REZENSION: It's Only A Play, Gerald Schoenfeld Theatre ✭✭✭

Rupert Grint (links), Megan Mullally, Matthew Broderick, Nathan Lane und Stockard Channing spielen in „It’s Only a Play“ am Broadway. Foto: Joan Marcus It’s Only A Play

Gerald Schoenfeld Theatre

30. Oktober 2014

Nathan Lane. Stockard Channing. Rupert Grint. Megan Mullally. F. Murray Abraham. Matthew Broderick. Bei einer Besetzung voller solcher Koryphäen – was könnte da schon schiefgehen? Zumal sie nicht Ibsen oder Tschechow spielen (was ja auch völlig in Ordnung wäre), sondern ein „neues“ Stück aus der Feder des vielfach ausgezeichneten Terrence McNally – und obendrein eine Komödie? Und inszeniert wird das Ganze von Jack O’Brien, berühmt für seine Tony-prämierte Regie bei (Stoppards) Coast of Utopia und (Shakespeares) Henry IV? Wirklich? Was könnte da schon schiefgehen?

Die Premiere/Neuauflage von McNallys Stück It’s Only a Play in der Regie von O’Brien, derzeit am Gerald Schoenfeld Theatre am Broadway zu sehen, beantwortet diese Frage mit bemerkenswerter Klarheit.

Es ist bereits das dritte Mal, dass McNallys Stück einen Anlauf am Broadway nimmt. Für diese Produktion hat er es überarbeitet und aktualisiert. Abgesehen von zwei Aspekten könnte es sich kaum eine bessere Besetzung wünschen. Und sicherlich könnte es weder auf ein besseres Bühnenbild hoffen (Scott Pask liefert ein glamouröses, prachtvolles Art-déco-Apartment) noch auf bessere Kostüme (Ann Roth, die hier ein besonders gutes Händchen für Premieren-Outfits beweist). Kurz: Technisch ist alles erstklassig.

Doch für eine dritte Überarbeitung hat McNallys Stück eine Handlung, die theatralisch gesprochen „hauchdünn“ ist. Ein neues Stück hat gerade am Broadway eröffnet, und Star, Autor, Autorin, beste Freundin des Autors und Produzentin warten nervös auf die Kritiken. Dazu kommen ein Möchtegern-Dramatiker und ein Möchtegern-Schauspieler, dutzende Insider-Spitzen über echte Stars und konventionelle „Weisheiten“ darüber, wie Theater funktioniert – und das ist im Wesentlichen alles. Die Kritiken fallen schlecht aus, und die Stimmung kippt ins Trübe. Am Ende gibt es einen „Twist“, der jedoch vor allem die Belanglosigkeit des Ganzen unterstreicht.

Scharfe, mitunter gemeine, mitunter witzige Schlagabtausche sind der eigentliche Zweck des Abends. McNallys Stück weiß nicht recht, was es sein will – außer einem Anlass für satirischen Humor über Schauspieler*innen, Theaterkritiker*innen, Autor*innen und die launische, flüchtige Natur des Erfolgs. Es verbringt viel Zeit damit, Namen von Stars fallen zu lassen, die gar nicht auftreten, um sie dann gnadenlos zu rösten, den Hauptkritiker der New York Times zu sezieren und gegen so ziemlich jede Person zu sticheln, die irgendetwas mit Theater zu tun hat. Und würde es dabei bleiben, wäre es ein nahezu wilde’sches Vergnügen – leicht, sprudelnd, funkelnd komisch.

Doch im zweiten Akt gibt es einen lahmen Versuch, mehr Tiefe hineinzubringen: Fragen von Freundschaft und Ehrlichkeit auszuloten, ein paar berührende Momente zu erzeugen, wichtige Themen rund ums Theater zu verhandeln. Das ist ein Fehltritt – und droht, den Komödienzug zu entgleisen.

Trotzdem gibt es viele Lacher mit den Karikaturen, und McNally versteht es, messerscharfe, bissige One-Liner zu schnitzen. Man braucht allerdings einiges an Wissen über den Broadway, seine Geschichte und seine Stars, um alle Insider-Witze zu verstehen – besonders gefallen hat mir das gequälte Eingeständnis von Nathan Lanes Figur, dass er The Addams Family mochte. Wer nicht weiß, dass Lane in diesem Musical spielte, das – aus meiner Sicht unerklärlicherweise – schlechte Kritiken bekam, hat den Witz womöglich verpasst. Und viele andere ebenso: Sie werden serviert, aber im Stück selbst nicht vorbereitet.

Einige Entscheidungen des Autors sind jedoch unerquicklich. Warum soll das Schicksal der gesamten Produktion – Ensemble und Crew – an einer Kritik der New York Times hängen? Gute Kritiken bedeuten nicht, dass ein Text oder eine Inszenierung ein Erfolg ist – und schlechte ebenso wenig. Das Publikum entscheidet – und da Theater für das Publikum da ist, ist das auch richtig so. Les Misérables und We Will Rock You bekamen bei der Premiere kaum überschwängliche Kritiken und liefen trotzdem jahrelang. Kritiker*innen haben nicht – und sollten nicht – die Macht, Shows zu schließen und Arbeiten ins Vergessen zu verdammen. Genau darauf aber baut It’s Only a Play seine Prämisse.

Wenn McNally hier die Macht der Kritiker*innen satirisch beleuchten wollte, gelingt ihm das nicht. Er macht großartige Witze über sie, umarmt ihre Macht jedoch mit einer Begeisterung, die befremdlich wirkt. Und die Reaktionen seiner Figuren auf die vernichtende (wenn auch urkomische) fiktive Ben-Brantley-Kritik lassen nicht gerade vermuten, dass McNallys Blick in die Zukunft des Theaters besonders rosig ist.

Jack O’Brien hingegen nimmt das Material, wie es ist, und ringt ihm alle Lacher ab, die herauszuholen sind (und einige, die eigentlich keine sein sollten) – mit sicherer, klarer Regie, die so viel Aufmerksamkeit wie möglich von den Schwächen des Stücks weglenkt. Die Starbesetzung hilft ihm bei diesem Taschenspielertrick.

Micah Stock gibt als Teil der illustren, „above the title“ geführten Besetzung sein Broadway-Debüt und trägt mehr als seinen Anteil. Es ist eine sehr gewinnende Darstellung einer offen gesagt unglaubwürdigen Figur. Er spielt Gus, den neu angekommenen, arbeitslosen Schauspieler, der als eine Art Busboy im Haus der Produzentin des neuen Broadway-Stücks arbeitet. Für ihn ist es eine Neuigkeit, dass Theaterleute einander nicht „Sir“ nennen, sondern „darling“, „sweetheart“ und Ähnliches bevorzugen – zugleich ist er so tief in Theater-Lore versunken, dass er, wenn es nötig ist, eine hinreißend komische Version von „Defying Gravity“ raushauen kann, um die Stimmung der versammelten Runde zu heben.

Stock ist wirklich ausgezeichnet. Er nutzt jede komische Gelegenheit, und kleine Details (etwa seine nach innen gedrehten Füße und die Neigung, sein Outfit zurechtzuzupfen) zeigen, wie viel Gedanke und Präzision in seiner Arbeit stecken. Im Verlauf des Abends, während Gus sich in seiner Umgebung und bei den Menschen, denen er dient, wohler fühlt, lässt Stock die Figur immer schwuler werden – bis hin zu seiner albernen Wicked-Einlage, einem echten Höhepunkt des Abends.

Stockard Channing triumphiert als Hollywood-Abservierte: ein ehemaliger Kinderstar, die nach einer schlechten Kritik für ihre Baby-June-Performance in Gypsy Schönheits-OPs machen ließ; eine gebrochene, pillenschluckende, mit Fußfessel herumlaufende Mord-Parolee, die im Grunde die Frage beantwortet: „Whatever happened to Baby Jane?“ Sie ging an den Broadway, um in einem neuen Stück zu spielen – in der Hoffnung auf ein Comeback.

Channing ist großartig. Sie serviert giftige Spitzen mit beiläufiger Freude, schöpft aus den verschiedenen Schichten von Depression und manischer Wut, die ihre Figur mit verblasstem Glamour ausmachen, und schafft es gegen alle Wahrscheinlichkeit, Mitgefühl zu wecken, wenn die Kritiken, die ihre Leistung zerlegen, vorgelesen werden. Sie ist eine Meisterin der Pause, des schnellen Seitenblicks, der ein Lachen einfängt – und sie kann ein Lachen halten und verlängern wie eine echte Vaudeville-Künstlerin.

Megan Mullally zeigt, was für eine wunderbare Schauspielerin sie ist, mit ihrer kernigen, charmanten und völlig durchgeknallten Darstellung der naiven, unfassbar reichen Produzentin, die das frisch eröffnete Stück finanziert hat. Das ist eine herrlich runde Figur – sprühend vor hektischem Spaß. Sie sieht fantastisch aus und liefert wirklich ab.

F. Murray Abraham hat vielleicht die schwierigste Rolle: einen Theaterkritiker, den niemand mag. (Mag irgendjemand Theaterkritiker*innen?) Zusätzlich hat er das Pech, so ziemlich den Rest der Besetzung auf die eine oder andere Weise beleidigt zu haben – teils bösartig; außerdem hat er ein neues Stück geschrieben, das er verzweifelt produziert sehen will, aber sich nicht traut, seinen Namen darunter zu setzen; und er ist kahl, versucht das jedoch mit einem Toupet zu verbergen. Abraham nimmt all das gelassen – sogar den Teller Lasagne, den Patti LuPone ihm auf den Kopf kippt (offstage, versteht sich, und nicht im echten Leben). Prägnant, präzise, ein Musterbeispiel für Timing und perfekte Diktion: Abraham erschafft eine großartige komische Figur.

Auf der anderen Seite liefert Matthew Broderick eine großartige Imitation eines robotischen Baums. Es wirkt weniger, als würde er seine Performance „runtertelefonieren“, sondern eher, als käme sie per Brieftaube. Seine monotone Sprechweise, unterbrochen von seinem typischen skurrilen Quieken, belebt das Stück kein bisschen. Er verschenkt mehr Lacher, als er landet. Es ist eine merkwürdig uninteressierte und langweilige Leistung. Man könnte argumentieren, er mache das absichtlich, um zu zeigen, wie furchtbar öde Autor*innen im echten Leben seien; aber wenn das so wäre, müsste das klarer werden. (Und überhaupt: Autor*innen sind selten langweilig.) Diese Klarheit gibt es nicht. Erstaunlich enttäuschend.

Rupert Grint ist fehlbesetzt als berühmter britischer Theaterregisseur, der in den Augen der Kritiker*innen keinen Fehler machen kann. Er ist ein Steppenläufer aus Angst und beiläufiger Arroganz – aber nicht sehr glaubhaft. Oder interessant. Es gibt eine Szene mit einer Puppe, die seinen Höhepunkt markiert; ansonsten personifiziert er das Matte im Matten. Sein grauenhaftes Premieren-Outfit ist noch der beste Teil seiner Performance – wobei ich bezweifle, dass einer der aktuellen Wunderkinder unter den britischen Regisseur*innen sich in so einem Aufzug blicken lassen würde.

Der Abend gehört Nathan Lane, der als James Wicker herrlich bissig ist: ein Schauspieler, der die Hauptrolle in dem Stück seines besten Freundes abgelehnt hat, weil er es für einen Flop hielt. Mit Genuss wirft er komische Perlen und boshafte Beleidigungen in den Raum – ein menschlicher Lachgranatenwerfer. Und dann, wenn das Stück seine ernstere Wendung nimmt, schaltet er meisterhaft um. Lane ist in knackiger, hervorragender Form, und das Stück ist am besten, wenn er und Channing sich ihre giftigen Schlagabtausche zuspielen.

It’s Only a Play ist unverhohlen ein Star-Vehikel, das das Publikum anlocken soll, um Stars bei ihrer Arbeit zuzusehen – alle sechs Ensemblemitglieder, inklusive der Debütantin, stehen auf dem Theaterplakat über dem Titel. Hamlets Rat, dass „das Stück das Ding“ sei, wird hier nicht beachtet. Ohne die Stars stünde das nicht am Broadway. Und obwohl „nur“ ein Stück zu sein alles andere als wenig ist, bemüht sich It’s Only a Play, genau das glauben zu machen.

Doch dank Lane, Channing, Mullally, Abraham und Stock zeigt es ganz eindeutig, wie ungeheuer komisch großartige Schauspieler*innen sein können.