RECENSIE: Marsha - A Girl Who Does Bad Things, Arcola Theatre ✭✭✭

Marsha - A Girl Who Does Bad Things

Arcola Studios 2

13/08/15

3 sterren

Bij aankomst voor dit nieuwste onderdeel van het Grimeborn Festival krijgen we een masker uitgereikt met de afbeelding van een ruw getekend meisjesgezicht. Ons wordt gevraagd dit tijdens de voorstelling te dragen en ook 'Hallo tegen Marsha' te zeggen als ze ons benadert. Binnen in de theaterstudio zitten al verschillende acteurs verspreid in de zaal met diverse maskers op, en de achterwand hangt vol met identieke, naïeve portretten van hetzelfde kleine meisje. De actrice die haar vertolkt, met haar rug naar ons toe, is druk bezig ze in te kleuren met krijtjes. Kijken we hier naar een ongecompliceerde weergave van de kindertijd, een meisjesvariant van Adrian Mole, of iets dat daar totaal van afwijkt?

De lichten gaan uit, we zetten onze maskers op en Marsha (Tilly Gaunt) rolt een kunstgrasveld uit. Ze stelt zichzelf voor met een plattelandsaccent (Devon?) en wat volgt is gedurende het eerste half uur een reeks verhalende ontmoetingen in een geïdealiseerd – bijna tekenfilmachtig – dorp. Eerst met mevrouw Hoare (Victoria Gray), de plaatselijke winkelier, daarna met een norse boer, meneer MadDonald (Jessica Gillingwater), gevolgd door een moeder, Susan (Kerri-Lynne Dietz), die niet wil dat Tilly te dicht bij de baby in de kinderwagen komt, en tot slot met Susan, haar man Jonny (Sarah Baillie) en mevrouw Hoare, terwijl de eersten zich klaarmaken om op vakantie te gaan en hun kind aan de zorg van mevrouw Hoare toevertrouwen. Gedurende een groot deel van de handeling zit een eenhoorn – of althans een acteur (Rachel Baynton) in een wit pak met een zeer goedaardig uitziend eenhoornmasker – rustig aan de zijkant van het podium, alsof ze de veiligheid van Tilly bewaakt.

Toch is niet alles wat het lijkt in deze bewust banale en naïeve pastorale idylle. Vanaf het begin zijn er verschillende vervreemdingseffecten aanwezig. Alleen Marsha spreekt – al haar gesprekspartners zingen in een vorm van verhoogd recitatief dat soms neigt naar arioso, zonder ooit uit te groeien tot een volledige melodie. Een soundtrack op de achtergrond zorgt voor bijpassende geluiden bij elke scène, en een reeks visuele projecties, in dezelfde faux-naif stijl als het decor, biedt een letterlijke weergave van de handelingen die via spraak en zang worden uitgebeeld. Tot slot vormen de maskers een omkering van de patronen uit het Griekse theater – in plaats van ons te informeren over de aard van de personages, presenteren ze Marsha een confronterend beeld van een wereld die volledig naar haar eigen beeltenis is gevormd.

Er verschijnen barsten in deze al te perfecte wereld. Meneer MadDonald is zeker niet het vrolijke archetype uit de kinderliedjes, de eenhoorn is wellicht dood, Susan vreest dat Tilly een obsessieve belangstelling heeft voor haar baby, en mevrouw Hoare heeft mogelijk kinderen laten verdwijnen. Gaandeweg ebt ons vertrouwen weg in wie en wat we moeten geloven. Waar is de betrouwbare verteller te vinden? Verbergt iedereen in het stuk (en bij uitbreiding in het leven) zich simpelweg achter het soort maskers dat wij zelf dragen?

De toon wordt plotseling aanzienlijk duisterder wanneer we de laatste twintig minuten van het stuk ingaan. In een black-out schakelen de andere personages plotseling om en onthullen ze hun angst voor Marsha als een kwaadaardige figuur in plaats van een belichaming van argeloze onschuld. Wanneer het licht weer aangaat, is Marsha fysiek niet meer wie ze was, en voor de rest van de voorstelling worden we uitgenodigd om alles wat we tot dan toe hebben gezien te heroverwegen. Was de eerste helft een projectie, een fantasie of een vertekende herinnering? Is Marsha vrij of opgesloten als gevolg van een misdaad? Zijn de verhaallijnen die ons houvast moeten bieden wel wat ze leken te zijn? En zo niet, staat alles wat we weten dan ter discussie, zonder uiteindelijke ontknoping? Welke 'boodschap' of inhoud moeten we uit de voorstelling als geheel meenemen?

Dit is diep water om in te waden, en net zoals Marsha vertelt over een moment waarop ze vredig in een meer zwemt voordat het weer en de vissen om haar heen grimmig worden, zo bevindt ook het publiek zich aan het einde in een staat van verwarring. We applaudisseerden voor een bravoure-hoofdrol zonder precies te weten waar we nog meer voor applaudisseerden. Het 'feedbackformulier' waarmee we naar huis werden gestuurd, suggereerde inderdaad dat dit nog volop een 'work in progress' is dat zijn definitieve vorm nog moet vinden, en dat mogelijk meer tijd in de workshop nodig heeft voordat het aan een publiek wordt getoond.

Er bestaat echter geen twijfel over dat dit een uur durende stuk ons hard aan het denken heeft gezet over kwesties die ertoe doen in de hedendaagse opera, zowel technisch als filosofisch. Allereerst is er de vraag of dit überhaupt een opera is, en wat opera tegenwoordig eigenlijk betekent. De personages die tegen Marsha zingen, klinken alsof ze zijn ontsnapt uit Britten's Peter Grimes of The Turn of the Screw. De hiëratische, melismatische onbegeleide zang zinspeelt op een onderstroom van griezeligheid en ongespecificeerd kwaad achter een ogenschijnlijk goedaardige plattelandsidylle. Maar we hebben het hier meer over een 'underscore' dan over een partituur; een versterking van de sfeer zoals in filmmuziek, in plaats van de onvermijdelijke, noodzakelijke overgang van woord naar muziek die mij essentieel lijkt voor elke definitie van opera, evenals voor elke vorm van muziektheater. Momenteel spreken we nog van een 'verhaal met muziek'. Daarnaast is er de kwestie van betekenis. Regisseur Martin Constantine en schrijver Alan Harris presenteren deze avond als een meditatie over de betekenis van schoonheid en onschuld, met de suggestie dat we maar al te gemakkelijk vervallen in vooroordelen tegenover hen die de maatschappij conventioneel als lelijk of schuldig definieert; terwijl schoonheid en waarheid op veel onverwachte plekken te vinden zijn – en soms net zo goed in de vertekende perspectieven van mensen met een mentale of fysieke beperking. Dit is belangrijk en uitdagendgend werk dat tegen onze intuïtie ingaat – precies het terrein dat hedendaagse opera zou moeten verkennen. Maar het is mij niet duidelijk of Marsha in haar huidige vorm voldoende driedimensionaal is om ons ver mee te nemen op deze weg van (zelf)ontdekking. De vervreemdingseffecten, hoe slim en stimulerend ook, laten het eindproduct te tweedimensionaal, letterlijk een spel van maskers. Om over deze moeilijke onderwerpen te kunnen nadenken, moeten we ze ook voelen: dat dynamische, transformerende moment is de unieke bijdrage van theater en de rechtvaardiging om alle kunstvormen samen te brengen in opera – wat Wagner zijn 'Gesamtkunstwerk' noemde. Uiteindelijk was er te weinig diepgang in karakter en detail om echt om Marsha en haar verhaal te geven als verhaal, in plaats van als concept.

Dus hoewel dit een uitdagende avond in het theater is in de beste zin van het woord, blijft het onvoltooid en nodigt het uit tot verdere revisie en reflectie door de zeer bekwame performers en de uiterst bedachtzame makers.

Lees meer over het Grimeborn Opera Festival in het Arcola Theatre