RECENSION: Candide, Komische Oper Berlin ✭✭✭✭

Julian Eaves recenserar Leonard Bernsteins Candide på Komische Oper Berlin.

Candide. Foto: Monika Rittershaus CandideKomische Oper Berlin 22 augusti 2019 4 Stjärnor Boka biljetter Leonard Bernstein är en musiker som står många berlinbor nära: inte minst bekräftade han detta när han kort efter Berlinmurens fall 1989 anlände till staden för att framföra Beethovens nionde symfoni vid en utomhuskonsert framför Rathaus Schöneberg, det dåvarande sätet för Västberlins senat, och samma plats där en annan populär amerikan, John F. Kennedy, år tidigare charmat staden med de berömda orden "Ich bin ein Berliner".  För människorna här kom "Lenny" att representera så mycket – särskilt förmågan att acceptera och övervinna det förflutnas börda och att bygga nya broar av vänskap och ömsesidig förståelse, två egenskaper som inte känns särskilt framträdande i dagens tysk-amerikanska relationer. Snyggt sammankopplat med både 30-årsjubileet av kalla krigets slut och 100-årsdagen av Bernsteins födelse, var Komische Oper (KOB) glada att denna vecka kunna öppna sin nya säsong med en nypremiär av konstnärlige ledaren Barrie Koskys djärva uppsättning av Bernsteins komplexa operett – en hyllning till den europeiska kulturen baserad på Voltaires pikareska berättelse om optimismens seger över motgångar. (KOB har även 'West Side Story' i sin repertoar och den kommer att spelas senare under säsongen.)  Det finns otaliga versioner av denna föreställning, men här använder man John Cairds trogna "restaurering" från 1999 (ännu ett jubileum!) skapad för National Theatre, som framförs med de utökade orkestrationer som Bernstein själv färdigställde tillsammans med Hershey Kay och Bruce Coughlin.  Musiken upplevs betydligt mer sammanhängande än det något spretiga manuset, som är ett modigt men inte helt lyckat försök att föra upp den episka äventyrsberättelsen på scen.  Pangloss evighetslånga avbrott fungerar här som sänken mot berättelsens flyt: andra produktioner har lyckats bättre med att väva in dem i dialogen. Lie är en utmärkt sångare, men hans talröst saknar variation.  Trots detta får vi njuta av den otroligt skickliga ensemblen som återigen visar sin världsklass. Redan från den sprudlande uvertyrens första takter inser man att dirigenten Jordan de Souza bjuder på en briljant och knivskarp tolkning av det praktfulla partituret.  Souza tar i med hårdhandskarna, krossar sig igenom träblåsarnas skrin och låter bleckblåset dundra med den sortens energi och fara man förknippar med Richard Strauss eller Sjostakovitjs sardoniska vrede; sedan ger stråkarna gradvis värme och romantik åt paletten och skapar just den komplexa mix av stämningar som de kommande tre timmarna utforskar.  Inget av detta förbereder oss dock på körens häpnadsväckande entré; de hörs innan de syns, långt bakom oss – de talar till oss som från ett avlägset förflutet – i en klar och ren folkkoral (kormästare David Cavelius).  För er som ännu inte känner till verket är detta musikteater av yppersta kvalitet som ständigt överraskar – även om den intensiva iscensättningen ibland kan kännas utmattande. Rebecca Ringsts scenografi består av en kompromisslös svart box, som med undantag för några bullriga vagnar som rullar in och ut, är i stort sett det enda vi ser under hela kvällen.  Hon fyller den ofta med rök – lite som D.W. Griffith i sina episka krigsfilmer – och röken ljussätts kärleksfullt av Alessandro Carletti.  Klaus Bruns har klätt skådespelarna i en salig blandning av stilar och epoker.  Man får bilda sig en egen uppfattning, men personligen känns peruker och bonjourer helt fel i ett så kargt och brutalt landskap.  De finns där i överflöd, men tycks inte höra hemma. Betydligt bättre fungerar de moderna inslagen (som 50-talsmode eller dagens streetstyle): dessa påminner oss om att berättelsens teman – snobbism, mobbning, migration, krig, pest, fattigdom, girighet och sexuellt utnyttjande – i allra högsta grad lever kvar än idag.  Bruns beslut att låta kårlinjen av dansare i Auto-da-fé-scenen bestå av män i dragkläder som Vegas-showgirls är ett rent genidrag.  Även soldaterna som kommer in och trummar extremt ljudligt i en blinkning till den moderna amerikanska arméns macho-ramsor gick hem hos publiken; här fungerade blandningen av historisk kostym och modernt beteende briljant. Foto: Monika Rittershaus Koskys regi går inledningsvis ut på att få fart på allting och addera så mycket tempo som bara går i varje scen.  Han är dock alltid trogen partituret, och när Bernstein saktar ner, gör Kosky det också.  Det är i de senare, mer moraliskt tvetydiga delarna av historien som han tillåter sig att lätta på gasen och låta verket andas.  Otto Pichlers koreografi gör detsamma, och det finns inslag av en anmärkningsvärd modernitet i deras gemensamma berättande.  Ibland känns det som att vi kliver in i en värld skapad av Roland Petit eller till och med Pina Bausch. Martin Bergers tyska översättning av librettot är relativt ny och tacksam att sjunga, men mycket av humorn går förlorad (om det beror på framförandet, översättningen eller den nyktra publiken är svårt att säga).  På plussidan väger de mörkare elementen i denna seriösa uppsättning tungt och kommer inte att glömmas i första taget.  Hela ensemblen verkar helt införstådd med det här. Ingenstans är detta tydligare än i titelrollen, spelad av Johannes Dunz. Hans utseende, atletiska figur (som gör sig bra i lederhosen) och fantastiska tenor är ett hoppfullt humanistiskt statement mot scenens dystra inramning.  Tom Erik Lies roller som Dr Pangloss, Voltaire och Martin är mindre lyckade och lutar åt karikatyr.  Samma grova penseldrag drabbar Kunigunda i början, men Meechot Marrero räddar allt när hennes karaktär faller från glansen och levererar 'Glitter and be gay' som en poledansare på en billig nattklubb.  Vid hennes sida är Frederika Brillembourg som den Gamla Damen en underbart burlesk karaktär, och deras duett i början av andra akten är genuint rolig, trots den obekväma miljön.  Ett annat lyckat par är Dominik Köningers Maximilian och Maria Fiseliers Paquette: de gör dessutom mycket av sina flera andra roller. Det här är en enorm, spretig berättelse som skildrar en värld i kaos (jämförelsen med Griffith var inte en slump).  Andra nämnvärda prestationer är den fantastiske Ivan Tursic (som flera gånger nästan stjäl showen helt och hållet), Timothy Oliver, Frank Baer, Saskia Krispin, den underbara nykomlingen Daniel Foki, Tim Dietrich, Matthias Spenke, Carsten Lau, Thaisen Rusch och Sascha Borris.  Utöver dessa bjuds vi på mängder av dansare och körmedlemmar, och när alla är i sving samtidigt skapas ett magnifikt skådespel.  Scenen i Eldorado är förtrollande, där den mörka luften fylls av sakta fallande flagor av glittrande guld.  Och den avslutande, ljuvliga koralen är rent symfonisk i sin omfattning och träffar rakt i hjärtat. Sammanfattningsvis: en stjärnglansig start på ett intressant år för kompaniet och ett värdigt bidrag till minnet av en av musikhistoriens mest märkvärdiga gestalter.  Spelas i repertoar.