RECENSIE: Candide, Komische Oper Berlin ✭✭✭✭

Julian Eaves recenseert Leonard Bernsteins Candide bij Komische Oper Berlin.

Candide. Foto: Monika Rittershaus CandideKomische Oper Berlin 22 augustus 2019 4 Sterren Boek Tickets Leonard Bernstein is een musicus die veel Berlijners nauw aan het hart ligt: dat bewees hij wel toen hij kort na de val van de Berlijnse Muur in 1989 naar de stad kwam voor een uitvoering van Beethovens 9e tijdens een openluchtconcert op de Rathaus Schöneberg. Dit was destijds de zetel van de West-Berlijnse senaat en precies de plek waar jaren daarvoor een andere populaire Amerikaan, John F. Kennedy, zich geliefd maakte met de legendarische woorden 'Ich bin ein Berliner'.  Lenny stond voor veel belangrijke waarden hier, in het bijzonder het vermogen om de last van het verleden te accepteren en te overwinnen, en om nieuwe bruggen van vriendschap en wederzijds begrip te slaan - twee kwaliteiten die in de huidige Amerikaans-Duitse betrekkingen niet direct opvallen. En zo, precies samenvallend met de 30e verjaardag van het einde van de Koude Oorlog en de 100e geboortedag van Bernstein, opende de KOB deze week haar gloednieuwe seizoen met een herneming van artistiek directeur Barrie Kosky's gedurfde en gewaagde enscenering van Bernsteins complexe hommage aan de Europese cultuur: zijn bruisende operette gebaseerd op Voltaires picareske vertelling over optimisme dat alle tegenspoed overwint.  (Het gezelschap heeft ook 'West Side Story' op het repertoire staan, die later dit seizoen weer te zien zal zijn.)   Er circuleren talloze versies van dit stuk, maar hier wordt de 'restoratie' van John Caird gebruikt. Deze versie, oorspronkelijk gemaakt voor het National Theatre in 1999 (alweer een jubileum!), blijft zo trouw mogelijk aan het origineel en wordt gebracht met de volledige orkestraties die Bernstein zelf maakte met Hershey Kay, aangevuld door Bruce Coughlin.  De partituur is een stuk coherenter dan het rammelende script, wat overigens een dappere maar niet volledig geslaagde poging is om dit episodische reisverhaal naar het toneel te vertalen.  De eindeloze onderbrekingen van Pangloss voelen hier als loden gewichten die de vaart uit het verhaal halen. In andere producties is er meer gedaan om deze volledig te integreren in de dialoog: Lie is een uitstekende zanger, maar zijn spreekstem mist variatie.  Desondanks krijgen we ook de rest van het uitzonderlijk grote en bekwame vaste ensemble te zien, dat wederom bewijst van wereldklasse te zijn. Vanaf de eerste maten van de sprankelende ouverture weten we dat we onder leiding van dirigent Jordan de Souza een zinderende en scherpe vertolking van de prachtige partituur kunnen verwachten.  De Souza kiest voor forse accenten, beukt in op de clusters van gierende houtblazers en laat de koperfanfares schallen met een energie en dreiging die doen denken aan de branie van Richard Strauss of de sardonische woede van Sjostakovitsj. Vervolgens brengen de strijkers langzaam warmte en romantiek in het muzikale palet, wat precies de complexe mix van stemmingen creëert die de komende drie uur wordt verkend.  Niets bereidt ons echter voor op de spectaculaire opkomst van het koor, dat eerst eerder te horen dan te zien is, ver achter ons - alsof ze vanuit het verre verleden tot ons spreken - in een kraakheldere vertolking van een soort volkskoraal (koorleider David Cavelius).  Voor degenen die het nog niet kennen: dit is musicaltheater van de hoogste plank dat constant verrast - ook al kan de meedogenloze enscenering vermoeiend worden. Het ontwerp van Rebecca Ringst is een nadrukkelijke en compromisloze 'black box' die, op een paar luidruchtige decorstukken na die af en toe het toneel op- en afrollen, vrijwel het enige is waar we de hele avond naar kijken.  Ze vult de ruimte regelmatig met rook - een beetje zoals D.W. Griffith de gaten opvulde in zijn epos over de Amerikaanse Burgeroorlog, 'Birth of a Nation' - en deze rook wordt prachtig uitgelicht door Alessandro Carletti.  De acteurs zijn door Klaus Bruns gestoken in een eclectische verzameling stijlen en tijdperken.  Je moet er zelf je mening over vormen, maar persoonlijk vind ik pruiken en rokken in zo'n meedogenloos, minimalistisch landschap het laatste wat je wilt zien.  Ze zijn er in overvloed, maar ze voelen gewoon niet goed aan.  Veel passender zijn naar mijn mening de diverse moderne kledingsstijlen die van tijd tot tijd verschijnen (zoals jaren '50 stijl of hedendaagse streetwear): deze herinneren ons eraan dat alle thema's van het verhaal - snobisme, pesten, migratie door oorlog, pest en armoede, hebzucht, slavernij, seksueel misbruik, prostitutie en moord - nog altijd pijnlijk actueel zijn.  Bruns' beslissing om de dansers in de Auto-da-fe-scène te presenteren als mannen in drag als Vegas-showgirls is een schot in de roos.  Ook de soldaten die luidruchtig op trommels slaan als een verwijzing naar de macho-chants van het moderne Amerikaanse leger, vielen erg in de smaak bij het publiek. Dit was een moment waarop het mixen van historische kostuums en modern gedrag briljant uitpakte. Foto: Monika Rittershaus Kosky's benadering van de regie is om de vaart er aanvankelijk zo goed mogelijk in te houden en elke scène een flink tempo mee te geven.  Hij blijft echter altijd trouw aan de partituur; zodra Bernstein gas terugneemt, doet hij dat ook.  Vooral in de latere, moreel verwarrende scènes neemt hij de voet volledig van het gaspedaal en laat hij het werk ademen.  De choreografie van Otto Pichler volgt hetzelfde pad, en er zitten elementen van opmerkelijke moderniteit in wat zij samen bereiken met dit verhaal.  Soms wanen we ons in de wereld van Roland Petit op zijn meest avontuurlijkst, of zelfs Pina Bausch. De Duitstalige versie van het libretto door Martin Berger is relatief nieuw en zingt prettig weg, maar veel van de humor gaat verloren (of dat nu door de uitvoering, de vertaling of de nuchtere instelling van het publiek komt, blijft de vraag).  Positief is dat de donkere elementen van deze serieuze enscenering veel gewicht in de schaal leggen en niet snel vergeten zullen worden.  De cast lijkt hier volledig op ingespeeld. Dat geldt nergens meer voor dan voor de titelrol in deze herneming, vertolkt door Johannes Dunz. Zijn 'matinee idol' uitstraling, atletische figuur (goed benut in lederhosen) en prachtige tenor vormen een krachtig humanistisch statement tegenover de grimmige enscenering.  De personages die de touwtjes in handen hebben, Dr. Pangloss, Voltaire en Martin (gespeeld door Tom Erik Lie), zijn minder geslaagd en neigen iets te veel naar karikatuur.  Dezelfde grove lijn typeert de vroege verschijning van Kunigunde, maar Meechot Marrero maakt alles goed zodra haar personage van haar voetstuk valt en 'Glitter and be gay' zingt als paaldanseres in een louche nachtclub.  Naast haar schittert Frederika Brillembourg als de Oude Vrouw in een heerlijke burlesque-rol; hun duet aan het begin van de tweede akte is oprecht grappig, zelfs in de ongemakkelijke setting.  Een ander sterk duo zijn Dominik Köninger als Maximilian en Maria Fiselier als Paquette: zij maken ook veel van hun diverse andere rollen. Dit is een immens, meanderend verhaal over een wereld in rep en roer (de vergelijking met Griffith was niet toevallig).  Andere opvallende spelers in dit turbulente relaas zijn de indrukwekkende Ivan Tursic (die meerdere malen de show steelt), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, de talentvolle nieuwkomer Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch en Sascha Borris.  Daarnaast zie je tientallen dansers en koorleden, en wanneer zij gezamenlijk in actie komen, levert dat een fabelachtig spektakel op.  De scène in Eldorado is betoverend, waarbij de donkere lucht gevuld is met langzaam neerdalende snippers glinsterend goud.  En het slotkoraal is werkelijk symfonisch van opzet en komt binnen als een mokerslag. Al met al een briljante start van een interessant jaar voor dit gezelschap en een waardige bijdrage aan de nagedachtenis van een van de meest opmerkelijke figuren uit de muziekwereld.  Nu te zien in Berlijn.