatigués, la colère insistante, la détermination féroce, l'apparence perplexe, le sens de l'humour espiègle, la stupeur alcoolique, les racontars falstafiens, la dévotion muette - Little joue tout cela, de manière cohérente, sensible et incroyablement efficace. C'est une performance courageuse et intrépide ; Little n'a pas peur de révéler le vilain côté d'Alf, et il a bien raison. Sans cela, la partie et la pièce ne peuvent pas fonctionner.

Little est béni avec un soutien superbe et irréprochable de Fiona Press (sa femme de longue date Dot) et de Paul Haley (Wacka, le vétéran des deux guerres mondiales, qui était compagnon de guerre d'Alf et de son père).

Press rend Dot complètement réelle de toutes les manières. Dot est la porteuse de vérité dans la pièce - elle observe tout et commente les événements avec une acuité infaillible, une sagesse inégalée et une sincérité profondément ressentie. Press parvient sans effort à transmettre toutes les qualités de Dot ; sa maîtrise de soi est inspirée, mais ses yeux et sa bouche ne cessent jamais de refléter son humeur et ses pensées. En tant que force d'amour vrai et pardonnant, capable d'une honnêteté brutale, et de sarcasme désinvolte, la Dot de Press est magistrale à tous égards. Un plaisir total à regarder.

Le rôle de Wacka est un piège pour les mauvais acteurs ; l'écriture de Seymour peut apparaître comme une opportunité pour un sentimentalisme extrêmement sentimental, sirupeux et exagéré. Mais pas ici. Haley est exquis comme le vieux vétéran, qui aime les Cooke comme s'ils étaient les siens, et qui ne veut pas se vanter de ses hauts faits militaires. Taciturne, et un véritable contrepoids aux exigences impérieuses d'Alf, Haley présente un Wacka d'une grande profondeur, d'un stoïcisme implacable. Vous croyez vraiment qu'il était là à Gallipoli, face aux canons massacrant, et puis, plus tard, une vie à repousser les souvenirs, austèrement calme. Quand, finalement, Dot le pousse à parler de sa douleur, Haley est captivant, glaçant, exceptionnel. Il est également indéniablement drôle. C'est une performance finement réglée et parfaitement calibrée.

James William Wright joue Hughie, l'unique enfant de Dot et Alf, avec compétence et assurance. Grand, dégingandé, beau et perdu, le Hughie obsédé par la photographie de Wright est le parfait descendant en colère et rebelle. Il montre clairement la soumission de Hughie au charme féminin de sa peut-être petite amie Jan et les conséquences presque catastrophiques que cela a pour sa famille. Sa relation avec ses deux parents est finement mesurée, de l'adoration douce pour sa mère, qu'il regrette amèrement d'avoir contrariée, à travers le regret et la honte humble qu'il ressent pour son traitement de son grand-père de substitution, Wacka, à la peur et la haine qu'il lance rapidement au père qu'il méprise momentanément, mais qu'il sait avoir œuvré toute sa vie pour son amélioration. C'est une performance brute, exposée, à la fois agréable et fracturée.

Deux moments illustrent particulièrement l'éventail des compétences de Wright ici. Il rend l'assaut vicieux d'Alf à son encontre complètement crédible ; vous sentez presque les bleus se former sur votre propre corps en observant la réponse craintive et enfantine de Wright. Puis, plus tard, lorsqu'il serre la main de son père dans une démonstration ouverte et sans équivoque de l'amour paternel, il vous brise le cœur d'une manière différente. Bien qu'il ait besoin de se détendre davantage et de faire suffisamment confiance à sa performance pour permettre des pauses et des moments de réflexion qui soutiennent la tension, Wright offre une performance de premier ordre dans un rôle délicat.

Il ne fait aucun doute que le rôle le plus difficile dans la pièce est celui de Jan, la fille de la haute société qui traîne avec Hughie, l'utilise à ses propres fins, sexuelles et professionnelles. C'est un rôle ingrat à bien des égards, mais crucial. Jan représente l'aspiration qu'Alf et Dot ont travaillé dur pour permettre à Hughie d'accéder, mais elle incarne également tout ce qu'ils trouvent tous deux méprisable chez les personnes privilégiées et leur mépris désinvolte pour la valeur des classes ouvrières. Sans Jan, il n'y a pas d'irritant dans la coquille et Hughie ne peut pas passer de l'huître à la perle. Elle doit être suffisamment attirante pour asservir Hughie, mais assez froide et condescendante pour susciter la colère d'Alf et de Dot.

C'est une tâche presque impossible pour une actrice, le rôle de Jan, mais Adele Querol s'efforce vaillamment. Elle ne rencontre aucune difficulté avec le côté piquant et horrible de Jan ; Querol gère cela délicieusement, et avec un réel flair, mais elle doit étoffer cette partie de Jan qui éblouit Hughie. Querol doit jouer la carte de la séduction plus résolument, plus vivement, plus de manière débordante. Jan réduit l'articulé et éloquent Hughie à un désordre de testostérone bredouillant et il est crucial de le voir. Dot le voit - elle questionne la valeur de Jan. Le public, et Hughie, doit le voir aussi.

Les costumes (Holly Rose Henshaw) évoquent superbement l'ambiance de l'Australie des années 60 et le design lumineux de Marec Joyce est vraiment magnifique, évoquant une beauté profonde dans certains tableaux. Il y a un son intelligent aussi - soulignant le récit de manière judicieuse et pertinente, Chris Drohan fait un travail discret mais très efficace.

Harrison a accompli quelque chose de tout à fait remarquable ici. Une renaissance, une renaissance d'une pièce classique sans cloche ni sifflet, s'appuyant uniquement sur une narration intelligente et visionnaire et une interprétation de premier ordre. La performance mercuriale, bombastique et, en fin de compte, désespérée d'Alf de Mark Little est une performance pour les livres d'histoire et le soutien qu'il reçoit de Press, Haley et Wright est exceptionnel.

Il n'y a pas de masturbation de mise en scène ici, pas de gaspillage de fonds ou de talents, pas de mise à jour inutile, pas de relocalisation idiote, pas de "pour le plaisir" de l'intelligence ou de l'indulgence. Il y a simplement une belle production d'une pièce de classe mondiale, illuminée par une direction sensiblement, profondément qualifiée et des performances superbes.

Que Wayne Harrison dirige plus souvent pour la scène londonienne.

C'est le meilleur drame pur (c'est-à-dire, pas une comédie musicale) actuellement joué dans un théâtre londonien.

Faites tout pour le voir.

The One Day Of The Year se joue jusqu'au 13 juin 2015 au Finborough Theatre