RECENSIONE: Carmen Disruption, Almeida Theatre ✭✭✭✭

Carmen Disruption

Almeida Theatre

20 aprile 2015

4 Stelle

Non mi sono accorto quando il sangue ha iniziato a raccogliersi intorno al Toro morto. Non mi sono accorto quando il Toro ha smesso di respirare.

Ma eccolo lì: l'ultimo respiro sparito, il sangue nero e viscoso, simile a un fossato intorno alla carcassa. Qualcosa di estremamente significativo era accaduto proprio davanti a me. Non me ne ero accorto. Non è che non stessi prestando attenzione: lo stavo facendo. Ma c'erano altre cose, avvincenti, distraenti, che rifocalizzavano la mia attenzione. Come si determina su cosa concentrarsi in un mondo che cambia continuamente, popolato da persone affascinanti ed esotiche? Un mondo senza segni chiari, finali ovvi; un luogo dove non puoi usare i social media per avere indicazioni?

Questa è la produzione rivelatrice, allucinante e assolutamente irresistibile di Michael Longhurst del Carmen Disruption di Simon Stephens, una rivisitazione di un'opera messa in scena per la prima volta nel 2014 al Deutsche Schauspielhaus di Amburgo. Stephens fu incoraggiato a scrivere il dramma da un collaboratore tedesco, Sebastian Núbling, dopo lunghe discussioni con Rinat Shaham, una cantante lirica di fama internazionale la cui carriera artistica di successo la vede viaggiare in tutto il mondo interpretando il ruolo di Carmen. Stephens fu colpito dalla vita particolarmente slegata e peripatetica che Shaham conduce - così tanto viaggio, così poche radici, così tante nuove situazioni a cui adattarsi, e così tanto affidamento sui social media, e soprattutto sugli iPhone.

Stephens vede la situazione di Shaham come una riflessione specifica di preoccupazioni più ampie: la distruzione della comunità, l'isolamento degli individui, la globalizzazione e sterilizzazione della cultura, il potere del denaro e dei sogni capitalisti, la disperazione che deriva dal non-intervento. Temi operistici. Prendendo Carmen di Bizet come un punto di partenza, Stephens getta quegli elementi, insieme ai personaggi e ad alcune delle musiche e dei punti della trama di Carmen, in un frullatore, creando un paesaggio distopico contemporaneo dove praticamente tutto può e accade.

I personaggi principali di Carmen appaiono su un palcoscenico di un teatro d'opera desolato e decadente. La sensazione di un passato glamour è sempre presente: il lampadario traballante, la rifinitura in oro sbiadito, i posti a sedere in velluto rosso lussuoso e consumato. Un piccolo duo di violoncelli siede da un lato, fornendo assistenza musicale per tutta la durata. E, davanti e al centro, c'è l'enorme carcassa realistica di un toro morente, il suo respiro che sfugge lentamente quando lo spettacolo inizia. Sì, rappresenta la creatura dell'arena di Carmen, ma è anche un simbolo permanente del toro di mercato critico per il capitalismo e del "toro" di un altro tipo che pervade la vita moderna ovunque, mentre le persone offuscano per sopravvivere o rendere la loro vita più interessante.

Con l'illuminazione elegante di Jack Knowles, l'area del palco si trasforma da casa dei fantasmi dell'opera a arena del toro demente a orridezza metropolitana a giungla suburbana cupa. La società moderna vive e prospera nell'ombra, l'oscurità è sempre presente, e la scenografia qui riflette precisamente questo.

I personaggi che incontriamo non sono quelli che ci aspetteremmo da una Carmen tradizionale. Carmen stessa è ora un giovane ragazzo carino, un ragazzo di vita narcisista con una totale assenza di autostima che porta a conversazioni con specchi sui capelli perfetti. Don José, una donna sui cinquanta, depressa e introspettiva, guida un taxi, mentre Escamillo è un commerciante di titoli in giacca e cravatta, alto come un aquilone, del tipo rapace. Compare Micaëla, una giovane donna perduta, così come un personaggio che rappresenta Shaman, una cantante in una città strana che sfugge ai suoi soliti territori di caccia (hotel, camerino, teatro d'opera) per un altro tipo di arena del toro: il frenetico, impersonale, "lì fuori" urbano.

Infine, c'è un Coro, una singola donna, l'incarnazione della Carmen di Bizet stessa, che canta tratti di melodia, familiari e non, e che commenta e attraversa l'azione. Termina lo spettacolo accarezzando la carcassa morta del Toro e avvolta nel suo sangue nauseante e appiccicoso: un'immagine potente, la fusione di tutto ciò che è venuto prima.

Questo non è teatro per i deboli di cuore o per coloro che vogliono tutto avvolto in pacchetti accurati e servito in bocconi gestibili. No. Questo è teatro nello stile classico tedesco di decostruzione – si deve prestare attenzione, ma se lo si fa, le ricompense sono affascinanti, intriganti e stimolanti.

C'è molto umorismo, un po' cupo, un po' guidato dai personaggi, un po' satirico; tutto incisivo. C'è un'eccezionale fisicità mostrata da molti del cast – quelli che sembrano essere onde sismiche influenzano i personaggi principali in momenti diversi e c'è un regime di movimento stilizzato che amplifica e sottolinea le narrative individuali. La danza infinita della vita.

La messa in scena di Longhurst è continuamente inventiva e sorprendente. C'è un momento con una pioggia di scintillio dorato che è semplicemente mozzafiato. Essenzialmente una serie di monologhi statici, Longhurst si assicura che ci sia molto per tenere occupato l'occhio mentre le orecchie assorbono il testo denso, complesso e ispiratore di immagini. C'è spesso un senso di "cosa sta succedendo adesso?" che è elettrizzante.

John Light è eccezionale come Escamillo, una palla tesa, tesa di testosterone. Scala il muro e si arrampica su sedie; è una rappresentazione molto fisica di un criminale di alto livello, nervoso e privilegiato, che commette frodi ma la passa liscia, e con un bel profitto, grazie agli ingranaggi unti del dubbio “sistema”. Light è meravigliosamente accattivante e carismatico, l'incarnazione fondamentale di ciò che non va in una società che venera e ricompensa i banchieri che faranno qualsiasi cosa per ottenere un profitto.

Altrettanto eccezionale è Jack Farthing come Carmen impettito, capriccioso e promiscuo. È un altro interprete che offre una performance intensamente fisica, tanto maschile quanto femminile. Brutale e onesto, Farthing trasmette impeccabilmente il mondo perduto del moderno lavoratore del sesso, e la scena in cui descrive il suo stupro effettivo è particolarmente sconvolgente. Diversamente dal personaggio di Bizet, l’amore è quasi un concetto estraneo a questo Carmen esperto di social media, e l'uscita sbiadita e onirica di Farthing è profondamente inquietante.

Noma Dumezweni è affidabile come sempre, la sua voce è sontuosa mentre racconta delle attività del tassista che è Don José. La scrittura di Stephens per questo personaggio non sembrava pungente o suggestiva come per altri personaggi, ma la pura forza della presenza di Dumezweni compensa questo. Sharon Small è adeguatamente enigmatica e malinconica come la cantante lirica che fugge dal suo mondo operistico accogliente e costruito per l'incertezza ma ricca di opportunità delle strade dell'Europa.

Meno efficace è Katie West come Micaëla, che è troppo inconsistente per fissare sufficientemente il suo personaggio - mercuriale e briosa, ma completamente persa, una giovane ragazza in cerca di qualcosa di sostanziale. Ancora una volta, la scrittura è difficile per questo personaggio, ma un'attrice più persuasiva avrebbe potuto trarre di più dal materiale.

Colpita e affascinante, Viktoria Vizin è evocativa e fragile come il Coro, portando un senso di eccesso poetico e incandescenza musicale alle vicende. C'è una grandezza eterea in tutto ciò che fa, che si riflette nel gioco e nei capricci di Jamie Cameron e Harry Napier come i violoncellisti. Mondi che collidono. Temi che si fondono.

Il design di Lizzie Clachan è meravigliosamente cupo e eccessivo tutto in una volta. Il senso di un luogo europeo è profondo e i costumi e i detriti della scena rafforzano una delle tesi principali di Stephens – che l’identità individuale, della persona così come della città, si sta perdendo, gradualmente, ineffabilmente, inesorabilmente, mentre tutti e dappertutto cercano di essere omogenei. Il lampadario sghembo, stravagante, onnipresente come un segno di ricchezza, status e potere, ma vecchio stile, è ispirato. Così come il display a LED che, a volte, funge da coscienza dei personaggi o riflesso della loro società, della loro ossessione con Twitter o Tumblr o altro ancora.

In poco più di 90 minuti, questo è uno spettacolo teatrale e un arazzo tanto etereo e vitale quanto strano e incomprensibile. Le sfumature poetiche volano attraverso la scrittura in modo tale che ritorni a vedere la produzione sono quasi obbligatorie. Non vuoi perdere passaggi come questi:

“C'è un momento in cui pronunci una parola e prende il volo. Qualcosa che è solo una forma diventa un suono. Qualcosa che è solo una forma diventa un gesto, Qualcosa che è solo una forma può spezzare il cuore di qualcuno in un milione di piccoli pezzi. E poi. C'è un momento. Quando lo canti.”

La Carmen di Bizet come il DNA del nostro tempo? Simon dice – e lo rende così.

Carmen Disrupted va in scena all'Almeida Theatre fino al 15 maggio, 2015