RECENSIONE: Il Fantasma dell'Opera, Her Majesty's Theatre ✭✭✭✭

Il Fantasma dell’Opera

Her Majesty's Theatre

12 marzo 2015

4 stelle

PRENOTA I BIGLIETTI Per uno spettacolo che ha debuttato oltre 28 anni fa, Il Fantasma dell’Opera continua a registrare il tutto esaurito e, sotto ogni aspetto, è un esempio – forse un punto di riferimento assoluto – di teatro magico, sontuoso e musicale. La regia di Harold Prince è efficace, tagliente e ricca di dettagli come sempre; la straordinaria scenografia e i costumi di Maria Björnson portano un’opulenza preziosa e una sensibilità profondamente romantica in ogni elemento del racconto; la messa in scena musicale di Gillian Lynne, le sequenze di balletto e l’esuberante Masquerade, che apre il secondo atto, sono traguardi di grande maestria. Ma al cuore del successo e della longevità de Il Fantasma dell’Opera, in cartellone ininterrottamente all’Her Majesty's Theatre dal 9 ottobre 1986, ci sono i testi arguti di Charles Hart (insieme a quelli firmati da Richard Stilgoe) e la partitura lussuosa e melodiosa di Andrew Lloyd Webber. Nonostante la familiarità, brani come Music of the Night, Prima Donna, All I Ask of You, Masquerade, The Point of No Return e la canzone del titolo conservano ancora tutta la loro forza e bellezza teatrale. Merito senza dubbio anche dell’ottimo lavoro dell’attuale direttore musicale James McKeon, che governa con mano magistrale l’orchestra di 27 elementi, garantendo un livello di accompagnamento che molti musical del West End possono solo sognare. È facile pensare che tutti conoscano lo spettacolo e ne abbiano già svelato i segreti. Eppure, come ha ampiamente dimostrato il pubblico della matinée intorno a me, ci sono ancora molte persone che non hanno mai visto Il Fantasma dell’Opera dal vivo. Assistere alla produzione originale, proposta dall’attuale compagnia, offre ai nuovi spettatori l’occasione di scoprire le meraviglie del lavoro Prince/Lynne e a chi ritorna la possibilità di verificare se il titolo regge ancora alla prova del tempo.

La regge.

Per quanto in un paio di momenti la “vecchia signora” cigoli leggermente, nella maggior parte dei casi la messa in scena appare sorprendentemente contemporanea e cattura l’attenzione fin dall’inizio, quando le parole lievemente minacciose del banditore annunciano l’avvio delle operazioni. Le sequenze nel covo del Fantasma, con barca, candele e l’organo sontuoso, sono quasi ipnotiche; filamenti di fumo avvolgono l’immaginazione, impregnando azione e musica di mistero. La tensione in The Point of No Return è convincente, palpabile, e le decisioni finali sia di Christine sia del Fantasma risultano sorprendenti come sempre.

Il resident director Sam Hiller e la resident choreographer Lynn Jezzard fanno sì che tutto sia preciso e tirato a lucido quanto serve, per mantenere quell’equilibrio sul filo tra romanticismo serio e farsa ad alto tasso comico che questo spettacolo percorre senza paura. Sono sostenuti da un cast, per lo più, molto valido.

Harriet Jones è bella, minuta e seducente, esattamente come dovrebbe essere Christine Daaé. È perfettamente a suo agio con il corpo di ballo dell’Opéra Populaire e trasmette con facilità l’idea di una giovane artista di talento, confusa e sorpresa dall’attenzione che le viene riversata addosso. La sua voce è una gioia sotto ogni aspetto, omogenea dall’acuto al grave, con calore e colore lungo tutta l’estensione. Il suo lavoro espressivo è splendido e non canta mai calante o senza verità e sentimento reale. Wishing You Were Somehow Here Again è un piacere puro.

È particolarmente impressionante nel secondo atto, sia nella scena in cui Carlotta e i Manager la tormentano per Don Juan Triumphant (una scena facile da rendere melodrammatica e sciocca, cosa che lei evita) sia nel duetto sensuale ma letale, The Point of No Return. Harriet è in forma smagliante.

La sua Christine è ancora più notevole se si considera che, alla recita che ho visto, entrambi i suoi partner principali erano interpretati da artisti che di solito ricoprono altri ruoli nello spettacolo. Ma il fatto che Harriet lavorasse con attori con cui non si esibisce abitualmente non ha minimamente intaccato la qualità della sua prova centrale.

Kieran Brown, in sostituzione di Gerónimo Rauch nel ruolo del Fantasma, era in splendida forma e ha eguagliato con abilità l’intensità e la cura del dettaglio della performance di Harriet. Ci sono molti modi per far funzionare il ruolo del Fantasma e Brown ha trovato il suo: una prova fisica vigorosa, agile come un gatto, ma intrisa di rabbia, di dolore nato dal rifiuto e di spietata determinazione. È un Fantasma spaventoso – e proprio per questo irresistibile.

Dal punto di vista vocale, il bel baritono acuto di Brown è setoso, seducente e potente. Ha un controllo eccellente sia sugli acuti sia sui gravi, che regala una vera ricchezza nelle note più basse e un suono elettrico, emozionante, nei punti più alti. L’attacco, l’energia e il timbro morbido rendono Music of the Night un vero regalo; e il lavoro con Harriet nei grandi numeri condivisi – la canzone del titolo e The Point of No Return – è superbo. Pur mettendo in luce gli aspetti imperfetti e assassini del Maestro capriccioso, Brown lascia emergere con chiarezza anche il suo lato più tenero. È una performance memorabile e toccante sotto ogni profilo.

Raoul è un ruolo difficilissimo da rendere con successo. Ricco, affascinante, sicuro di sé fino all’arroganza, ma disperatamente innamorato di Christine: la sua parte è un equilibrio quasi impossibile, a metà tra il bellimbusto e l’eroe improbabile. La chiave di un Raoul riuscito è il fascino; talmente tanto fascino da coprire buchi e difetti del personaggio.

Oliver Saville, che copre Raoul data l’assenza di Liam Tamne, ha più entusiasmo giovanile che fascino, ma affronta il ruolo con una ferocia che ci si aspetterebbe da un domatore di leoni. Porta agitazione e ansia dove dovrebbero esserci calma e autorevolezza. Detto questo, ha una bella presenza e la voce è sincera e robusta, e dà il meglio nelle scene che non dipendono dal suo status di alternativa romantica al misterioso maestro di Christine: le scene con Madame Giry, il pompiere e i Manager sono tutte ben calibrate. Con quella rilassatezza che il recitare con continuità può permettere, Saville crescerà senza dubbio nel ruolo.

Le donne Giry sono ottimamente rappresentate. Jacinta Mulcahy è una Madame meravigliosamente misteriosa e ferma, francese in ogni dettaglio che conta e tesa come una molla, come un serpente in attesa di essere incantato. Quando è in scena, è difficile guardare chiunque altro, tanto brucia luminosa la sua intensità. Alicia Beck è una splendida Meg, composta e perfetta nelle sequenze di balletto, con una voce deliziosa e un’ottima presenza scenica come attrice.

Lara Martins offre una Carlotta eccezionale: una voce affascinante e davvero potente, luminosa e brillante a qualsiasi altezza, agile e solidamente sostenuta. Il controllo di Martins come cantante è straordinario, con il risultato che il suo status di Diva Suprema non viene mai messo in discussione – ed è divertentissimo. La caratterizzazione è perfetta: una forza della natura spaccaossa, vorace e deliziata, gonfia di importanza. Squisita sotto ogni aspetto.

All’altezza di Martins per stile, voce di prim’ordine e gigantesco (e molto comico) ego, il Piangi di John Ellis è un concentrato di eccentricità e di Do sovracuti. Nelle mani sbagliate, Piangi può risultare insopportabilmente stucchevole, un freno al ritmo dello spettacolo; qui no. Ellis è perfetto come tenore italiano pomposo e di limitata abilità, e la complessità e la cura che porta alla performance dimostrano, paradossalmente, la sua grande bravura.

Ottimo anche il lavoro di Philip Griffiths come Reyer/il Banditore (forse non sorprende, dato che Griffiths è in compagnia da 24 anni), e quello di Joseph Claus, Fiona Finsbury e David Francis nel trio de Il Muto. In generale, l’ensemble è fantastico sotto ogni profilo, soprattutto vocalmente.

Uno dei piaceri quasi indistruttibili de Il Fantasma dell’Opera è la coppia comica dei Manager, Firmin e André. Sono ruoli di pura gioia e, quando funzionano davvero, lo spettacolo ne guadagna in modo evidente. Purtroppo, qui non è stato così. A una prima impressione, è sembrato che l’equilibrio fosse sbagliato, il ritmo comico irregolare, perché il Firmin abituale, Andy Hockley, era assente e l’André di ruolo, Martin Ball, non era abituato a lavorare con il suo sostituto, Tim Morgan. Ma dato che è stato proprio Morgan a offrire la performance più sicura e generosa – ed è stato Morgan a cercare attivamente di essere parte di un duo – quella prima impressione era errata. Purtroppo.

Ciononostante, e in modo abbastanza curioso, le due scene chiave dei Manager hanno funzionato benissimo: la presenza di altri, oltre a Firmin, ha tirato fuori il meglio da Ball. Il settoetto di Prima Donna è stato un vero momento di punta, come è giusto che sia.

Con tre ruoli principali interpretati da persone che normalmente non li ricoprono, c’era un reale rischio che questa produzione poggiasse su basi instabili. Ma la solidità dell’attuale compagnia, la tenuta degli elementi essenziali della messinscena, la potenza di partitura e testi, e l’abilità sia di Brown sia di Morgan hanno fatto sì che, piccoli problemi a parte, la serata fosse trionfale.

Niente più discorsi di oscurità: l’Her Majesty's Theatre, Haymarket, brilla di luce propria.

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