RECENSIONE: Skin In Flames, Park Theatre ✭✭✭✭

Skin In Flames

Park Theatre

13 maggio 2015

4 stelle

Skin in Flames è l’opera più nota e pluripremiata dello scrittore catalano Guillem Clua. Il testo debuttò nel 2004 a Barcellona ma, a parte una lettura scenica nel 2007, non aveva mai avuto prima d’ora una produzione completa qui in Gran Bretagna. Questa prima, in un’efficace traduzione di DJ Sanders, è davvero gradita — e senza dubbio attesa da tempo. I temi su cui si concentra — l’impatto della diffusione di massa di immagini iconiche della violenza, gli inganni della memoria, consapevoli o inconsapevoli, l’ambiguo contributo delle organizzazioni internazionali di aiuto dei paesi ricchi e l’inaffidabilità delle diverse narrazioni dello sfruttamento — ci portano nel territorio di classici come Il bacio della donna ragno e La morte e la fanciulla, e il testo non sfigura affatto accanto a una compagnia così illustre.

La scenografia, nel più raccolto spazio studio del Park Theatre, ci presenta una camera da letto stropicciata e dall’aria stanca in un albergo economico: le tende svolazzano a una finestra aperta, un paio di sedie stanno in primo piano e sul fondo si apre un bagno. Siamo in una capitale latinoamericana non identificata, circa vent’anni dopo una sanguinosa rivoluzione o guerra civile in cui l’attuale governo ha infine conquistato il potere. L’azione inizia quando entra il celebre fotografo di guerra americano Frederick Salomon (Almiro Andrade), accompagnato da una giornalista, Hanna (Bea Segura), di uno dei quotidiani controllati dallo Stato. Era stato l’ultima volta in città ai tempi della rivoluzione, quando scattò la foto di una ragazzina scaraventata in aria da un’esplosione: in seguito l’immagine venne ripresa dalla stampa internazionale come simbolo totemico della guerra e della pietà della guerra. È la fotografia che ha lanciato la sua carriera. Ora è tornato per la consegna di un premio conferitogli dal governo, che gli verrà assegnato durante un pranzo ufficiale più tardi in giornata. L’intervista dovrebbe essere un confronto innocuo, un elogio a tutto tondo di un fotografo leggendario, con scambi avvolti da pie frasi di circostanza da entrambe le parti — un incontro comodo, sebbene un po’ paternalistico, tra un’aspirante e un grande vecchio del mestiere. Ma ben presto si capisce che non sarà così, perché ci si sposta invece verso un vero e proprio interrogatorio sul passato di Salomon, sulla moralità dell’intera sua carriera e su ciò che quella famigerata foto ha realmente significato per tutti i coinvolti.

Mentre le ombre si allungano nella stanza d’albergo, letteralmente e metaforicamente, una seconda storia comincia a svilupparsi nello stesso spazio. Entra un’altra coppia e diventa subito chiaro che si tratta di un incontro — o di una transazione — sessuale; ma c’è anche complessità, e un inquietante senso di sfruttamento e abuso di potere, proprio come nel dialogo parallelo. Ida (Laya Marti) è una giovane madre: sua figlia è in coma in un ospedale locale. Il suo compagno di letto è un medico senior dell’ONU, che ha il potere di intervenire per ottenere l’accesso ai farmaci per la bambina e persino farla trasferire all’estero per cure specialistiche. Tuttavia lo farà soltanto in cambio di un insieme sempre più degradante di favori sessuali da parte di Ida. Si scopre che il dottore è anche responsabile dell’organizzazione del premio per Salomon: una mossa che gioverà a entrambe le loro carriere una volta tornati a casa, grazie al caldo alone di autocompiacimento umanitario in cui possono plausibilmente crogiolarsi. Man mano che lo spettacolo procede, le due linee narrative operano nello stesso spazio prima in modo simbolico e poi con una convergenza in tempo reale sempre più sconvolgente. Sarebbe sbagliato svelare di più, ma all’autore va riconosciuto un grande merito per il modo in cui unisce inesorabilmente le storie nel finale, lasciando al contempo abbastanza fili volutamente in sospeso perché la nostra immaginazione colmi i vuoti a modo suo.

Per attori e regia, in questo dramma il compito chiave è tracciare e sostenere un percorso di sviluppo avvincente in ciascun personaggio: dalla sicurezza di facciata fino alla disintegrazione o frammentazione emotiva. Ogni interprete deve aprire una gamma emotiva amplissima, ma in modo preciso e accuratamente calibrato, così che gli estremi di rabbia e disperazione non esplodano troppo presto e che i continui cambi di energia, potere e controllo seguano un andamento credibile, non casuale. Il pubblico deve essere costantemente richiamato ai temi emotivi coerenti in gioco, pur rimanendo nel dubbio su chi stia davvero dicendo la verità — o se esista persino qualcosa come una verità unitaria, invece di semplici prospettive individuali sugli stessi eventi. Nel raggiungere questo delicato equilibrio, in generale le donne risultano più efficaci degli uomini. In Bea Segura e Laya Marti, la produzione ha la fortuna di avere due note attrici spagnole al massimo della forma: Marti, in particolare, è straordinariamente toccante nel modo in cui rende l’amore sconfinato per la figlia e la disperazione con cui si aggrappa a qualsiasi mezzo per salvarla. Ha molto meno testo degli altri, eppure comunica con eloquenza la sua sofferenza e la fiera, sprezzante dignità con cui affronta le crudeltà del dottor Brown. Mostra anche una meravigliosa innocenza infantile quando racconta una storia per bambini: un momento di eccezionale, multistrato intensità emotiva nell’economia dell’opera. Segura deve affrontare un’altalena di emozioni, passando da giornalista ingenua ad angelo vendicatore fino a un approdo finale molto più ambiguo, né manipolatrice né vittima. Compie questo percorso con finezza di dettaglio, intensità appassionata e precisione verbale. David Lee-Jones rende molto bene il cinico carrierista del dottor Brown, così come la sensazione di un uomo che ormai riesce a sentirsi vivo solo attraverso impulsi sessuali sempre più elaboratamente sfruttatori. Tuttavia, la sua interpretazione sarebbe ancora più disturbante se delineasse con maggiore chiaroscuro emotivo il retroscena della sua vita familiare americana. Allo stesso modo, sebbene Almiro Andrade sia molto credibile per presenza e linguaggio del corpo, la sua prova non cattura ancora pienamente l’ampiezza del viaggio che il suo personaggio è chiamato a compiere. All’inizio dovremmo vedere più sicurezza, un più paternalistico sussiego da uomo di mondo, per apprezzare la portata della sua implosione psicologica sotto il peso delle rivelazioni che lo attendono. Salomon è un uomo affine agli antieroi di Graham Greene, che ha smesso di credere in se stesso molto prima di sbriciolarsi davanti ai nostri occhi. Perché il dramma funzioni fino in fondo, quella vacuità e quel crollo interiore devono essere pienamente agiti — e poi anche la sua inattesa ripresa finale. Alcuni di questi aspetti potrebbero assestarsi con il proseguire della tenitura, quando ritmo e naturalezza delle interazioni andranno oltre i primi giorni dopo la Press Night.

È una serata di teatro dura, inquieta, ma ricchissima di soddisfazioni. Siamo portati a riflettere a fondo sui motivi contrastanti che stanno dietro l’attuazione degli interventi umanitari, sul potere del fotogiornalismo di plasmare le percezioni nel mondo nel bene e nel male, e su come le immagini possano assumere una vita propria, ricevuta e autonoma, che trascende qualsiasi disegno intenzionale. Dire che la guerra rende tutte le persone coinvolte vittime — morali o fisiche — suona quasi banale; ma il grande, sobrio successo del testo è rendere quella verità concreta e complessa, commovente e al tempo stesso significativa per tutti i personaggi in scena.

Skin In Flames è in scena al Park Theatre fino al 6 giugno 2015