CRÍTICA: Thérèse Raquin, Studio 54 ✭✭✭✭

Thérèse Raquin

Studio 54

14 de Outubro de 2015

4 Estrelas

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A importância de um design cênico excelente é frequentemente subestimada, principalmente em produções estreladas ou experiências teatrais onde supõe-se que a motivação para assistir seja algo além de uma sede por satisfação teatral. Mas, ocasionalmente, o design torna-se uma parte crucial do sucesso geral da experiência teatral, a ponto de se questionar como peças e musicais são tentados sem o melhor design de cenário possível. Exemplos recentes incluem o conjunto espetacular de Bob Crowley para Skylight com Carey Mulligan/Bill Nighy, o design perspicaz de Justin Nardella para a estreia londrina de Casa Valentina, e o trabalho encantador de Robert Howell em Matilda.

Assim é com o design notável de Beowulf Boritt para a produção de Roundabout de Thérèse Raquin, uma nova adaptação de Helen Edmunson baseada no famoso romance de Émile Zola, que agora está em cartaz no Studio 54, dirigida por Evan Cabnet. O design de Boritt é parte integrante do tecido emocional e dramático da produção e, sem ele, esta produção poderia ser ineficaz e superficial.

Boritt usa o espaço de maneira sensacional aqui. Às vezes, toda a extensão do palco é exposta, altura, profundidade e largura em exibição, significando, deliciosamente, a liberdade do mundo. O piso se estende até metade da profundidade do palco onde encontra água que corre ao longo do palco. A água representa fuga, natureza, purificação. Sua presença constante é tentadora e anseia-se por mergulhar e nadar.

Quatro pilares altos emolduram um lado do palco e, delicadamente, sugerem confinamento, repressão, prisão. Visto de uma forma, o palco pode ser uma janela para o mundo de uma torre trancada - um abstrato, talvez, do tipo de vista que Rapunzel poderia ter contemplado diariamente.

Projeções mudam o cenário de tempos em tempos. A mais impressionante, e quase sufocantemente avassaladora, é uma alusão aos famosos Lírios de Água de Monet (ou, pelo menos, um deles). A imagem é instantaneamente identificável; inegavelmente francesa, emotiva, sensual. Mas a paleta é incomum - marrons e dourados; como uma imagem sépia da obra de Monet à qual é adicionada uma cor potente. É assustadoramente atmosférico.

Então, a casa onde Thérèse Raquin vive é inserida no palco. Toda sombria, antiquada, apertada e desordenada, os dois cômodos que vemos parecem muito pequenos em comparação ao espaço de liberdade. Os tetos são baixos - a sensação de estar enjaulado, preso ou encarcerado, cercado por decadência, é tangível; você quase sente que sua própria respiração está restrita, por medo de inalar o pó do passado que tão livremente paira nesses cômodos.

O cenário de Boritt é tão eloquente que economiza páginas de diálogo. Não há necessidade de insistir na situação em que a personagem titular se encontra quando a ação começa. Apenas vê-la no vasto espaço aberto e contrastar isso com a tensão na casa apertada de Madame Raquin, tão controladora quanto matriarcas malévolas podem ser encontradas na literatura moderna, estabelece claramente a natureza desesperada do sofrimento de Thérèse.

Obrigada a viver com sua Tia e trabalhar em sua loja após a morte de seu pai, Thérèse é o retrato da miséria. Ela quer fugir de sua Tia e de suas exigências precisas e experimentar a vida, mas a penúria e a desaprovação da sociedade a mantêm em seu lugar. Sua Tia dedica sua atenção e dinheiro a seu filho mimado, irritante e hipocondríaco, Camille, e eventualmente o destino de Thérèse é selado: ela se casa com Camille, uma união sem amor que traz infelicidade a ambos.

A repetição mecânica e padrão de sua vida, incluindo as noites de cartas todas as quintas-feiras com amigos ligeiramente pretensiosos de Madame, leva Thérèse à beira da sanidade. Então ela conhece Laurent, um antigo amigo de Camille que agora trabalha com ele na Ferrovia. Laurent e Thérèse começam um caso apaixonado, ambos desesperados um pelo outro. Enquanto ela tem Laurent, Thérèse vive plenamente, pela primeira vez em sua vida.

Seus encontros ocorrem no quarto de Thérèse sempre que Laurent consegue sair mais cedo do trabalho. Mas quando o chefe de Laurent impede suas saídas antecipadas, os dois amantes ficam desesperados para encontrar uma maneira de ficarem juntos. Impelidos por sua necessidade insaciável um pelo outro, eles concordam em assassinar Camille para que possam se casar. Eles o afogam, mas antes de morrer, Camille morde o pescoço de Laurent.

À medida que a ferida no pescoço infecciona, também o vínculo entre Laurent e Thérèse, à medida que cada um é assombrado pelo que foi feito a Camille. Culpa e medo convertem sua paixão em desarmonia perigosa. Madame sofre um derrame e é deixada paralisada quando ouve a dupla discutir o que fizeram com seu amado Camille. Confinada a uma cadeira de rodas, com apenas os olhos se movendo, os olhares vigilantes e conhecedores de Madame mantêm Thérèse e Laurent em um precipício afiado como uma navalha. A morte prova ser a única fuga que podem aceitar.

A direção clara e perceptiva de Cabnet é sólida na maior parte, e há um ênfase nos aspectos visuais da produção que o tornam algo especial. Thérèse, sozinha em uma rocha, contemplando a fuga; o assassinato desajeitado e quase inepto de Camille seguido pelas imagens dos amantes encharcados, sem fôlego em terra seca; a mão de Madame surgindo em vista, apenas enquanto o derrame a pega; o inquietante sentido do espírito de Camille tendo possuído o quarto onde Thérèse e Laurent o enganaram. Usando o silêncio de forma expressiva como o som, Cabnet preside uma produção rica em detalhes e incrivelmente tensa de experienciar.

A única verdadeira omissão é um sentido mais claro da paixão carregada de desejo entre Thérèse e Laurent. Dado que a necessidade sexual deles um pelo outro é tão intensa que o assassinato se torna mais viável do que ficarem sem o outro, Cabnet não faz realmente nenhuma tentativa de transmitir essa sensação. Não há cenas onde as roupas são rasgadas dos amantes um pelo outro, sem nudez, sem sensação de encontros carnais repetitivos e compulsivos: sim, o caso é representado, mas de uma maneira muito comportada, que curiosamente minou o poder da trama.

Não há reclamações sobre o elenco. Judith Light está em forma sensacional como a manipuladora Madame, retratando um claro sentido de veneno escorrendo de cada sugestão prestativa ou reconhecimento sorridente. Após o derrame, a performance de Light é verdadeiramente hipnotizante: é difícil não assistir seu rosto expressivo e olhos eloquentes irradiar sentimentos e emoções. A cena onde ela tenta soletrar com um alfabeto o assassinato de seu filho é absolutamente emocionante. Esta é uma performance fenomenal.

Gabriel Ebert é propriamente repugnante como o presunçoso e intolerável enfadonho, Camille. Ele faz sua pele arrepiar do jeito que a de Thérèse certamente deveria. É fascinante de assistir, porque apesar de tudo que é terrível sobre o personagem, Ebert consegue navigá-lo de forma que quando ele é assassinado, é verdadeiramente chocante e comovente. Tão indelével é o pensamento de Camille que Ebert pinta, que as sequências assombradoras reverberam com poder insidioso.

Matt Ryan é extremamente atraente como Laurent, e não há dificuldade em entender o desejo avassalador de Thérèse. Não é apenas a beleza física de Ryan, mas o modo como ele torna o personagem insinuante, sedutor e ligeiramente, excitantemente, perigoso. É uma performance maravilhosamente bem avaliável, muito masculina que contrasta nitidamente com o perfeito filho de Madame de Ebert.

Há excelentes atuações também de Jeff Still e David Patrick Kelly. Kelly, em particular, aproveita ao máximo uma virada dramática chave, criando um momento de puro pânico gelado quando o segredo do assassinato de Camille parece prestes a ser descoberto.

Mas o trabalho duro da peça repousa sobre os ombros de uma atriz interpretando Thérèse, aqui Kiera Knightley, fazendo sua estreia tardia na Broadway após ter aparecido duas vezes no West End. Suas experiências no cinema ajudam Knightley aqui enormemente – ela pode fazer um olhar silencioso falar volumes e está em casa criando imagens visuais de poder impressionante. Ela está silenciosa por grande parte da peça, mas não um pouco relegada ao fundo por isso.

Ela aproveita ao máximo todas as oportunidades, seja caminhando atrás de Camille à beira-mar, ou enfrentando Madame, ou estando intoxicada pela presença de Laurent. E quando ela fala, ela faz cada palavra valer, dando uma beleza lírica a muitas passagens e um medo cansado e humilhado a outras. A quebra final de Thérèse é imaculadamente avaliada, verdadeiramente impressionante.

Jane Greenwood fornece trajes excepcionais, a maioria em tons de preto, cinza ou marrom, e que capturam a paleta na cenografia de Boritt. Palmas para Keith Parham por um design de iluminação extraordinário que brilha através da escala emocional enquanto os eventos se desenrolam: luz escura e fria; luz quente e luxuriante; luz quente e sufocante; raios suaves de liberdade e o cinza que vem quando as coisas estão sombrias. É raro experimentar a iluminação emocionalmente sintonizada como a de Parham está aqui. É uma grande conquista. As composições originais de Josh Schmidt aumentam efetivamente o impacto emocional da produção.

Zola escreveu um thriller psicológico maravilhoso e a adaptação de Edmundson aqui é fiel à sua intenção, terna e assustadora em igual medida. O elenco de primeira linha de Cabnet faz um grande trabalho, animando os muitos fios interligados e fazendo um poderoso deleite teatral completo. Poderia ter mais ênfase na carnalidade que destrava a desgraça para Thérèse e Laurent (e Camille também), mas dado o maravilhoso elenco, cenários, trajes e iluminação, ninguém deve se sentir decepcionado.

Thérèse Raquin estará em cartaz no Studio 54 até 3 de Janeiro de 2016