RECENSIONE: Il Problema Difficile, Teatro Dorfman ✭✭

The Hard Problem

The Dorfman Theatre

9 febbraio 2015

2 stelle

Tom Stoppard. Due parole che fanno accelerare il battito, in attesa. Due parole che evocano un repertorio di meraviglie teatrali gloriose, abbaglianti, intelligenti e ispirate — spesso molto divertenti — da Rosencrantz And Guildenstern Are Dead, il suo primo grande successo, a Rock'n'Roll, la sua ultima opera per la scena, che debuttò al Royal Court nel 2006 per poi trasferirsi nel West End e a Broadway. Due parole che, unite all’annuncio dell’ultimo colpo di coda di Nicholas Hytner al National Theatre, promettevano l’evento teatrale del 2015: un’altra scintillante esplorazione di idee, un altro esame di questioni scientifiche o filosofiche, un altro testo zeppo di allusioni letterarie e di personaggi autentici e pieni di calore.

Quello spettacolo è The Hard Problem, ora in scena al Dorfman Theatre, con la prima parte della tenitura praticamente esaurita. Al cuore del testo c’è questa domanda: se nell’Universo non c’è altro che materia, come si spiega il concetto di coscienza? Esplorando interrogativi su mente e corpo (sono la stessa cosa o sono separati?), altruismo ed egoismo, l’esistenza di Dio, il concetto di “bene”, il funzionamento degli hedge fund (sì, davvero) e il potere delle coincidenze, l’opera di Stoppard segue le tribolazioni di Hilary, una ricercatrice in psicologia. Per quanto possa sembrare il consueto menù stoppardiano, The Hard Problem è unico sotto un aspetto notevole.

È di una noia inverosimile.

Il vero “hard problem” di questo allestimento di The Hard Problem è questo: chi ha più colpe tra autore e regista?

Dire che la produzione è deludente è farle un complimento. In parte perché è nel teatro sbagliato. Il Dorfman è uno spazio di grande intimità e, anche se in sostanza si tratta del racconto delle difficoltà personali, private e professionali di una donna, le idee che lo sorreggono non sono intime: sono universali, per tema e per ampiezza. Usare il Dorfman sembra quindi un trucco; un tentativo di creare interesse per situazione e personaggi grazie a uno spazio scenico più piccolo. Tentativo che fallisce.

E c’è anche un’altra conseguenza. Lo spettacolo si svolge in diversi luoghi distinti. Pur trovando un modo per accoglierli tutti, la scenografia di Bob Crowley può farlo solo affidandosi a cambi scena macchinosi e apparentemente interminabili, accompagnati da stacchi di musica classica. Un palcoscenico più grande avrebbe forse permesso transizioni immediate verso ambientazioni più dettagliate, evitando gli intermezzi stridenti qui necessari solo perché la squadra di scena possa smontare e rimontare i mobili.

Il fulcro del disegno di Crowley è una scultura luminosa al neon sospesa al soffitto, grossomodo a forma di cervello umano, che si accende in modi diversi e con colori diversi, talvolta cangianti. È davvero impressionante e ricorda costantemente uno dei temi del testo: l’idea delle relazioni tra mente e cervello e tra mente e corpo: in entrambi i casi, “Sono la stessa cosa?”

Dunque il testo è complesso e denso, strapieno di idee; ma i meccanismi della messa in scena non aiutano granché il pubblico a entrare in sintonia con ciò che sente. Perché la produzione funzioni, allora, il cast deve essere eccezionale.

Purtroppo non lo è.

La prova migliore è quella di Damien Molony nei panni di Spike, lo snob intellettuale che non ha tempo per qualunque idea non si accordi con il suo modo di pensare e che è l’amante occasionale della protagonista, Hilary. Il vero nome di Spike è Spencer e il fatto che si faccia chiamare Spike è già di per sé rivelatore. Si crede un donnaiolo (davvero: pensa che qualunque donna sarebbe felice di andare a letto con lui, anche una lesbica in una relazione serena) e appare in scena in varie improbabili fasi di svestizione. Molony è eccellente nel ruolo del cattivo ragazzo e coglie alla perfezione anche il lato cinico dell’accademico/pensatore che disprezza chi non la pensa come lui, ma con cui non disdegna di fare sesso. Incarna l’idea dell’Egoismo.

Il sempre affidabile Anthony Calf se la cava con facilità nel ruolo del meravigliosamente ricco Jerry, la cui mente viaggia a cento all’ora e che mantiene aperte le opzioni su qualsiasi teoria filosofica o nozione di scienza del comportamento decida di prendere in considerazione. Il suo interesse nasce dall’effetto che la scienza può avere sui suoi schemi per fare soldi con gli hedge fund, e Calf è bravissimo nel mostrare la mente quasi a binario unico di Jerry, tutta rivolta al profitto. Mostra qualche lampo di altruismo, ma in sostanza è un altro supremo Egoista.

C’è un terzo egoista convinto: l’arrogante Amal, il cui senso di superiorità è vasto come il Grand Canyon, finché Jerry non lo mette efficacemente “in castigo” per due anni. Parth Thakerar dà ad Amal una vita vivace e scattante. All’inizio dello spettacolo condivide opinioni e una visione del mondo che rispecchiano quelle di Spike, ma dopo il tempo trascorso sullo “sgabello della punizione” di Jerry potrebbe ripensarci, come indica questo passaggio:

“Io non faccio trading. Non faccio pitching. Lavoro sui modelli informatici che dovrebbero gestire il rischio. Finché il mercato si autocorregge, i modelli sembrano funzionare. In teoria, il mercato è un flusso di atti razionali compiuti da persone mosse dal proprio interesse; quindi il rischio dovrebbe essere calcolabile, e si può dimostrare matematicamente che i modelli crollano più o meno una volta nella vita dell’universo. Ma ogni tanto il comportamento del mercato diventa irrazionale, come se fosse impazzito, o si fosse innamorato. Non torna. Solo i computer calcolano. Quindi ci sto pensando.”

Dato che, quando lo spettacolo comincia, Amal pensa che i computer possano fare tutto — e più — di un cervello, questo è un cambiamento di posizione notevole. Thakerar mostra il percorso di Amal da un punto di vista accademico rigidamente certo, attraverso l’umiliazione personale, fino a un pensatore flessibile e adattabile. Dei tre egoisti centrali, Amal, abbastanza incredibilmente, risulta il più caloroso. È merito di Thakerar se riesce a farlo funzionare.

Ci sono poi una serie di altri ruoli, di importanza variabile: il vecchio porco Capo Dipartimento di Jonathan Coy, Leo, che non condivide la visione della Scienza alla Spike/Amal; Bo di Vera Chok, così disperata di compiacere da essere pronta a fare cose sbagliate, il cui ruolo nella trama è del tutto inverosimile; e l’improbabile coppia lesbica composta da Julia di Rosie Hilal e Ursula di Lucy Robinson. Si sospetta che questi personaggi esistano per qualcosa di più che mere funzioni narrative; sembrano lì come persone con cui il pubblico possa identificarsi e per cui possa provare affetto o empatia. Ma la recitazione non ottiene questo risultato.

In realtà, nessuno di questi personaggi è abbastanza simpatico da farci importare di ciò che accade. Alcuni hanno linee narrative ridicole/ovvie che, nella migliore delle ipotesi, sono trite e, nella peggiore, fanno ridere. Peggio ancora: il modo in cui interagiscono con Hilary finisce per sminuirla come personaggio. Hilary rappresenta l’Altruismo — ha bisogno di tutto l’aiuto possibile per navigare nella vasca di squali scientifici in cui nuota. Ma per come si dipana la trama non ne riceve affatto; al contrario, viene fatta apparire fondamentalmente difettosa da, almeno, Leo, Jerry e Bo.

Lo spettacolo non può funzionare se il personaggio di Hilary non è sostenuto da un’interpretazione trascinante. All’attrice che la interpreta è richiesto molto — battute difficili, situazioni difficili ed emozioni difficili — e deve attraversare sviluppi di trama poco credibili e un abisso di sentimentalismo prevedibile quando le carte vanno al loro posto (cosa che, a meno che non vi siate addormentati, succede molto presto). Interpretare Hilary in The Hard Problem è un compito monumentale.

Olivia Vinall ci riesce, ma davvero per un soffio. Hilary richiede una forza interiore, un’incandescenza di spirito e una duttilità vocale che Vinall non possiede. Non è un’Emma Fielding o una Carey Mulligan — per citare solo due attrici che un tempo avrebbero potuto rendere piena giustizia a questo ruolo. Vinall lavora sodo e non le si può rimproverare l’impegno, ma non è all’altezza dell’enorme sfida posta da Stoppard e non viene in alcun modo aiutata dalla regia di Hytner o dal resto del casting.

Alla fine, però, la fetta maggiore di responsabilità ricade su Stoppard. The Hard Problem semplicemente non regge abbastanza bene come pezzo di teatro. Non c’è trama e non ci sono personaggi a sufficienza, né abbastanza calore, per rendere interessante da seguire il ping-pong di principi scientifici, teorie e rompicapi. A differenza di Arcadia, non ci sono sorprese, né personaggi affascinanti, né interazioni personali intriganti. Al contrario, The Hard Problem è popolato da persone sgradevoli e poco amabili che sputano difficile gergo scientifico in un mare di banalità sentimentale e prevedibile. Ci sono una manciata di buone battute, ma una manciata non basta. Le note di sala nel programma offrivano più interesse drammatico di circa 100 minuti di palcoscenico. Alla fine dello spettacolo, ci si sentiva come la Moglie del Fornaio dopo l’incontro con il Principe di Cenerentola nel secondo atto di Into The Woods: per citare, “È tutto qui?”