KRITIK: La Strada, The Other Palace ✭✭✭

Bart Soroczynski und das Ensemble von La Strada. Foto: Robert Day. La Strada

The Other Palace

31. Mai 2017

3 Sterne

Nun, das ist ein ungemein beschwingtes, unterhaltsames Stück sorgfältig ausgeführtes Regietheaters: Die faszinierende Theatermacherin Sally Cookson hat in Zusammenarbeit mit dem Autor Mike Akers, dem Komponisten und Liedtexter Benji Bower, der Bühnen- und Kostümbildnerin Katie Sykes, der Lichtdesignerin Aideen Malone, dem Sounddesigner Mike Beer und dem Movement Director Cameron Carver einen mutigen Versuch unternommen, Federico Fellinis brillanten neorealistischen Film „La Strada“ auf die Bühne zu bringen. Eine wunderbare Besetzung aus 13 darstellenden Musikerinnen und Musikern entführt uns in ihre angenehm zugängliche Interpretation des Films. Es ist eine weitere kühne Arbeit des rastlos kreativen Produzenten Kenny Wax, in Zusammenarbeit mit Cambridge Arts, dem Bristol Old Vic und dem Belgrade Theatre, Coventry. Und gestern Abend zog die Premiere im The Other Palace eine ganze Reihe prominenter Gäste an – darunter Anthony Drewe, Howard Goodall, Charles Hart sowie Fellinis Nichte und viele weitere Branchenvertreter –, sodass das Foyer ebenso glamourös und unterhaltsam wirkte wie das Geschehen auf der Bühne.

Audrey Brisson und Stuart Goodwin in La Strada.

Der Neorealismus scheint derzeit eine gewisse Konjunktur zu erleben. Zuerst bekamen wir Ivo van Hoves Bühnenfassung von Luchino Viscontis „Ossessione“, und nun dies: Fellinis schonungsloses Drama aus dem Jahr 1954 über Außenseiter, Armut, Leidenschaft und Verzweiflung. Die neorealistische Filmschule nahm sich selbst sehr ernst; sie wurde von akademischen Theoretikern angeführt, die sich dann mitunter selbst zu Filmemachern machten. Der Drang, diese filmischen Schöpfungen in bühnenwürdige Produktionen zu verwandeln, wirkt etwas merkwürdig – angesichts der strengen intellektuellen Absichten jener Filmemacher, die Werke schaffen wollten, die sich eigentlich nur auf der Leinwand darstellen lassen. Man fragt sich – man fragt sich wirklich –, welche Überlegung hinter diesem Versuch steht, ihre tiefe, eindringliche, aus dem Herzen kommende Mission zu unterlaufen.

Liegt es womöglich daran, dass der Zeitgeist sich mit den grundlegenden Themen jener Epoche identifiziert: Italien erscheint als harte Welt, beherrscht von Grobianen, in der die Sensiblen und Verletzlichen zur Zerstörung verurteilt sind. Fellini schrieb sein Drehbuch selbst, gemeinsam mit seinen langjährigen Weggefährten Pinelli und Flaiano. Er goss seine Seele hinein und schuf – in seinen eigenen Worten – „einen vollständigen Katalog meiner gesamten mythologischen Welt, eine gefährliche Darstellung meiner Identität, die ohne jegliches Vorbild unternommen wurde“. Es ist ein kühner, ambitionierter Schritt, das als Projekt aufzugreifen und zu hoffen, daraus etwas von vergleichbarer Größe zu machen.

Das Ensemble von La Strada.

Als Fellini vor einigen Jahren starb, gab es eine Welle der Verehrung, besonders in Italien, wo Fernsehanstalten liebevolle Hommagen zusammenstellten – oft gespeist aus nostalgischer Zuneigung zu seinem vielleicht symbolträchtigsten Film, dieser Geschichte über einen umherziehenden Kraftmenschen und seinen tragisch an ihn gebundenen Handlanger. Was damals in diesen Tributes zu sehen war, ähnelt sehr stark dem, was man nun auf der Hauptbühne des The Other Palace in Westminster sehen kann. Es ist sehr gut gespielt, wunderschön ausgeleuchtet und geschmackvoll inszeniert; doch es entfernt sich in nahezu jedem wesentlichen Punkt vom Werk eines der größten Künstler des 20. Jahrhunderts. Und es ist nicht schwer, die Gründe dafür nachzuvollziehen.

Fellini wusste, dass er einen herkulischen Kampf vor sich hatte, um dieses sehr persönliche Essay zur Vollendung zu bringen. Er besetzte nicht nur seine Ehefrau und Muse Giulietta Masina als das Mädchen, sondern holte auch einen großen Hollywoodstar, der entschlossen gegen sein Image spielte – in der zutiefst unsympathischen Rolle des Motorrad fahrenden, fremdgehenden, betrunkenen Muskelmanns, eine Art Peter Grimes auf Rädern, der am Ende die Oberhand behält: Anthony Quinn. Mit diesen übermächtigen Persönlichkeiten, die das Geschehen dominieren, gewinnt das karge, harte, extreme Hell-Dunkel-Epos des schwarzweißen Films eine Wucht wie Gorkis „Nachtasyl“ in seinem qualvollen Zug durch das verarmte Nachkriegsitalien. Da die Kamera stets ganz nah bei den zentralen Figuren bleibt und die kleinsten Details ihres kurzen, schäbigen gemeinsamen Lebens beobachtet, fühlen wir uns immer mitten in ihre Welt hineingezogen. Und die Wirkung ist verheerend.

Tim Dalling, Sofie Lyback und Tatiana Santini in La Strada

Auf der Bühne funktioniert das so schlicht nicht. Doch so wie die eben erwähnte Gorki-Geschichte sowohl als Film als auch – auf ganz andere Weise – auf der Bühne hervorragend funktioniert, gibt es keinen grundsätzlichen Grund, warum „La Strada“ nicht ebenfalls für eine theatrale Adaption taugen sollte. Wenn die Voraussetzungen stimmen.

Cookson hat für ihr Ensemble eine faszinierende Gruppe von Darstellerinnen und Darstellern versammelt und das Stück gemeinsam mit ihnen entwickelt. Es sitzt ihnen wie angegossen. Gerade Carvers Bewegungssprache ist oft geradezu magisch und wunderschön, und Bowers musikalische Arrangements sind präzise auf die vielen Talente des Ensembles abgestimmt. Ein Vergleich der Musikstile ist allerdings aufschlussreich. Fellini verpflichtete mit Nino Rota einen der größten Filmkomponisten aller Zeiten und erhielt für seinen Film eine Partitur, die sich bei den großen veristischen Klangwelten der italienischen Oper bedient, gefiltert durch Chaplins eigene Musik zu seinen Tramp-Filmen – und so einen Klangraum schafft, der poetische Sensibilität mit epischer Größe verbindet. Das charakteristische, klar aufleuchtende „sterbende Verklingen“ des zentralen Trompetenmotivs – ein Kernstück des Dramas – gehört zu den unvergesslichsten Melodien der Filmgeschichte. Hier hingegen ist die Musik geschmeidig, sanft, ruhig und beruhigend: eine Art „Café del Fellini“-Soundscape, die den Schmerz und die Leidenschaft des Originals glattbügelt und uns eine freundlichere, tröstlichere Sicht anbietet. Das ist angenehm, aber es elektrisiert nicht. An einer Stelle gibt es zwar einen Ausbruch aus Verdis Requiem, und die emotionale Temperatur steigt; doch es ist nur ein Moment, und er verfliegt. Hätte die musikalische Ausrichtung konsequent diesen ganz anderen Weg eingeschlagen, hätten wir womöglich eine Produktion mit einer völlig anderen Wirkung erlebt.

Ähnliches gilt für die Besetzung. Das ist ein gutes Chor-Ensemble, das alles erfüllt, was von ihm verlangt wird. Doch es bietet nicht die großen herausragenden Leistungen, die den Film prägten. Insgesamt ist es also eine sorgfältig gemachte Übung mit einigem Charme. Cookson wird beim nächsten Mal möglicherweise etwas Kraftvolleres schaffen. Darauf freue ich mich sehr.

Fotos: Robert Day