RECENSIONE: La Torre Oscura, Youth Music Theatre ✭✭✭✭✭

La Torre Nera

Youth Music Theatre,

CLF Cafe, Bussey Building,

Peckham Rye Lane,

Mercoledì 24 agosto 2016

5 stelle

Questo è probabilmente il più grande evento di teatro musicale dell’anno. E scelgo le parole con cura. YMT è un acronimo che compare con sempre maggiore frequenza nelle biografie di interpreti e tecnici nei programmi di sala, alla voce “Formazione”. Si è ritagliato un posto accanto alle migliori scuole di recitazione del Paese come fucina di nuovi talenti. E, come produttore, è una realtà con cui fare i conti sempre di più nella commissione, nello sviluppo e nella promozione di nuove opere originali. Quest’estate, poi, ha portato in scena un nuovo lavoro magnifico, diverso da qualsiasi cosa la maggior parte di noi abbia mai visto.

Lo scorso inverno ho intravisto un frammento del dance drama di YMT del 2015, “Sweat Factory”, nel concerto natalizio di estratti presentato alla Salvation Army Hall di Oxford Street. Ne sono rimasto talmente colpito da ciò che ho visto – e sentito (la coreografia di Rachel Birch-Lawson sulla partitura di Garth McConaghie, su libretto di Aoife Manix) – che ho capito di dover assolutamente vedere qualunque cosa questa compagnia avrebbe realizzato nella stessa forma.

Così, non appena è stato annunciato “The Dark Tower”, con la stessa affascinante coreografa di nuovo al lavoro insieme al suo abituale coreografo associato, Khyle Eccles, mi sono precipitato a prenotare. Ora penso che sia stata una delle migliori decisioni che abbia mai preso.

Conor Mitchell, artista teatrale dell’Irlanda del Nord, che usa musica, testo e narrazione per creare i suoi lavori, ha scritto una risposta straordinaria al radiodramma omonimo di Louis MacNeice del 1946. L’origine del testo è di per sé eloquente: all’inizio del primo anno dopo la fine della Seconda guerra mondiale, ispirato dalla poesia di Robert Browning “Childe Roland to the Dark Tower Came” (che a sua volta affonda le radici nel “Re Lear” di Shakespeare), il BBC Home Service chiese a MacNeice un dramma in versi sul rapporto dell’uomo con la guerra e commissionò a Benjamin Britten una partitura. Era un’opera nata da un immenso dolore e da sacrifici enormi, in un mondo in cui sconvolgimenti e conflitti sembravano non finire mai. Difficile immaginarla più attuale di così.

Ora, se questi sono nomi che non associamo necessariamente al teatro musicale contemporaneo, è perché questo lavoro ci porta oltre ciò che siamo abituati a fare – e a pensare.

Ciò che Mitchell ha scritto è più che permeato dallo spirito di Britten: si apre con fanfare e fioriture caratteristiche, offrendo un audace tutti corale in un impianto ampiamente tonale, che ci rimanda subito al compositore di tutto, da “Night Mail” al “War Requiem”. E poi scuote le nostre certezze su dove siamo e su cosa stia accadendo con svolte improvvise e scarti inattesi nel profilo armonico. Ci investe con gruppi corali antìfoni a eco, che risuonano come cannonate nell’edificio industriale che ospita questo spettacolo.

Ed è allora che notiamo un’altra affinità: il carattere dei successori di Britten, in particolare Michael Tippett, avanza e si trasforma in altri personaggi di questa avventura musicale. Con il procedere del lavoro, potremmo quasi trovarci nel cuore di “A Child of Our Time”, tra corali di una bellezza capace di sciogliere il cuore, oppure nel dramma e nei pericoli della Seconda Sinfonia. È esaltante. È sorprendente. Ed è anche la partitura più audace e originale che ascolterete quest’estate, a parte il “Jesus Christ Superstar” del 1970 di Andrew Lloyd Webber.

Ci avviamo in una sorta di “Pilgrim’s Progress” del Milite Ignoto. Definito consapevolmente da MacNeice come “una favola”, il Soldato è la sua figura centrale, mandata in missione. Nella produzione di Rachel Birch-Lawson, il viaggio, la ricerca, la missione, sono rappresentati da gruppi ed ensemble che si ricompongono senza sosta. Anzi, ci sposta su per le scale dell’edificio, a livelli via via più alti: la seconda sala è più piccola e soffocata da bottiglie di plastica trasparenti; il terzo e ultimo livello è un black box improvvisamente diverso, con gradoni neri che conducono a una torre stilizzata, quasi un padiglione (oppure è la nube di polvere di un’esplosione atomica?). La durata di ciascuna tappa si contrae, con l’ultima brevissima e di una delicatezza struggente.

Tutto questo accenna appena allo sconvolgente assalto sensoriale di una musica lussureggiante e ai movimenti eleganti, precisi e così caldamente umani che le danno forma e direzione. La quantità di testo da cantare significa che non è un balletto. E il vigore, la bellezza e l’energia del movimento significano che non è un’opera. E la storia stessa è così poeticamente stilizzata – nella dizione, nella struttura e nell’intenzione – che non è davvero nemmeno un dramma. Se proprio, è forse una sorta di oratorio danzato. È l’espressione elaborata di un tema serio, quasi elevato, ma modulata dalla schietta giovinezza di chi la presenta (compresi i cinque musicisti della band, in uniforme identica a quella dell’ensemble che danza, canta e parla). La fragilità della loro età e l’intensità con cui si immergono in ogni minimo dettaglio del lavoro, la forza travolgente dell’impegno con la storia che stanno raccontando e con gli straordinari mezzi che usano per raccontarla, sono elettrizzanti quanto affascinanti. Alla fine, se c’è una cosa che si può dire su ciò che questo spettacolo è, è questa: è nuovo.

Allo stesso tempo, si costruisce un linguaggio visivo forte nel design essenziale di Sophie Barlow: un ambiente prevalentemente bianco, attraversato da lampi di rosso, con al centro la figura del Soldato, vestita di nero. In questo mondo, una compagnia di 35 ragazze e ragazzi tra i 13 e i 19 anni ci racconta la storia – usando il linguaggio spesso arcaicamente poetico di MacNeice. E – pensate – questi ragazzi hanno avuto appena due settimane per imparare 60 minuti di materiale musicale, con decine di ensemble, molti dei quali basati su complessi procedimenti fugati, stretti e simili, che richiedono un livello di concentrazione altissimo. In più, bisognava imparare tutti i movimenti, comprese prese e salti, e altri 30 minuti di transizioni per spostare il pubblico da un luogo all’altro; e hanno avuto solo un giorno nel palazzo su tre piani per prepararsi all’arrivo degli spettatori. Eppure, per quanto la scrittura vocale sia impegnativa, ogni singolo componente della compagnia è più che all’altezza: suonano pieni e convincenti come potrebbe fare un coro completamente formato e ben rodato, sotto la guida esperta del direttore musicale Richard Healey. Tutti hanno anche i loro momenti individuali, coreografici o vocali. MacNeice costruisce un lungo elenco di personaggi, che compaiono lungo il viaggio epico dell’eroe.

A sostegno di tutto questo, la scrittura strumentale è impeccabilmente dettagliata e attenta a ogni implicazione del testo: Mitchell è un genio del colore teatrale, nel modo in cui lo furono Britten e, prima di lui, Puccini. E anche le orchestrazioni sono opera sua. I musicisti, sotto la splendida supervisione di Francis Goodhand, suonano con una padronanza mozzafiato del materiale, in particolare la tromba di Cat Johnston, che affronta una delle parti di prima tromba più lunghe e difficili che io abbia mai sentito (e lei suona tre repliche al giorno).

Con tutte queste cose meravigliose da notare e da godersi, sorprenderebbe i lettori sapere che – finora – sembra esserci stata poca o nessuna copertura stampa di questo risultato unico? È difficile da capire, soprattutto con un’abbondanza così grande di motivi per amarlo. Questo lavoro straordinario merita l’ammirazione ravvicinata e l’incoraggiamento dei media nazionali, e di tutte le organizzazioni artistiche che vogliono sostenere – ed essere parte di – lo sviluppo più entusiasmante nel teatro musicale nel Regno Unito degli ultimi anni. Dobbiamo cercare di stare al passo con il ritmo impressionante che YMT sta imponendo.

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