CRITIQUE : Bandstand, Papermill Playhouse ✭✭✭✭✭

Le Bandstand

Théâtre Papermill

15 octobre 2015

5 étoiles

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Cela commence dans l'obscurité. Des bruits sourds et indistincts brisent l'atmosphère. Des lumières vives et dures illuminent brièvement la scène. Deux hommes sont retranchés, blottis ensemble, liés par la peur et l'appréhension. Soldats. Une zone de guerre. Les explosions sont des obus de mortier ou des grenades. Mortel. À la lumière des explosions continues qui criblent le terrain, d'autres soldats sont repérés.

L'effet de foudre concentre l'attention à la fois sur les deux soldats blottis et sur autre chose. Un piano. Juste là, légèrement en avant des hommes : Peut-être leur objectif ? Peut-être l'incarnation de ce pourquoi ils se battent ? Peut-être une vision qu'ils retiennent ? Ou, comme cela se révèle finalement, tout cela et plus encore. Un autre stroboscope de lumière. Une autre explosion. De nouveau l'obscurité.

Ainsi commence Le Bandstand, une nouvelle comédie musicale actuellement à l'affiche au Théâtre Papermill. Les comédies musicales entièrement originales sont rares de nos jours. Habituellement, il semble de plus en plus souvent que les producteurs recherchent un livre, un film, une pièce de théâtre bien connus ou un répertoire de succès (parfois combinant ces éléments) pour fournir une base familière ou "fiable" pour une adaptation musicale. Matilda, Fun Home et Mrs Henderson Presents en sont des exemples récents.

Lorsque l'objectif est le pur divertissement, ou une franche comédie, les œuvres entièrement originales reçoivent plus de soutien, comme le démontrent Something Rotten et Le Livre de Mormon.

Mais il est bien plus rare de trouver une œuvre théâtrale musicale entièrement originale, racontant une histoire complexe et engageante sur fond d'événements réels, se concentrant sur des personnages fictifs totalement originaux, et qui propose une partition entièrement originale évoquant à fond le style et l'ambiance de la musique de l'époque à laquelle l'action se déroule.

Il est encore plus rare de trouver une telle œuvre proposant de nombreux rôles formidables, riche en perspicacité et en véritable cœur, qui fait rire et pleurer de joie, et qui véhicule un message politique fort. Plus rare encore, une telle œuvre où, dès que le rideau tombe sur le deuxième acte, vous avez envie de réécouter toute la musique immédiatement. Et d'acheter un billet pour revoir le spectacle.

Mais le voilà. Le Bandstand (Musique de Richard Oberacker, Livre et paroles de Robert Taylor et Richard Oberacker) est un tel spectacle : un triomphe sans équivoque à tous égards, magnifiquement écrit, superbement réalisé, impeccablement interprété, d'une totale captivation et absorption. Et il n'a pas encore été joué à Broadway – malgré sa qualité, les créateurs continuent de retoucher et de modifier, déterminés à polir ce diamant jusqu'à la perfection éclatante. Ils ne sont pas loin d'y parvenir, car déjà cette production de Le Bandstand surpasse la plupart des offres musicales actuelles du Great White Way.

Le metteur en scène Andy Blankenbuehler a accompli ici quelque chose de remarquable et d'électrisant. Avec David Korins (décors), Jeff Croiter (éclairages) et Paloma Young (costumes), Blankenbuehler crée un langage théâtral et une ambiance qui sont à la fois séduisants et puissants. La plupart du temps, le sens du théâtre, de la musique et de la guerre cohabitent, rappelant en permanence les cicatrices des batailles que portent les musiciens dont l'histoire se trouve au cœur de la comédie musicale. Occasionnellement, des scènes ou des vignettes vous perturbent du bonheur des clubs et night-clubs animés pour évoquer un monde de plaques militaires et de détresse. C'est habilement et intelligemment fait ; parfaitement exécuté.

L'histoire se concentre autour de Donny, qui revient du théâtre Pacifique de la Seconde Guerre mondiale ébranlé par la perte de son meilleur ami mais déterminé à réussir dans le monde de la musique. Donny a promis à son ami, Mike, que s'il arrivait quelque chose à Mike, il veillerait sur la femme de Mike, Julia. Mais il n'a pas le courage de le faire et ne tient pas parole, se concentrant plutôt sur sa musique.

Une compétition nationale le pousse à avancer. S'il peut la gagner, il y aura un film dans lequel son groupe sera la vedette. La compétition a un aspect patriotique et il lui vient l'idée de trouver des musiciens qui sont tous anciens militaires pour constituer son groupe. Grâce à des contacts, il trouve une équipe de musiciens talentueux, tous, d'une manière ou d'une autre, profondément troublés et affectés par leurs expériences personnelles de guerre. Mais ensemble, ils savent vraiment jouer, vraiment swinguer.

Finalement, Donny retrouve Julia qui s'avère être une chanteuse et parolière exceptionnelle, en plus d'être d'une beauté à couper le souffle. Une amitié se forme, alimentée par l'enthousiasme de la mère de Julia, Mme Adams, et renforcée par leur amour commun pour Mike. Avec l'aide de Julia, le groupe prend son envol et se trouve en réelle compétition pour gagner le prix.

Mais c'est une comédie musicale, il y a donc de nombreux obstacles en cours de route, mais aussi de belles surprises, et un rebondissement à la fin du spectacle qui est époustouflant. La force que le groupe trouve et a les uns pour les autres est profonde et imprègne l'action d'une joie indéniable. Chaque membre du groupe a son propre souvenir hanté, son propre secret, ses propres cicatrices, mais ensemble, à travers la musique qu'ils créent, et les soins et l'amour que chacun apporte aux autres, ils triomphent de façons inattendues.

Je ne me souviens pas d'une pièce de théâtre musical avec une telle beauté de surface vibrant et enivrante, mais qui traite de questions aussi difficiles et controversées : trouble de stress post-traumatique ; la façon insensible dont les militaires sont traités par les gouvernements qui les envoient à la guerre ; la déception brutale de l'industrie médiatique puissante. Le secret ici est que les personnages individuels qui affrontent ces grandes questions sont si multifacettes et complexes que les messages, aussi importants soient-ils, sont inextricablement liés à leur voyage de découverte. Il n'y a pas de réponses faciles, juste la foi, la musique, le soin, le rire, et l'indomptable esprit humain.

Corey Cott est presque incroyablement bon dans le rôle de Donny. Pratiquement constamment sur scène tout au long de la pièce, Cott apporte charme masculin, attrait séducteur, sens incontestable de l'aventure musicale et glamour hollywoodien à chaque aspect de sa prestation. C'est une superstar ici à tous égards.

Il serait facile de faire de Donny un vantard, macho bruyant avec un talent et un ego de la taille de Saturne, le genre de personnage sans cesse ressassé dans les films. Mais Cott, bien qu'il joue avec tous ces stéréotypes, ne lâche jamais les cicatrices de la guerre, la perte de Mike, ses sentiments de culpabilité - il montre Donny comme poussé à se racheter, à la fois garçon et homme, en terrain sûr mais en danger. Dans son chant et sa danse, Cott est parfait et séduisant, (il est irrésistible tout au long, mais surtout en conduisant Right This Way à la fin de l'Acte Un) mais c'est la profondeur de son jeu qui propulse cette performance au-delà des attentes.

Il y a une séquence où Donny joue du piano tandis que Julia chante. Cott ne dit rien, mais son visage et ses yeux véhiculent mille mots. À un autre moment, il a une chanson devant la chambre d'hôtel, Give Me A Reason, qui est un cours magistral de beauté subtile et douloureuse, un contrôle impeccable. Passion et douleur le poussent tout au long. Cott offre une performance qui, à elle seule, justifie d'assister au théâtre.

Mais il n'est pas seul. Loin de là. Dans tous les aspects, les performances ici sont de premier ordre à tous égards, et d'autant plus impressionnantes car les principaux acteurs doivent jouer correctement des instruments de Big Band, en plus de chanter et de jouer. Aucun ne tombe à aucun obstacle.

Dans le rôle de Julia, Laura Osnes est parfaite. Sa voix est chaleureuse de bout en bout et elle est superbe dans les grandes chansons puissantes ainsi que dans les passages musicaux plus intimes. Elle chante avec une beauté indiscutable, et gère toute la gamme des émotions de Julia - coquette avec un ukulélé, flirt maladroit en quelque sorte, jusqu'au chagrin déchirant lorsque Donny avoue finalement comment son mari a rencontré sa fin pendant la guerre. C'est une performance magnifiquement jugée tout au long, pleine de passion et de grâce. Et sa livraison finale de Welcome Home est l'un de ces moments éblouissants et inoubliables de l'histoire du théâtre musical - à la hauteur de Rose's Turn.

D'une certaine manière, elle est encore une chaperonne ici, mais il n'y a rien de somnolent dans la performance chaleureuse, tendre et simplement glorieuse que la talentueuse Beth Leavel offre dans le rôle de la mère de Julia, Mme Adams. Ouverte, honnête, affrontant son propre chagrin, Leavel est fascinante. Son hymne dans le deuxième acte, Everything Happens, est inspirant, non seulement pour la façon dont Leavel le chante (inégalable) mais aussi pour la manière dont il encapsule les espoirs de tous les personnages, et le pouvoir rédempteur de la musique. D'une beauté à vous couper le souffle.

Les hommes du groupe de Donny, qui deviennent ses frères dans la musique, sont uniformément formidables. Brandon J Ellis, James Nathan Hopkins, Geoff Packard, Joe Carroll et Joey Pero - chacun définit de manière nette et sûre leur musicien ex-militaire particulier et, au fil du spectacle, sans trop insister, ils sont guéris par leur manière de faire de la musique et établissent des amitiés tout à fait crédibles. Pour chacun, le voyage de I Know A Guy à Welcome Home est idiosyncratique, tendu et nerveux - mais toujours compréhensible et souvent très amusant. Musicalement, ils sont formidables et lorsque leur groupe se met à swinguer, il swingue vraiment. Un pur délice.

La partition contient de nombreux joyaux : Will That Be All?, You Deserve It, Where's The Harm In That?, Worth It, Right Away, Nobody, et l'extraordinaire Welcome Home. En vérité, cependant, il n'y a pas un seul numéro raté ici ; chaque chanson fait avancer l'intrigue ou les personnages et a son propre éclat musical et son zeste. C'est de la musique avec laquelle les gens voudront chanter et danser. Frais et irrésistiblement agréable ; principalement amusant, mais par endroits profondément émouvant, merveilleusement touchant. Cela devrait être connu comme l'une des grandes partitions du 21ème siècle.

Blankenbuehler chorégraphie aussi bien qu'il dirige et le résultat est que la danse fait autant partie du tissu de la narration que le chant et le jeu. La compagnie est précisément entraînée et les grandes pièces sont pleines de pas délicieux et captivants. Corey John Snide se démarque de l'ensemble, particulièrement dans les séquences de danse : son exécution virtuose est superbe. La danse contribue à l'ambiance "Big Band" des événements et se sent toujours intégrée, non plaquée.

C'est un chef-d'œuvre de théâtre musical. Il opère sur de nombreux niveaux à la fois, et réussit sur tous. Même le titre a une dualité - la pièce parle de se rendre au Bandstand, mais, tout autant, du Stand que le groupe finit par prendre.

Le Bandstand vous fera pleurer, vous fera rire, vous donnera envie de danser, vous donnera envie de chanter et, certainement, vous donnera envie de sauter sur vos pieds et d'applaudir. Il devrait faire de Cott une star de l'A-list et rehausser les réputations justement respectées de Osnes et Leavel. C'est la meilleure nouvelle comédie musicale entièrement originale depuis un certain temps.

Porté par l'espoir et animé par la musique, il vous fera vous sentir heureux d'être en vie.

Le Bandstand est à l'affiche au Papermill Playhouse jusqu'au 8 novembre 2015