ANMELDELSE: McQueen, Theatre Royal Haymarket ✭✭✭✭

Tracy-Ann Oberman og Stephen Wight i McQueen McQueen

Theatre Royal Haymarket

27/08/15

KJØP BILLETTER

«Kjærligheten ser ikke med øynene, men med sinnet.»

Shakespeare, En midtsommernattsdrøm. McQueen åpnet tidligere i år på St James Theatre og flytter nå for en begrenset periode til West End og Theatre Royal Haymarket, etter noen rollebytter og en viss omarbeidelse av dramatiker James Phillips. Stykket er regissert av John Caird, med koreografi av Christopher Marney, og har Stephen Wight i rollen som McQueen selv. Vi ser ham idet vi setter oss – han vandrer hvileløst over scenen, allerede i karakter, uregjerlig og uforutsigbar, mens han vrir og vender på beltet han kanskje er i ferd med å avslutte livet sitt med…. Alexander/Lee McQueen – hans liv, arbeid, støttespillere, tragiske død og ettermæle – utgjør et nesten for rikt materiale for dramatisk behandling. I den ekstraordinære V&A-retrospektiven nylig, Savage Beauty, fantes det en bemerkelsesverdig frakk av forgylte fjær, høy i kragen og smal i livet. Den dukker opp igjen her i modifisert form i andre akt, som et symbol på hvordan klær kan forvandle bæreren. For meg var den også et symbol på kompleksiteten i dette temaet – tilsynelatende preget av glitrende overflater og overflod av glamour – i likhet med den pompøse «Regency»-stilen på Haymarket hvor vi alle var samlet på premieredagen; men hvor kjernen i stykket er å fremkalle psyken til en mann som, ifølge de som jobbet med ham, boblet over av like mange ideer og humørsvingninger hver dag som det er fjær i den strålende frakken.

Stephen Wight, Laura Rees i McQueen. Med et liv og en død som utspilte seg i rampelysets fulle flomlys, hvor mange kjente McQueen godt, og hvor de fleste av oss nå tror vi vet noe, er det en formidabel oppgave å fange essensen av mannens svimlende geni og mange motsetninger og gi det nytt dramatisk liv. Vi vet fra hans City Stories, anmeldt her for noen måneder siden, at James Phillips har et innovativt blikk for struktur, en poetisk dialog, en dyp forståelse for samspillet mellom ord og musikk, og et bevist talent for å skrive om livet i London. Alt dette er nødvendige ingredienser. Ville han mestre denne nye utfordringen?

Det vi får servert er et eventyr som utdyper historien i et av McQueens egne forseggjorte, halv-operatiske catwalk-scenarier. Dahlia (Carly Bawden) observerer McQueen fra et tre i hagen hans, før hun tar seg inn i huset for å stjele en kjole. Hun møter designeren selv blant utstillingsdukkene i kjelleren. Han ringer sin mangeårige samarbeidspartner Philip Treacy for råd om han skal tilkalle politiet, men den sta Dahlia sjarmerer ham til en avtale: hun vil forsvinne ved nattens slutt hvis han til gjengjeld forvandler henne til en prinsesse ved å sy en kjole til henne og vise henne ulike visjoner av London. Han går med på det i håp om at han også vil finne inspirasjon til å rekke fristen for sin neste kolleksjon.

Det som følger er en sekvens av fantastiske scener som utforsker sentrale forhold, erfaringer og temaer i McQueens liv – opplæringen i Savile Row, vennskapet med Isabella Blow (Tracy-Ann Oberman), en V&A-fest der journalisten Arabella (Laura Rees) utfordrer ektheten av hans talent, og hans tette bånd til moren og røttene i Stratford. I de fleste scenene er Dahlia enten en observatør, en vrien deltaker eller et uttrykk for McQueens egen «feminine» side; men mot slutten er det klart at hun hele tiden ønsket seg mer enn bare en kjole fra dette møtet. Hver scene er knyttet til den neste med et koreografert innslag der ni dansere kanaliserer temaene gjennom det visuelle bildespråket fra en av hans klassiske visninger, til samme musikk som ble brukt den gangen. Vi vender til slutt tilbake til kjelleren der vi startet idet natten går mot slutten, Dahlia drar, og Lee har funnet konseptet for sin neste kolleksjon…..

Eloise Hymas, George Hill, Rachel Louisa Maybank, Stephen Wight (sittende), Jordan Kennedy, Amber Doyle og Sophie Apollonia i McQueen. Dette stykket er derfor ikke en ren biografisk dokumentar, noe som helt klart er et riktig valg; det ville vært vanskelig å unngå klumpete og udramatisk faktaformidling på den ene siden, eller plump tabloid sensasjonalisme på den andre. Phillips er langt mer interessert i å fange den kvikke og mangefasetterte personligheten til den plagede, men likevel hardbarkede og humoristiske McQueen, og å utforske kreativitetens natur og kilder. Han oppnår begge disse målene, det første ved hjelp av en eksepsjonelt detaljert og fengslende prestasjon av Wight, som er så mye mer enn bare en imitasjon. Og det andre lykkes fordi han for det meste finner en dramatisk formel for både å beskrive McQueens talent og vise det i aksjon. Et eksempel på dette er en serie bemerkelsesverdige monologer spredt gjennom stykket der designeren analyserer sine metodiske og estetiske intensjoner. Dette kunne lett ha feilet. Det kunne blitt for belærende eller bare for kunstig – «Seks kostymer på lete etter en skredder» osv. At det ikke blir det, er en hyllest til skuespilleren og til måten teksten tvinger deg til å se og forestille deg ting med en designers blikk. Det minner om en Conan Doyle-historie der Sherlock Holmes forteller deg alt om et menneskes liv basert på få detaljer ved klærne deres, og ser rett gjennom dem. Den briljante, men også destabiliserende, kompromissløse og isolerende kvaliteten ved en slik observasjonsevne gjøres følbar; i den grad at det oppsto en ekstra intens stillhet av konsentrasjon i den fasjonable og motebevisste salen. De visste at også de var under mikroskopet der og da…. Vi fikk en konkret dramatisk følelse av hvorfor McQueen var en så både forførende og skremmende mann å være rundt.

Et annet eksempel på at visning og fortelling fungerer godt sammen, var scenen satt til Anderson & Sheppard, hvor McQueen gikk i lære. Tilskjæringen av kjolen han lager direkte på Dahlia demonstrerte på mest mulig direkte vis de tradisjonelle skredderferdighetene han lærte der, og dialogen med mentoren Mr. Hitchcock (Michael Bertenshaw) avslørte balansen mellom respekt for historien og opprørthet som han alltid prøvde å opprettholde i sitt arbeid: Hvis du skal være en ikonoklast, må du være en tradisjonalist først!

Stephen Wight, Laura Rees og Carly Bawden i McQueen

Ikke alt lykkes like godt. Scenen med Isabella Blow er en forseggjort barokk duett mellom to naturlige divaer, men mangler dramatisk brodd som resultat, særlig når det er en god del ukarakteristisk klønete utfylling av «fakta du må vite først». Hvis dette var en opera, kunne man sluppet unna med en slik forklarende forhistorie, men ikke her. Mer alvorlig er en uklarhet rundt karakteren Dahlia som ikke alltid er til hjelp, og som til tider undergraver den dramatiske sammenhengen. Hva er egentlig Dahlias bidrag? Er hun en muse, et rent teatralsk grep, eller en projeksjon av deler av Lees egen personlighet? Dette betyr særlig mye i andre halvdel av forestillingen der hun er mye mer fremtredende, og det er ikke nok å la dette spørsmålet henge ubesvart. Vi bryr oss ikke nok om henne som karakter i egen rett på dette stadiet til at den dramatiske strukturen tåler vekten, og dette blir bare delvis reddet av den minneverdige oppsummeringen Lee leverer i sluttminuttene.

Jeg er ikke sikker på om det å legge inn en pause for West End-versjonen faktisk har gagnet stykket. Det ville fungert bedre som en sammenhengende sekvens uten å legge like mye vekt på det tynnere materialet i det som nå er andre akt, og dermed bevart den delikate fantasy-atmosfæren ubrutt.

Produksjonsverdien er utmerket. Regien er flytende og har et kunstnerisk blikk for visuelle tablåer så vel som kinetisk energi. Koreografien er fremragende variert og oppfinnsom: danserne rydder scenen, poserer som utstillingsdukker, og fungerer i realiteten som et ikke-vokalt kor som tilbyr en visuell kommentar integrert i handlingen. Kostymeteamet har løst den vanskelige oppgaven med å referere til designerens arbeid uten å kopiere det slavisk, og videoprojeksjoner gir en levende følelse av lokasjoner i London når det trengs.

Stephen Wight som Lee i McQueen

Wights legemliggjøring av McQueen er uovertruffen. Faktene, kombinasjonen av brautende selvsikkerhet og sårbarhet i tale og bevegelser, ytterpunktene mellom følsomhet og vulgaritet, omtanke og hensynsløs egoisme, var alle på plass. Det samme var en selvinnsikt rundt depresjon, dødsangst og den skremmende naturen ved hans eget talent som var finstemt observert. Bawden gjør det svært godt som Dahlia, og sørger for at hun står opp mot Wights karakter når det trengs uten å miste sin klønete sjarme: men selve rollen føles egentlig fortsatt uferdig. Oberman og Rees utnytter sine muligheter fullt ut, og Bertenshaws lavmælte herreskredder gir et kjærkomment hvilepunkt og en nøyaktig kontrastert tilbakeholdenhet.

Kvelden er kontinuerlig tankevekkende, visuelt spektakulær og svært oppfinnsom i måten den integrerer design, musikk, dans og karaktertegning for å gi et så detaljert portrett av kildene til McQueens kreativitet som vi sannsynligvis kan få. Deler av stykket er både uventet morsomme og genuint rørende også. Å bringe en kunstners kreative prosess opp på scenen er en vanskelig øvelse – i nyere tid er kanskje Sunday in the Park with George det eneste helt vellykkede eksemplet. Utenom en musikalsk eller operativ behandling av McQueens liv – noe som fremdeles kunne vært verdt å gjøre gitt omfanget materialet tilbyr alle scenekunstarter – står dette stykket som et dristig og i stor grad vellykket kunstnerisk portrett.

Stykket gjenoppretter og bekrefter på triumferende vis McQueens credo om at design på sitt beste er en kjærlighetshandling overfor mennesket – en oppsummering av hvem den mannen eller kvinnen var, er og kan bli – og derfor, paradoksalt nok, ligger like mye i sinnet som i det rent visuelle. Det var av denne grunn Alexander McQueen valgte Shakespeare-sitatet som innleder denne anmeldelsen som en tatovering – et symbol for sin tid, og – utvilsomt – for alle tider.

BESTILL BILLETTER TIL MCQUEEN