KRITIK: Das Schwierige Problem, Dorfman Theatre ✭✭

The Hard Problem

Dorfman Theatre

9. Februar 2015

2 Sterne

Tom Stoppard. Zwei Worte, die den Puls in freudiger Erwartung beschleunigen. Zwei Worte, die einen Backkatalog glanzvoller, schillernder, kluger und inspirierender – oft sehr komischer – Theaterwunder heraufbeschwören: von Rosencrantz And Guildenstern Are Dead, seinem ersten großen Erfolg, bis zu Rock'n'Roll, seinem letzten Stück für die Bühne, das 2006 am Royal Court uraufgeführt wurde und anschließend ins West End und an den Broadway wechselte. Zwei Worte, die sich mit der Ankündigung von Nicholas Hytners letztem großen Auftritt am National Theatre verbanden und das Theaterereignis des Jahres 2015 versprachen: eine weitere funkelnde Ideen-Erkundung, eine weitere Untersuchung wissenschaftlicher oder philosophischer Fragen, ein Text zum Bersten voll literarischer Anspielungen und warmherziger, echter Figuren.

Dieses Stück ist The Hard Problem, derzeit im Dorfman Theatre zu sehen; der erste Teil der Spielserie ist so gut wie ausverkauft. Im Zentrum steht diese Frage: Wenn es im Universum nichts gibt außer Materie – wie erklärt man dann Bewusstsein? Stoppards Stück erkundet Fragen von Geist und Körper (sind sie eins oder getrennt?), Altruismus und Egoismus, die Existenz Gottes, das Konzept des „Guten“, wie Hedgefonds funktionieren (ja, wirklich) und die Macht des Zufalls. Es folgt den Turbulenzen um Hilary, eine Forscherin der Psychologie. Das klingt nach typischem Tom-Stoppard-Stoff – und doch ist The Hard Problem in einem bemerkenswerten Punkt einzigartig.

Es ist unverschämt langweilig.

Das eigentliche harte Problem dieser Produktion von The Hard Problem ist: Wer trägt die größere Schuld – Autor oder Regisseur?

Zu sagen, die Produktion sei unerquicklich, wäre schon ein Kompliment. Zum Teil liegt das daran, dass sie im falschen Haus läuft. Das Dorfman ist ein Raum großer Intimität, und auch wenn es im Kern die Geschichte der persönlichen – privaten wie beruflichen – Kämpfe einer Frau ist, sind die zugrunde liegenden Ideen nicht intim, sondern universell, in Thema und Umfang. Den Dorfman-Raum zu nutzen, wirkt daher wie ein Trick: ein Versuch, durch ein kleineres Spielfeld Interesse an Situation und Figur zu erzeugen. Ein Versuch, der misslingt.

Das hat noch eine weitere Folge. Das Stück spielt an mehreren deutlich voneinander getrennten Orten. Bob Crowleys Bühnenbild findet zwar eine Lösung, sie beruht jedoch auf mühsamen, scheinbar endlosen Umbauten, begleitet von Schüben klassischer Musik. Eine größere Bühne hätte womöglich unmittelbare Übergänge in detailliertere Spielorte ermöglicht und die hier nötigen, holprigen Zwischenspiele überflüssig gemacht – die es letztlich nur gibt, damit die Crew Möbel abräumen und wieder hinstellen kann.

Herzstück von Crowleys Entwurf ist eine fluoreszierende Lichtskulptur, die von der Decke hängt, grob in Form eines menschlichen Gehirns. Sie leuchtet auf unterschiedliche Weise und in unterschiedlichen Farben, manchmal wechseln die Farben. Das ist sehr beeindruckend und erinnert fortwährend an eines der Themen des Stücks: die Frage nach den Beziehungen zwischen Geist und Gehirn sowie zwischen Geist und Körper – in beiden Fällen: „Ist das dasselbe?“

Der Text ist also komplex und dicht, vollgestopft mit Ideen; die Präsentationsmechanik des Abends hilft dem Publikum nicht gerade dabei, sich in den Text einzufühlen. Damit diese Produktion abhebt, müsste das Ensemble daher außergewöhnlich sein.

Leider ist es das nicht.

Die beste Leistung liefert Damien Molony als Spike: ein intellektueller Snob, der für jede Idee, die nicht zu seiner eigenen Denkweise passt, keine Zeit hat – und gelegentlicher Liebhaber der Hauptfigur Hilary. Spikes richtiger Name ist Spencer, und dass er sich Spike nennt, ist tatsächlich bezeichnend. Er hält sich für einen Frauenhelden (im Ernst: er glaubt, jede Frau wäre froh, mit ihm zu schlafen – sogar eine Lesbe in einer glücklichen Beziehung) und tritt in verschiedenen Stadien eher unwahrscheinlicher Entkleidung auf. Molony ist hervorragend als Bad Boy, und er trifft auch die zynische Seite eines Akademikers/Denker-Typs, der jene verachtet, die anderer Meinung sind, mit denen er aber keineswegs über dem Sex steht. Er verkörpert die Idee des Egoismus.

Der stets zuverlässige Anthony Calf macht sich die fantastisch reich gezeichnete Figur Jerry scheinbar mühelos zu eigen – ein Kopf, der mit hundert Sachen läuft und sich alle Optionen offenhält, welche philosophische Theorie oder welchen Begriff aus der Verhaltenswissenschaft er gerade interessant findet. Sein Interesse speist sich aus dem Einfluss, den Wissenschaft auf seine gewinnorientierten Hedgefonds-Pläne hat, und Calf glänzt darin, Jerrys nahezu eindimensionale Geldmaschine sichtbar zu machen. Er zeigt Anflüge von Altruismus, ist im Kern jedoch ein weiterer souveräner Egoist.

Es gibt einen dritten überzeugten Egoisten: den arroganten Amal, dessen Überlegenheitsgefühl grandcanyongroß ist – bis Jerry ihn effektiv für zwei Jahre auf die stille Treppe setzt. Parth Thakerar bringt Amal munter zum Leben. Zu Beginn teilt er Ansichten und eine Haltung, die Spike spiegeln; nach der Zeit auf Jerrys stiller Treppe könnte er seine Position jedoch überdenken, wie diese Passage zeigt:

“Ich handle nicht. Ich mache keine Pitches. Ich arbeite an den Computermodellen, die das Risiko steuern sollen. Solange sich der Markt selbst korrigiert, sehen die Modelle so aus, als würden sie funktionieren. In der Theorie ist der Markt ein Strom rationaler Handlungen von Menschen, die ihr eigenes Interesse verfolgen; also müsste Risiko berechenbar sein, und die Modelle lassen sich mathematisch so beweisen, dass sie ungefähr einmal in der Lebenszeit des Universums abstürzen. Aber hin und wieder wird das Verhalten des Marktes irrational, als wäre er verrückt geworden oder hätte sich verliebt. Das lässt sich nicht berechnen. Nur Computer berechnen. Also denke ich darüber nach.”

Angesichts dessen, dass Amal zu Beginn des Stücks glaubt, Computer könnten alles – und mehr – als ein Gehirn, ist das eine beträchtliche Positionsänderung. Thakerar zeigt Amals Weg vom starr-sicheren akademischen Standpunkt über persönliche Demütigung hin zum flexiblen, anpassungsfähigen Denker. Von den drei zentralen Egoisten entpuppt sich ausgerechnet Amal als der wärmste – einigermaßen unglaublich. Dass das funktioniert, ist Thakerars Verdienst.

Daneben gibt es eine Reihe weiterer Rollen mit unterschiedlich viel Gewicht: Jonathan Coys schmuddeliger-älterer-Mann-Head-of-Department Leo, der die Spike/Amal-Sicht auf Wissenschaft nicht teilt; Vera Choks Bo, so verzweifelt darauf bedacht zu gefallen, dass sie schlimme Dinge tut – deren Funktion im Plot völlig unglaubwürdig ist; und das eher unwahrscheinliche lesbische Paar aus Rosie Hilals Julia und Lucy Robinsons Ursula. Man vermutet, dass diese Figuren mehr sein sollen als bloße Plot-Marker; sie wirken wie Menschen, mit denen sich das Publikum identifizieren und um die es sich kümmern oder zu denen es einen Bezug finden kann. Doch das Spiel erzielt diese Wirkung nicht.

Eigentlich ist keine dieser Figuren sympathisch genug, um einen wirklich zu interessieren, was mit ihnen geschieht. Einige haben lächerlich offensichtliche Handlungsstränge, die im besten Fall banal, im schlimmsten Fall zum Lachen sind. Am schlimmsten aber: Die Art, wie diese Figuren mit Hilary interagieren, schmälert sie als Figur. Sie ist die Verkörperung des Altruismus – sie bräuchte jede Unterstützung, um sich in dem Becken wissenschaftlicher Haie zu behaupten, in dem sie schwimmt. Doch so wie sich die Handlung entfaltet, bekommt sie keine; vielmehr wird sie – zumindest durch Leo, Jerry und Bo – als grundsätzlich fehlerhaft vorgeführt.

Ohne eine transzendierende Darstellung der Hilary kann dieses Stück nicht funktionieren. Von der Darstellerin wird enorm viel verlangt – schwieriger Text, schwierige Situationen und schwierige Emotionen – und sie muss unglaubwürdige Plot-Entwicklungen navigieren sowie eine Kluft vorhersehbarer Sentimentalität, sobald die Karten fallen (was, sofern man nicht eingeschlafen ist, sehr früh im Stück passiert). Hilary in The Hard Problem zu spielen, ist eine monumentale Aufgabe.

Olivia Vinall bewältigt sie, aber eigentlich gerade so. Hilary verlangt innere Kraft, ein Leuchten des Geistes und eine stimmliche Beweglichkeit, die Vinall nicht mitbringt. Sie ist keine Emma Fielding und keine Carey Mulligan – um nur zwei Schauspielerinnen zu nennen, die dieser Rolle einst vielleicht wirklich gerecht geworden wären. Vinall arbeitet hart, und an ihrem Einsatz kann man nichts aussetzen, doch sie ist der gewaltigen Herausforderung, die Stoppard stellt, nicht gewachsen – und sie wird in keiner Weise von Hytners Regie oder der übrigen Besetzung unterstützt.

Am Ende aber liegt der größte Teil der Verantwortung bei Stoppard. The Hard Problem fügt sich als Theaterabend schlicht nicht stimmig genug zusammen. Es gibt nicht genügend Handlung und Figur, nicht genug Wärme, um das Tennis-Match aus wissenschaftlichen Prinzipien, Theorien und Grübeleien sehenswert zu machen. Anders als in Arcadia gibt es keine Überraschungen, keine bezaubernden Figuren, keine fesselnden persönlichen Begegnungen. Stattdessen ist The Hard Problem bevölkert von unsympathischen, schwer erträglichen Menschen, die schwierigen wissenschaftlichen Jargon von sich geben – in einem Meer aus sentimental vorhersehbarer Banalität. Es gibt eine Handvoll guter Witze, aber eine Handvoll reicht nicht. Die ausführlichen Anmerkungen im Programmheft boten mehr dramatisches Interesse als etwa 100 Minuten Spielzeit. Am Ende fühlte man sich wie die Bäckerfrau nach ihrer Begegnung mit Cinderellas Prinzen im zweiten Akt von Into The Woods: um zu zitieren: „War das alles?“