CRÍTICA: The Dark Tower, Youth Music Theatre ✭✭✭✭✭

A Torre Negra

Youth Music Theatre,

CLF Cafe, Bussey Building,

Peckham Rye Lane,

Quarta-feira, 24 de agosto de 2016

5 Estrelas

Este é, provavelmente, o maior acontecimento de teatro musical do ano. E escolho as palavras com cuidado. YMT é um acrónimo que surge com frequência crescente nas biografias de intérpretes e equipas técnicas nos programas de teatro, listado em “Formação”. Tem o seu lugar ao lado das melhores escolas de teatro do país como um cadinho de novos talentos. E, enquanto produtora, é uma força cada vez mais a ter em conta na encomenda, desenvolvimento e promoção de novo trabalho dramático original. E, este verão, apresentou uma obra nova e magnífica, diferente de tudo o que a maioria de nós alguma vez viu.

No inverno passado, vislumbrei um fragmento do drama-dança de 2015 da YMT, “Sweat Factory”, no concerto de Natal composto por uma seleção de excertos apresentado no Salvation Army Hall, em Oxford Street. Fiquei tão impressionado com o que vi — e ouvi (a coreografia de Rachel Birch-Lawson sobre a composição musical de Garth McConaghie para o libreto de Aoife Manix) — que soube que tinha mesmo de ver tudo o que esta companhia fizesse no mesmo formato.

Assim, mal “A Torre Negra” foi anunciado, com a mesma coreógrafa fascinante a trabalhar novamente com o seu coreógrafo associado habitual, Khyle Eccles, corri para reservar. Agora penso que essa foi uma das melhores decisões que já tomei.

Conor Mitchell, criador teatral da Irlanda do Norte, que usa música, texto e narrativa para construir o seu trabalho, escreveu uma resposta extraordinária à peça radiofónica homónima de Louis MacNeice, de 1946. A origem da peça é, por si só, eloquente: no início do primeiro ano após o fim da Segunda Guerra Mundial, inspirado pelo poema de Robert Browning, “Childe Roland to the Dark Tower Came” (que, por sua vez, tem raízes em “Rei Lear”, de Shakespeare), o Home Service da BBC pediu a MacNeice um drama em verso sobre a relação do ser humano com a guerra, e encomendou uma partitura para ele a Benjamin Britten. Foi uma obra nascida de imenso sofrimento e sacrifício, num mundo em que a agitação e o conflito pareciam não ter fim. Dificilmente poderia ser mais relevante hoje.

Ora, se estes são nomes que não associamos necessariamente ao teatro musical contemporâneo, isso acontece porque esta obra nos leva para lá do que habitualmente fazemos — e pensamos.

O que Mitchell escreveu está mais do que impregnado do espírito de Britten; abre com fanfarras e floreados característicos, oferecendo um arrojado tutti coral num enquadramento amplamente tonal, lembrando-nos de imediato o compositor de tudo, de “Night Mail” a “War Requiem”. Ele abala a nossa certeza sobre onde estamos e o que está a acontecer com reviravoltas surpreendentes e solavancos nos contornos harmónicos. Atira-nos grupos corais antífonos, em eco, que ressoam como salvas de canhão no edifício industrial que acolhe este espetáculo.

E é aí que percebemos outra afinidade: o carácter dos sucessores de Britten, nomeadamente Michael Tippett, avança e transforma-se noutras personagens nesta aventura musical: à medida que a obra progride, quase poderíamos estar no meio de “A Child of Our Time”, em corais de beleza comovente, ou no drama e nos perigos da Segunda Sinfonia. É exaltante. É surpreendente. E é também a partitura mais ousada e original que ouvirá este verão, à exceção de “Jesus Christ Superstar” (1970), de Andrew Lloyd Webber.

Partimos numa espécie de “O Peregrino” do Soldado Desconhecido. Estilizado deliberadamente por MacNeice como “uma fábula”, o Soldado é a sua figura central, enviada numa busca. Na encenação de Rachel Birch-Lawson, a viagem, a procura, a missão, são representadas através de grupos e conjuntos em constante reconfiguração. De facto, ela desloca-nos escadas acima no edifício para níveis progressivamente mais altos: a segunda sala é mais pequena e está sufocada por garrafas de plástico transparentes; o terceiro e último nível é uma black box abruptamente diferente, com degraus de estrado negros que conduzem a uma torre estilizada, quase como um pavilhão (ou será a nuvem de poeira de uma explosão atómica?). A duração de cada etapa contrai-se, sendo a última breve e de uma poignância requintada.

Tudo isto mal sugere o assombroso assalto sensorial da música luxuriante e os movimentos elegantes, precisos e tão calorosamente humanos que lhe dão forma e direção. A quantidade de texto para cantar significa que isto não é um bailado. E o vigor, a beleza e a energia do movimento significam que isto não é uma ópera. E a própria história é tão poeticamente estilizada — na dicção, na estrutura e na intenção — que isso significa que isto também não é propriamente um drama. Se for alguma coisa, talvez seja uma espécie de oratório dançado. É a expressão elaborada de um tema sério, quase elevado, mas isso é temperado pela juventude franca de quem o apresenta (incluindo os cinco músicos que tocam na banda — vestidos com uniformes exatamente iguais aos do conjunto que dança, canta e fala). A vulnerabilidade da sua idade e a intensidade do seu envolvimento em cada último detalhe da obra, a força avassaladora do seu compromisso com a história que estão a contar e com os meios extraordinários que usam para a contar, são tão eletrizantes quanto fascinantes. Conclui-se que, se se pode dizer alguma coisa sobre o que isto é, pode dizer-se: isto é novo.

Ao mesmo tempo, cria-se uma forte linguagem visual no design elegante de Sophie Barlow, num ambiente maioritariamente branco, rasgado por apontamentos de vermelho, e com a figura central do Soldado, vestida de preto. Neste mundo, uma companhia de 35 raparigas e rapazes entre os 13 e os 19 anos conta-nos a história — usando a linguagem de MacNeice, muitas vezes poeticamente arcaica. E — imagine-se — estas crianças tiveram apenas duas semanas para aprender 60 minutos de material musical, com dezenas de conjuntos, muitos recorrendo a padrões fugados complexos, stretti e afins, exigindo um nível imensamente elevado de concentração. Além disso, todo o movimento teve de ser aprendido, incluindo elevações e saltos, e mais 30 minutos de transições para deslocar o público de um espaço para outro, e tiveram apenas um dia no edifício de três andares para se prepararem para a chegada do público. Ainda assim, embora a escrita vocal seja exigente, cada um dos elementos da companhia está mais do que à altura: soam tão plenos e convincentes como um coro totalmente treinado e bem ensaiado poderia soar, sob a orientação experiente do diretor musical (MD) Richard Healey. Toda a companhia tem também os seus momentos individuais, quer coreográficos quer vocais. MacNeice cria uma longa lista de personagens, e estas vão surgindo ao longo da viagem épica do herói.

A apoiar isto, a partitura é impecavelmente detalhada e atenta a todas as implicações do texto: Mitchell é um génio da cor teatral, à maneira de Britten e, antes dele, Puccini. E as orquestrações também são da sua autoria. Os músicos, sob a excelente supervisão de Francis Goodhand, tocam com um domínio de cortar a respiração do seu material, em especial o trompete de Cat Johnston, que tem uma das partes de primeiro trompete mais longas e difíceis que já ouvi (e ela faz três sessões por dia).

Tendo em conta todas estas coisas maravilhosas para notar e apreciar, surpreenderá os leitores saber que — até agora — parece ter havido pouca ou nenhuma cobertura de imprensa deste feito único? Isso é difícil de compreender, sobretudo com tanta coisa para adorar. Esta obra incrivelmente magnífica merece a admiração próxima e o encorajamento dos media nacionais, bem como de todas as organizações artísticas que queiram apoiar e fazer parte do desenvolvimento mais entusiasmante do teatro musical neste país em muitos anos. Precisamos de tentar acompanhar o ritmo impressionante que a YMT está a impor.

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