RECENSIE: A Day In The Death Of Joe Egg, Trafalgar Studios ✭✭✭

Julian Eaves recenseert A Day In The Death Of Joe Egg van Peter Nichols, nu te zien in de Londense Trafalgar Studios met Toby Stephens en Claire Skinner

Claire Skinner, Storme Tollis, Clarence Smith, Lucy Eaton, Toby Stephens. Foto: Marc Brenner A Day In The Death Of Joe Egg Trafalgar Studios,

2 oktober 2019

3 Sterren

Boek Nu

Er was niets dat Peter Nichols (die slechts enkele weken geleden op 92-jarige leeftijd overleed) niet wist over dramatische constructie, tempo en dialogen die natuurlijk vloeien en zich uitstekend laten spelen.  Dit stuk uit 1967 is een perfect voorbeeld van hoe je de basiselementen van theatercreatie omzet in briljante, vloeiende conversaties en sprankelende actie.  Regisseur Simon Evans begrijpt dit en heeft duidelijk meer plezier met deze voorstelling dan onlangs met het wat stroevere 'The Best Man': dit is een scherpere, vlottere en energiekere ervaring die hem bestempelt als een specialist voor drama uit deze periode.

Lucy Eaton. Foto: Marc Brenner

En die periode is overal voelbaar.  Het ontwerp van Peter McKintosh (decor en kostuums) oogt als een pagina uit een oud woonmagazine, een tikkeltje scheefgetrokken door pop-artachtige illustraties op de muren, maar de meubels en details zijn volkomen raak en vlekkeloos.  Dit is de ambitieuze middenklassewereld van kantoorlui 'thuis', gepresenteerd met evenveel oog voor detail als een chique recept in de Libelle uit die tijd.  Hoewel, wanneer Toby Stephens - als Bri, het alter ego van de auteur in dit sterk autobiografische verhaal - de voorstelling opent met een stand-up routine als een getergde leraar die tegen een klas vol lastige kinderen schreeuwt, begint de discrepantie op te vallen tussen de theatrale experimenteerdrift van de tekst en de wat saaie, letterlijke enscenering van McKintosh.  Naarmate het stuk vordert en elk personage om de beurt - met een subtiele lichtwisseling van Prema Mehta en een geluidseffect van Edward Lewis - uit het 'verhaal' stapt en rechtstreeks tegen het publiek praat, voelt de beklemmende 'normaliteit' van het keurige decor steeds ongemakkelijker aan (ondanks dat het hier en daar kan draaien en schuiven).

Storme Toolis. Foto: Marc Brenner

Maar dat is altijd het probleem geweest bij veel Brits theater.  Geweldige teksten, maar een deprimerend voorspelbaar en saai decorontwerp.  Stephens raast door zijn eindeloze grappen en grollen, maar blijft gevangen in de stoffige sfeer van een vervlogen tijdperk.  Claire Skinner, als zijn vrouw Sheila, heeft de ondankbare taak om de 'serieuze' tegenpool te spelen voor zijn onophoudelijke komische acts, maar ze maakt daar een deugd van met haar koele beheersing en oprechte tederheid.  Clarence Smith, als de avondbezoeker Freddie, krijgt de grootste lach van de avond met zijn tekst - die, zoals bijna alles wat gezegd wordt, rechtstreeks voortkomt uit de getroebleerde psyche van Nichols: 'Praat ik te hard? Ik verhef altijd mijn stem als ik mensen help'.  Dat is een werkelijk briljante zin, maar het effect wordt gesmoord door de onuitstaanbare burgerlijke charme van de woonkamer waarin deze uitgesproken moet worden.  Serieus: er zijn betere Britse ontwerpen op het toneel te vinden - waarom niet hier?

Toby Stephens en Patricia Hodge. Foto: Marc Brenner

Lucy Eaton, die zijn vrouw Pam speelt, moet opboksen tegen een onberispelijk kapsel (ik vermoed een pruik) van Carole Hancock, een prachtige gele jas en een hippe gestreepte jurk met kniehoge bruine leren laarzen: ik bedoel, ze ziet er fantastisch uit, maar waarom moet alles om haar heen er even fantastisch uitzien?  De weelderige flauwte werkt verstikkend en ontneemt de taal haar scherpte.  Patricia Hodge vergaat het iets beter; als volleerd comédienne haalt ze alles uit haar optreden in de tweede akte, maar misschien komt dat alleen omdat ze minder lang op het toneel staat en daardoor minder wordt opgeslokt door de omgeving.  Van de hele cast wijkt alleen Storme Toolis radicaal af van de behaaglijke sfeer.  Als actrice met een beperking speelt zij de rol van Bri en Sheila's dochter, die opgroeit met een gecompliceerde medische aandoening die slechts één keer bij naam wordt genoemd.  Haar manier van spelen is zo krachtig en anders dat ze een fascinerende verschijning wordt: ze gebruikt stilte, lichaamshouding en mimiek op een manier die - afgaande op deze productie - de rest van de cast volledig vreemd lijkt te zijn.

Foto: Marc Brenner

Ik vermoed dat dit een verkeerde indruk is.  Dit zijn zeer goede acteurs en ik weet zeker dat ze - mits ze de kans krijgen - veel meer kunnen dan deze regisseur van hen vraagt.  Maar hoe vaak vragen Britse regisseurs acteurs nu echt om zichzelf te stretchen en het publiek te verrassen?  En hoe vaak nodigen ze hen alleen maar uit om iets veiligs, warms en vertrouwds te serveren?  Herinnert iemand zich Artaud nog?  Wordt hij überhaupt nog gelezen?  Is er nog iemand die vindt dat theater opwindend, scherp en riskant moet zijn?  Ja, die regisseurs zijn er, en ik heb sommigen van hen in dit theater aan het werk gezien, maar helaas niet bij deze gelegenheid.  Als technische oefening in het tonen van Nichols' perfecte beheersing van de vorm is hier weinig op tegen; maar als een drama dat van hart tot hart spreekt, heeft het naar mijn mening nood aan iets meer openheid en eerlijkheid.