CRÍTICA: The Hard Problem, Teatro Dorfman ✭✭

The Hard Problem

Teatro Dorfman

9 de fevereiro de 2015

2 estrelas

Tom Stoppard. Duas palavras que aceleram o pulso de antecipação. Duas palavras que evocam um vasto catálogo de maravilhas teatrais gloriosas, deslumbrantes, inteligentes e inspiradoras — muitas vezes muito engraçadas — desde Rosencrantz And Guildenstern Are Dead, o seu primeiro grande êxito, até Rock'n'Roll, o seu último trabalho para palco, que estreou no Royal Court em 2006 e depois passou para o West End e para a Broadway. Duas palavras que, com o anúncio do derradeiro brado de Nicholas Hytner no National Theatre, prometiam o acontecimento teatral de 2015: mais uma exploração cintilante de ideias, mais um exame de questões científicas ou filosóficas, mais um texto a transbordar de alusões literárias e de personagens calorosas e verdadeiras.

Essa peça é The Hard Problem, agora em cena no Teatro Dorfman, com a primeira parte da temporada praticamente esgotada. No centro desta peça está a pergunta: se no Universo não há nada além de matéria, como explicar o conceito de consciência? Explorando questões de mente e corpo (são uma só coisa ou separadas?), altruísmo e egoísmo, a existência de Deus, a ideia de “bem”, o modo como funcionam os hedge funds (sim, a sério) e o poder da coincidência, a peça de Stoppard acompanha as tribulações de Hilary, uma investigadora em psicologia. Embora isto soe a Tom Stoppard em modo habitual, The Hard Problem é singular num aspeto notável.

É impraticavelmente aborrecida.

O verdadeiro “hard problem” desta produção de The Hard Problem é este: quem tem mais culpa — o dramaturgo ou o encenador?

Dizer que a produção é pouco impactante é elogiá-la. Em parte, porque está no teatro errado. O Dorfman é um espaço de grande intimidade e, embora seja, em essência, o relato das lutas pessoais de uma mulher, privadas e profissionais, as ideias que o sustentam não são íntimas — são universais, no tema e na escala. Assim, usar o espaço do Dorfman parece batota; uma tentativa de criar interesse na situação e na personagem através de um palco mais pequeno. Uma tentativa que falha.

Há ainda outra consequência. A peça passa-se em vários locais distintos. Embora o desenho de Bob Crowley encontre forma de os acomodar a todos, só o consegue à custa de mudanças de cena trabalhosas e aparentemente intermináveis, acompanhadas por rajadas de música clássica. Um palco maior poderia ter permitido transições imediatas para cenários mais detalhados e teria dispensado os intervalos bruscos aqui necessários apenas para que a equipa retire e volte a colocar o mobiliário.

A peça central do desenho de Crowley é uma escultura de luz fluorescente suspensa do teto, mais ou menos em forma de cérebro humano, que se ilumina de maneiras diferentes e em cores diferentes — por vezes cores que mudam. É muito impressionante e funciona como um lembrete constante de um dos temas da peça: a noção das relações entre mente e cérebro e entre mente e corpo; em ambos os casos, “São a mesma coisa?”

O texto é complexo e denso, recheado de ideias; e a mecânica da apresentação não ajuda particularmente o público a empatizar com ele. Portanto, para que a produção resulte, o elenco precisa de ser excecional.

Infelizmente, não é.

A melhor interpretação vem de Damien Molony como Spike, o snobe intelectual que não tem paciência para qualquer ideia que não se alinhe com a sua forma de pensar e que é o amante ocasional da personagem central, Hilary. O verdadeiro nome de Spike é Spencer, e o facto de ele se chamar Spike diz muito. Vê-se a si próprio como um conquistador (na verdade, acha que qualquer mulher ficaria feliz por ter sexo com ele, até uma lésbica numa relação feliz) e aparece em vários graus de improvável despir. Molony é excelente no papel de “bad boy” e capta na perfeição o lado cínico de um académico/pensador que despreza aqueles de quem discorda, mas com quem não se importa de se envolver sexualmente. Ele encarna a noção de egoísmo.

O sempre fiável Anthony Calf lida com facilidade com o fantásticamente rico Jerry, cuja mente funciona a cem à hora e que mantém as opções em aberto quanto a qualquer teoria filosófica ou noção de ciência comportamental que decida achar interessante. O seu interesse vem do efeito que a ciência tem nos seus esquemas de hedge fund para fazer dinheiro, e Calf destaca-se a mostrar a mente de Jerry quase de via única, orientada para o lucro. Mostra lampejos de altruísmo, mas é essencialmente mais um egoísta supremo.

Há um terceiro egoísta empenhado: o arrogante Amal, cujo sentimento de superioridade é do tamanho do Grand Canyon, até que Jerry o coloca efetivamente de castigo durante dois anos. Parth Thakerar dá vida a Amal com vivacidade. No início da peça, partilha opiniões e uma perspetiva que espelham as de Spike, mas, depois do tempo de castigo imposto por Jerry, poderá estar a reconsiderar as suas ideias, como este discurso indica:

“Eu não negocio. Eu não vendo. Eu trabalho nos modelos informáticos que supostamente gerem o risco. Enquanto o mercado se estiver a corrigir a si próprio, os modelos parecem estar a funcionar. Em teoria, o mercado é um fluxo de atos racionais de pessoas movidas pelo próprio interesse; portanto, o risco deveria ser calculável, e os modelos podem ser provados matematicamente como falhando por volta de uma vez durante a vida do universo. Mas, de vez em quando, o comportamento do mercado torna-se irracional, como se tivesse enlouquecido, ou se tivesse apaixonado. Não dá para calcular. Só os computadores é que calculam. Por isso estou a pensar nisso.”

Tendo em conta que, quando a peça começa, Amal acha que os computadores podem fazer tudo — e mais — do que um cérebro, isto é uma mudança de posição considerável. Thakerar mostra o percurso de Amal desde um ponto de vista académico rigidamente seguro, passando pela humilhação pessoal, até se tornar um pensador flexível e adaptável. Dos três egoístas centrais, Amal, de forma algo incrível, acaba por ser o mais caloroso. É mérito de Thakerar conseguir isso.

Há uma série de outros papéis com diferentes graus de importância: o chefe de departamento tarado e “velho porco” de Jonathan Coy, Leo, que não aceita a visão de Spike/Amal sobre a Ciência; a Bo de Vera Chok, tão desesperada por agradar que fará coisas más, cujo papel no enredo é completamente inverosímil; e o improvável casal lésbico de Julia (Rosie Hilal) e Ursula (Lucy Robinson). Suspeita-se que estas personagens existam por mais do que simples pontos de enredo; parecem estar ali como pessoas com quem o público possa identificar-se e por quem possa sentir algo ou com quem se possa relacionar. Mas a interpretação não produz esse efeito.

Na verdade, nenhuma destas personagens é suficientemente agradável para nos fazer importar com o que lhes acontece. Algumas têm linhas narrativas ridículas/óbvias que, no melhor dos casos, são banais e, no pior, risíveis. Pior de tudo: a forma como estas personagens interagem com Hilary diminui-a enquanto personagem. Ela é a representação do altruísmo — precisa de toda a ajuda possível para navegar a piscina de tubarões científicos em que nada. Mas, à medida que o enredo se desenrola, não lhe é dada ajuda nenhuma; pelo contrário, é feita parecer fundamentalmente falha por, pelo menos, Leo, Jerry e Bo.

A peça não pode funcionar sem que a personagem de Hilary seja o resultado de uma interpretação transcendente. Exige-se muito da atriz que faz Hilary — diálogos difíceis, situações difíceis e emoções difíceis — e ela tem de atravessar desenvolvimentos de enredo improváveis e um abismo de sentimentalismo previsível quando tudo se encaixa (o que, a menos que esteja a dormir, acontece muito cedo na peça). É uma tarefa monumental, este negócio de fazer de Hilary em The Hard Problem.

Olivia Vinall dá conta do recado, mas na verdade apenas por um triz. Hilary pede uma força interior, uma incandescência de espírito e uma destreza vocal que Vinall não tem. Ela não é uma Emma Fielding ou uma Carey Mulligan — para citar apenas duas atrizes que, em tempos, poderiam ter feito verdadeira justiça a este papel. Vinall trabalha arduamente e não se pode apontar nada ao seu empenho na tarefa, mas não está à altura do enorme desafio que Stoppard colocou e não é, de forma alguma, ajudada pela encenação de Hytner ou pelas restantes escolhas de elenco.

No fim de contas, porém, a maior fatia de responsabilidade recai sobre Stoppard. The Hard Problem simplesmente não se sustenta o suficiente enquanto peça de teatro. Não há enredo e personagens que cheguem, nem calor suficiente, para tornar digno de ver este jogo de ténis de princípios científicos, teorias e enigmas. Ao contrário de Arcadia, não há surpresas, nem personagens encantatórias, nem interações pessoais intrigantes. Em vez disso, The Hard Problem está povoada por pessoas desagradáveis e pouco cativantes a despejar jargão científico difícil num mar de banalidade sentimental e previsível. Há um punhado de boas piadas, mas um punhado não chega. As notas detalhadas no programa ofereciam mais interesse dramático do que cerca de 100 minutos de palco. No final da peça, sentia-se como a Mulher do Padeiro depois do encontro com o Príncipe da Cinderela no segundo ato de Into The Woods: para citar, “Era só isto?”