CRITIQUE : Le Chef de Gare, Théâtre Tristan Bates ✭✭✭

Le Chef de Gare

Théâtre Tristan Bates

11 novembre 2015

3 Étoiles

Les comédies musicales nécessitent intrinsèquement de suspendre l'incrédulité ; chanter au lieu de parler assure cela dans une certaine mesure. Ainsi, les ateliers ou lectures scéniques de nouvelles comédies musicales ont souvent une longueur d'avance - les gens s'attendent à faire des concessions et le font. Mais il y a un revers à cela : la musique peut être jugée trop sévèrement, car il n'y a pas d'orchestrations orchestrales ou de soutien, ou toutes les voix ne sont pas aussi idéales qu'elles pourraient l'être dans une production complète. À moins que vous ne puissiez orchestrer dans votre tête, cela peut être un gros problème ; imaginer un meilleur chant n'est généralement pas un problème.

Ces problèmes peuvent sembler accentués ou éclipsés par le livret. Lorsque le livret est une quantité connue ou attendue, la partition reçoit un soutien inhérent ; lorsque le livret est nouveau ou inattendu, la partition peut être noyée par l'attention accordée au livret ou à ses paroles. Les adaptations d'œuvres connues peuvent exacerber ces problèmes : si l'adaptation ne suit pas l'esprit ou la forme de l'original, le mystère du "pourquoi le changement ?" peut tout submerger.

Ces réflexions se cristallisent lorsqu'on considère la production de Bronagh Lagan du Chef de Gare, actuellement au théâtre Tristan Bates dans le cadre de l'importante saison annuelle Page To Stage d'Aria Entertainment, qui cherche à encourager le développement et l'affinement de nouvelles comédies musicales. Avec une musique et des paroles de Tim Connor et un livret de Susannah Pearse, il s'agit d'une adaptation très libre de la célèbre pièce allemande, Le Jour du Jugement, d'Ödön von Horváth.

Dans sa forme originale, la pièce est un thriller psychologique fondé sur des émotions réprimées, des sentiments contenus, des passions éveillées et une culpabilité avec un grand C. Un chef de gare méticuleux, dont la femme aigrie s'éloigne de lui, est momentanément distrait de ses fonctions par les attentions sensuelles d'une jeune femme attirante. Distrait, il ne parvient pas à arrêter un train de passagers à sa gare, ce qui entraîne un accident mortel. Le couple ment sur ce qui s'est passé, mais la femme du chef de gare a été témoin et parle. S'ensuit un torrent de chagrin, de récrimination, d'excuses, d'acceptation et une autre mort accidentelle. Les villageois laissent leurs sympathies osciller comme un cerf-volant dans le vent. Alors que le chef de gare décide que le suicide est la réponse appropriée, sa femme intervient.

La pièce est animée par les pensées, les actions et le comportement de l'épouse du chef de gare. Ce qui la pousse à dire et faire ce qu'elle fait, comment elle change et s'adapte, comment elle influence le comportement des autres est le véritable pouls de la pièce. Le sens germanique de la précision est également palpable, tout comme les notions de classe et une supposée maîtrise des passions.

La version musicale adopte certains de ces éléments, mais l'accent n'est jamais vraiment mis sur la femme ou ses actions. Plutôt, le prisme se reflète plus nettement sur le chef de gare lui-même. De plus, l'action est déplacée dans la campagne anglaise, le District des Lacs, un lieu où la précision des horaires ou la sexualité réprimée (du genre mise en scène ici) ne sembleraient pas des caractéristiques évidentes. Bien que la réappropriation plus locale améliore l'accès aux types de personnages et à quelques larges comédies, il y a une perte disproportionnée des courants évocateurs de l'original.

En partie, cette perte est due à la mise en scène et au casting. La direction de Lagan est perfunctoire, au mieux, et peu imaginative et trop minutieuse, au pire. Même en tenant compte, comme il faut, du manque de ressources disponibles ici, il n'y a pas grand-chose dans la production qui appelle l'attention.

Les trois personnages centraux nécessitent des performances assez spécifiques pour faire chanter musicalement la pièce. Le chef de gare, adoré et mis sur un piédestal par les villageois, est un type John Proctor - un homme charismatique, viril, qui peut se faire des amis et gagner la confiance de n'importe qui. Sa femme est une sorte de Femme de Boulanger, perdue et en recherche, de principe et en souffrance. Et Anna, la jeune femme du village, qui tue les gens d'un baiser mal chronométré, est jolie, populaire et désespérée de s'échapper, un peu comme une figure de Raiponce. Obtenez ces trois rôles parfaitement castés et tout se mettra en place.

Ici, aucun de ces rôles n'est joué tout à fait correctement, bien que chacun ait ses moments et toutes ces personnes savent chanter. Les tons occasionnels, mais non consistants, presque opératiques de Jessica Sherman ont mis sa Catherine en contraste frappant avec le ténor plus Broadway de Nigel Richards dans le rôle du Chef de Gare, mais ce n'était pas une mauvaise chose. Séparément, ils ont bien servi l'œuvre, tant sur le plan musical que narratif. Anna d'Emily Bull pourrait bénéficier d'une soubrette plus engageante ; des tons vocaux idiosyncrasiques aideraient le pouvoir, la tentation séduisante que le personnage représente, à s'épanouir plus intensément.

Bien sûr, ces interprètes auraient eu relativement peu de répétitions et la partition de Connor est techniquement très exigeante. Mais le dur travail qu'ils accomplissent rend évident que si Julian Ovenden, Jenna Russell et Anna O'Byrne (pour ne nommer que quelques-uns des nombreux suspects évidents) étaient lâchés sur ce matériel, quelque chose de spectaculaire pourrait être le résultat.

La partition de Connor doit beaucoup à Sondheim, mais cela dit, elle emprunte des chemins très intéressants. Complexes et intriquées, les mélodies et harmonies récompensent une écoute attentive, mais il n'y a pas de risque de « mélodie fredonnable » pour la plupart, bien que les morceaux individuels et les lignes vocales soient assez séduisants, instantanément agréables.

La chanson qui ouvre le Deuxième Acte est mal conçue et doit être remplacée. Au milieu d'une lutte sur l'intégrité, la vérité et les conséquences, un pauvre cousin de The Lonely Goatherd n'est pas seulement discordant, mais incompréhensible. De même, l'enfant d'amour flagrant de « Being Alive » qui a conclu le Premier Acte, devrait être refait ; quelque chose de plus proche de Climb Every Mountain en sentiment pourrait être plus convaincant.

Vocalement, le reste de la distribution était excellent dans les grands numéros d'ensemble et certains des travaux individuels étaient solides. Annie Wensak, en tant que Margo Leadbetter du village, la fabricatrice de confiture de framboises, élitiste et jugeante, Madame Deakin, a apporté quelques touches de comédie adroite (très nécessaires étant donné la noirceur de la narration) mais manquait de cohérence.

Néanmoins, le but de cette production est de présenter une pièce de théâtre musical en tant qu'œuvre en cours, et, conséquemment, il ne fait aucun doute qu'elle réussit : malgré des défauts évidents et un besoin d'affinement dramaturgique, Le Chef de Gare a clairement du potentiel. Les rumeurs sur la mort de la nouvelle comédie musicale britannique sont grandement exagérées.

Bravo à Aria Entertainment pour avoir fait le dur labeur de s'assurer que les rumeurs restent exagérées. Du Page To Stage se poursuit jusqu'au 21 novembre et vaut bien le temps de quiconque intéressé par le théâtre musical.

Le Chef de Gare joue au Théâtre Tristan Bates jusqu'au dimanche 15 novembre 2015