ANMELDELSE: Marsha - A Girl Who Does Bad Things, Arcola Theatre ✭✭✭

Marsha - A Girl Who Does Bad Things

Arcola Studios 2

13/08/15

3 stjerner

Ved ankomsten til denne nyeste forestilling på Grimeborn Festivalen får vi udleveret en maske med et simpelt tegnet pigeansigt, som vi bliver bedt om at bære under forestillingen – og vi bliver instrueret i at sige 'dav til Marsha', hvis hun henvender sig til os. Inde i teaterstudiet sidder flere skuespillere allerede spredt blandt publikum iført forskellige masker, og bagvæggen er dækket af identiske, naive portrætter af den samme lille pige. Skuespilleren, der spiller hende, sidder med ryggen til og har travlt med at farvelægge dem med farvekridt. Er vi vidner til en ligefrem skildring af barndommen – en piges svar på Adrian Mole – eller noget helt, helt andet?

Lyset dæmpes, vi tager maskerne på, og Marsha (Tilly Gaunt) ruller en kunstgræsplæne ud. Hun præsenterer sig selv med en landlig dialekt, og det næste halve års tid følger en række tilsyneladende fortællende møder i en idealiseret – nærmest tegneserieagtig – landsbykulisse. Først med Mrs Hoare (Victoria Gray), den lokale købmand, så med en gnaven landmand, Mr MadDonald (Jessica Gillingwater), derefter med moderen Susan (Kerri-Lynne Dietz), der ikke vil have Tilly for tæt på barnet i barnevognen, og til sidst med Susan, hendes mand Jonny (Sarah Baillie) og Mrs Hoare, mens parret gør klar til at tage på ferie og efterlader deres barn i Mrs Hoares varetægt. Gennem store dele af handlingen sidder en enhjørning – eller i hvert fald en skuespiller (Rachel Baynton) i hvid dragt med et meget fredeligt udseende enhjørningehoved – roligt i den ene side af scenen, som om den våger over Tillys sikkerhed.

Men alt er ikke, som det ser ud i denne bevidst banale og naive idyl. En række distancerende effekter er til stede fra starten. Det er kun Marsha, der taler – alle hendes samtalepartnere synger i en form for forhøjet recitativ, der indimellem grænser til arioso uden nogensinde at folde sig ud i fulde melodier. Et soundtrack i baggrunden leverer passende lyde som akkompagnement til hver episode, og en række visuelle projektioner, i samme faux-naif-stil som baggrunden, giver en bogstavelig udlægning af de handlinger, der udspiller sig gennem tale og sang. Endelig fungerer maskerne som en omvending af det græske teaters tradition – i stedet for at fortælle os noget om karakterernes natur, konfronterer de Marsha med et billede af en verden, der er blevet til hendes eget spejlbillede.

Der begynder at opstå revner i den ellers så perfekte verden. Mr MadDonald er bestemt ikke den muntre Mr MacDonald-arketype, vi kender fra børnerimene, enhjørningen er måske eller måske ikke død, Susan frygter, at Tilly har en sygelig interesse for hendes spædbarn, og Mrs Hoare har muligvis fået børn til at forsvinde før. Gradvist svækkes vores tillid til, hvem og hvad vi skal tro på. Hvor finder man den pålidelige fortæller? Skjuler alle i stykket (og dermed i livet) sig blot bag den slags masker, som vi selv bærer?

Tonen bliver pludselig markant mørkere i de sidste tyve minutter. Under et mørke på scenen skifter de andre karakterer pludselig gear og afslører deres frygt for Marsha som en ondsindet skikkelse snarere end en personificering af uskyldighed. Da lyset vender tilbage, er Marsha fysisk forandret, og i resten af forestillingen bliver vi inviteret til at genoverveje alt, hvad vi hidtil har set. Var første halvdel en projektion, en fantasi eller et fordrejet minde? Er Marsha fri eller indespærret som følge af en forbrydelse? Er nogen af de holdepunkter, vi bruger til at orientere os i fortællingen, overhovedet hvad de gav sig ud for at være? Og hvis ikke, er alt hvad vi ved så til diskussion uden en endelig konklusion? Hvilket 'budskab' eller indhold skal vi tage med os fra forestillingen som helhed?

Det er dybe vande at begive sig ud i, og præcis som Marsha fortæller om en episode, hvor hun svømmer fredeligt i en sø, før vejret og fiskene omkring hende bliver truende, således efterlades publikum i en tilstand af forvirring ved slutningen. Vi klappede af en formidabel præstation i hovedrollen uden helt at vide, hvad vi ellers klappede af. Faktisk antydede det 'feedback-skema', vi fik med os hjem, at dette stadig i høj grad er et 'work in progress', der endnu mangler sin endelige form, og som muligvis kræver mere tid i værkstedet, før det præsenteres for et publikum.

Der er dog ingen tvivl om, at denne timelange forestilling fik os alle til at tænke grundigt over emner, der betyder noget i moderne opera, både teknisk og filosofisk. For det første er der spørgsmålet om, hvorvidt dette overhovedet er en opera, og dermed hvad opera betyder i dag. Figurerne, der synger til Marsha, lyder som om de er flygtet fra Brittens Peter Grimes eller Skruen strammes. De ophøjede, melismatiske og uledsagede passager antyder en understrøm af noget uhyggeligt og uspecificeret fordærv bag den polerede landidyl, men vi taler her snarere om 'underscoring' end et egentligt partitur – en stemningsopbygning som i filmmusik, frem for den uundgåelige, nødvendige overgang fra ord til musik, som forekommer mig essentiel i enhver definition af opera, såvel som i enhver form for musical. Lige nu er der stadig tale om en 'historie med musik'. Dernæst er der spørgsmålet om mening. Instruktør Martin Constantine og forfatter Alan Harris præsenterer aftenen som en meditation over betydningen af skønhed og uskyld med en antydning af, at vi alt for let forfalder til fordomme over for dem, som samfundet konventionelt definerer som grimme eller skyldige; mens skønhed og sandhed kan findes mange uventede steder – endda, og nogle gange i lige så høj grad, i de forstyrrede perspektiver hos de psykisk syge eller fysisk handicappede. Dette er vigtigt og udfordrende arbejde, der går mod strømmen – faktisk lige præcis det terræn, som moderne opera bør udforske. Men det står mig ikke klart, om Marsha i sin nuværende form er tilstrækkeligt tredimensionel til at føre os langt ned ad denne (selv)erkendelsens vej. De distancerende effekter, kloge og stimulerende som de er, efterlader det færdige produkt for todimensionalt, bogstaveligt talt som en leg med masker. For at kunne tænke over disse svære emner, er vi nødt til også at føle dem: Det dynamiske, transformerende øjeblik er teatrets unikke bidrag og berettigelsen for at bringe alle kunstarter sammen i opera – det Wagner kaldte 'totalkunstværket'. I sidste ende havde vi ikke nok kompleksitet i karakteren og detaljerne til for alvor at bekymre os om Marsha og hendes historie som en fortælling frem for blot som et koncept.

Så selvom dette er en udfordrende aften i teatret i ordets bedste forstand, fremstår den stadig ufuldstændig og ufærdig, og lægger op til yderligere bearbejdelse og refleksion fra både de meget dygtige medvirkende og de yderst reflekterede ophavsmænd.

Læs mere om Grimeborn Opera Festival på Arcola Theatre