RECENSIONE: Peccato che sia una sgualdrina, Sam Wannamaker Theatre ✭✭✭✭

Foto: Simon Kane 'Peccato che sia una sgualdrina

Teatro Sam Wanamaker

4 Novembre 2014

4 Stelle

Bisogna dirlo: non è molto divertente essere una donna nella grande tragedia di John Ford 'Peccato che sia una sgualdrina'. Ci sono quattro donne nel cast e tutte fanno una brutta fine. Una viene mandata in convento (se la cava alla leggera). Una è avvelenata e muore in agonia. Una ha gli occhi estirpati ed è poi bruciata viva. Una commette incesto (certamente con il suo consenso) con il fratello (certamente affascinante) che poi la uccide e le estrae il cuore che porta in giro come uno spiedino, infilzato sulla sua daga. Nessun dubbio: questo non è un dramma che fa molto per la condizione femminile.

Il vile e anti-cristiano Cardinale conclude il dramma con queste famose parole:

Ma mai prima d'ora incesto e omicidio si sono incontrati così stranamente.

Di uno così giovane, così ricco nei doni della natura,

Chi non potrebbe dire, "Peccato che sia una sgualdrina?"

In questa produzione, è un discorso pronunciato sul cadavere del morto Giovanni, il giovane dorato che amava sua sorella, sia carnalmente che in modo familistico. Eppure il messaggio finale è che la donna fosse il problema. L'argomento abituale è che il Cardinale è la personificazione della corruzione e "beh, lui ovviamente lo direbbe, no?"

E, ovviamente, il dramma fu scritto intorno al 1630 quando gli atteggiamenti verso le donne non erano illuminati. Ma, nel mondo moderno delle interpretazioni senza distinzione di colore e genere, c'è qualcosa di aberrante in questo dramma, almeno se rappresentato aderendo al testo originale. Se Ford avesse scritto 'Peccato che sia una negra o 'Peccato che sia una lesbica, il mondo moderno sarebbe altrettanto indifferente riguardo al titolo?

Perché non cambiare la battuta, rendendola e il titolo 'Peccato che sia lui una sgualdrina? Dopo tutto, Giovanni è il fratello che fa la prima mossa e il mondo si è sicuramente evoluto al punto in cui le persone possono riconoscere anche l'esistenza di uomini sgualdrine.

È una testimonianza della profondità di pensiero e della cura che Michael Longhurst ha messo nel revival del dramma di Ford, ora in scena al Teatro Sam Wanamaker, che questi sono i pensieri che occupano la mente alla fine della rappresentazione, piuttosto che un senso di totale orrore e rivolta per gli eventi che si sono svolti.

Longhurst affronta il dramma in sezioni. La prima parte del dramma, in cui Giovanni dichiara il suo amore per la sorella, Annabella, cerca la benedizione del frate per l'unione, è consigliato a pentirsi ma non può e confessa il suo amore alla sorella, portando alla reciproca ammissione dei sentimenti, ha molto del sentimento tormentato, disperato e innamorato di Romeo e Giulietta. Il primo bacio timido, ma tenero e tremulo, che condividono è altamente carico. Poi, nudi, facendo l'amore sotto lenzuola bianche e fresche, avvolti seduttivamente intorno ai loro corpi, il loro dopo-relazione è così erotico, così sensuale, così elettrico che fanno sembrare Romeo e Giulietta semplici detentori di mani.

Allo stesso modo, c'è molta divertimento e intrigo nel prospetto dei vari uomini terribili che potrebbero essere il suo marito se suo padre Florio avesse avuto la sua strada. Questo ha una sorta di sensazione da Mercante di Venezia, ma arriva ad una brusca conclusione quando (molto efficacemente, nel buio pesto di questo auditorium) il buffone Bergetto viene ucciso per errore.

La sezione finale del dramma è un'orgia di massacri, tradimenti e bile, e Longhurst abbraccia questo visceralmente e a pieno ritmo. Dalla morte agonizzante di avvelenamento di Ippolita, attraverso la scrittura della lettera nel proprio sangue di Annabella, l'inaspettato accoltellamento da parte di Giovanni della sorella amante incinta e la sua vendetta insanguinata sui suoi principali tormentatori (incluso suo marito violento e abusivo), Longhurst presenta un incubo di conseguenze. Il sangue inonda il palco, accumulando in dense, viscose ombre attorno ai giocatori caduti.

Non rendendo Giovanni il seduttore malvagio della sorella verginale (lui praticamente scarta la bugia sulla Chiesa che approva l'unione che propone), rendendo entrambi fratello e sorella completamente pazzi per la carne e l'anima dell'altro, Longhurst rende la prospettiva, e poi la realtà, della loro unione incestuosa non mostrosa. Si desidera che siano insieme, che siano felici. È un risultato notevole.

E reso ancora più efficace dalla tela di intrighi, corruzione e vendetta che costituisce l'aristocrazia italiana e la gerarchia religiosa. Sono chiaramente loro i malvagi qui, non i giovani amanti. Se l'incesto tra fratelli rimane uno dei grandi tabù (e il successo di Game of Thrones può suggerire il contrario) allora, in questa produzione, Longhurst si muove con la visione che Ford non cercava di fare giudizi morali: Annabella e Giovanni sono le figure tragiche, consumate dai giudizi di persone più interessate all'interesse personale e alla ricchezza personale che a ciò che è giusto o vero.

Un nucleo di interpreti dotati fornisce a Longhurst strumenti eleganti per rendere la sua visione di 'Peccato che sia una sgualdrina realizzabile.

Max Bennett è superbo nel ruolo del Giovanni ossessionato dall'amore. Il suo desiderio per la sorella lo ha praticamente fatto impazzire mentre il dramma inizia, e Bennett infonde al personaggio una selvaggia, un'irrequieta, un'energia da ragazzo perduto che sboccia in pura pazzia. Le sue scene, inzuppate nel sangue della sua amante assassinata, sono piene di dolore incandescente e della quiete che deriva dall'abbandono della normalità. Ma le scene tra lui e Annabella affascinante di Fiona Button sono fragili, deliziose e intrise del piacere e del dolore di un amore intimo, disperato, inarrestabile che entrambi sanno non poter durare. Gestisce il linguaggio con facilità e chiarezza e prende un ruolo spesso sovrarecitato o insaziabile e lo rende completamente comprensibile, completo. L'immagine terrificante di lui, sorridente come un pazzo demente, che tiene il cuore infilzato di Annabella è spaventosa; una perfetta realizzazione di bellezza e desiderio giovanile completamente distrutti.

Come Annabella, Fiona Button è meravigliosa, eterea e ferita, dall'inizio alla sua morte improvvisa e inaspettata. È incantevole nella bravata nuda con Bennett, il momento più felice del suo personaggio, ed è coraggiosa e senza paura nella difficile scena in cui il suo nuovo marito, Soranzo (Stefano Braschi) la abusa fisicamente. Mostra anche un eccellente talento comico, negli scambi con l'eccellente Putana di Morag Siller, sulla questione dei pretendenti che si allineano per la sua mano in matrimonio. Non scivola nel melodramma, trovando sempre la verità del momento - la sua scena con la lettera scritta nel suo sangue è inquietante. E la scena tra lei e Frate Bonaventura (un eccellente Michael Gould) è splendidamente recitata mentre la convince a sposare Soranzo, nonostante la sua gravidanza con il fratello. Una performance toccante e completa.

In forma straordinaria in questa produzione c'è James Garnon. Il suo buffone Bergetto è pura delizia, un gioiello comico. Manipola con facilità l'arguzia del linguaggio e ci sono alcuni momenti tremendi di umorismo fisico. Capelli sciocchi, abbigliamento sciocco, personaggio sciocco - tutto funziona deliziosamente - così che quando viene ucciso accidentalmente, è profondamente scioccante. Nel secondo atto, Garnon cambia completamente marcia e produce un Cardinale di evidente ripugnanza. Untuoso e untuoso, incredibilmente presuntuoso, questo Cardinale in abito rosso incarna l'odio, l'intolleranza e la pura malvagità del mondo che condanna Giovanni e Annabella. È un'eccellente interpretazione - e in una serata piena di momenti orrifici, che il suo rivendicare le terre dei morti e degli espropriati per la Chiesa sembri l'atto più orrifico dice molto sull'intensità e correttezza della sua performance.

Come il pavone mascolino Soranzo, Stefano Braschi è in forma esemplare. Fragile e pugilistico, un fiume di testosterone, infonde vera vita a questo personaggio subdolo. La scena in cui cerca di strappare l'identità dell'amante segreto di Annabella da lei è brutale e scioccante; completamente convincente. Ippolita, una meravigliosa, aggraziata e appassionata interpretazione della talentuosa Noma Dumezweni, è un'altra donna distrutta dai suoi rapporti con Soranzo, e l'arroganza e il disprezzo di Braschi per lei sono palpabilmente rappresentati. La sua lunga, dolorosa morte è stata eseguita con maestria, così come gli scambi rapidi e fragili di condanna che hanno segnato il suo destino.

Ippolita e Putana soffrono entrambe male per mano del vile Vasquez, qui interpretato da Philip Cumbus. Sebbene avesse l'aspetto "magro e affamato" di un assassino e non avesse difficoltà con gli aspetti fisici del ruolo, Cumbus ha urlato troppo spesso e troppo forte. Una presenza dominante non richiede una granata vocale. Se Cumbus potesse controllare meglio la sua voce, la sua sarebbe stata una performance impressionante.

Ottimo lavoro da parte di Alice Haig (una calma, pacifica Philotis), Edward Peel (il primo Florio che abbia mai visto morire convincentemente di shock quando presentato con la realtà del suo figlio insanguinato che porta il cuore infilzato della sua amata figlia) e del goffo Poggio di Dean Nolan.

Il design di Alex Lowde si adatta perfettamente al meraviglioso spazio del Teatro Sam Wanamker. L'uso degli arredi nuziali all'inizio del secondo atto è perfetto e sottolinea l'orrore di ciò che segue. Anche i costumi pastiche funzionano bene. Il movimento di Imogen Knight e le scene di lotta di Bret Young funzionano efficacemente; anzi, alcuni dei combattimenti sono allarmantemente reali. Il momento in cui un pugnale è lasciato sporgere dal torso nudo di Max Bennett è tanto impressivo quanto le pozzanghere di sangue che fluiscono dai corpi assassinati. D'altra parte, sembrava incongruente, per non dire altro, vedere passi di danza da Single Ladies di Beyoncé incorporati nella routine finale dell'ensemble; forse voleva essere ironico.

La musica tintinnante e metallica di Simon Slater è strana, piuttosto inquietante a volte, ma è suonata con abilità consumata dalla piccola band. Le canzoni e danze più tradizionali funzionano bene. Nessuno è accreditato per l'illuminazione, ma l'uso delle candele, che sono il marchio di fabbrica di questo teatro, è stato eccezionalmente buono, migliorando l'atmosfera e suggerendo con radiosità sia sensualità che macchinazioni sinistre.

Questa è una produzione estremamente efficace di un dramma difficile. Cattura la tua attenzione sin dal principio e raramente la lascia andare, ma non prende mai una posizione sulla questione centrale dell'incesto. Come tutto il grande teatro, dipinge quadri, racconta storie, fa punti - e sulla questione dell'incesto tra fratelli, lascia al pubblico la lotta con se stessi su ciò che è buono e ciò che è maligno.

E chi è veramente la sgualdrina che dovrebbe essere compatita. Quella nominata o quella che nomina?