RECENSIE: Henry V, Temple Church ✭✭✭✭

Andrew Hodges en Freddie Stewart. Foto: Scott Rylander Henry V

Temple Church

24-08-15

Ik denk dat de meeste theaterbezoekers nog levendige herinneringen hebben aan de eerste keer dat ze een uitvoering van Henry V zagen. Telkens wanneer ik een acteur de woorden ‘O for a muse of fire!’ hoor uitspreken, word ik onmiddellijk teruggevoerd naar dat betoverende moment in mijn jeugd toen ik voor het eerst de film van Olivier zag... de panoramische opname over het Londen van de Tudors, Waltons levendige muziek van hoofse pastiche, en de eerste aanblik van de ‘wooden O’. Voor anderen is het misschien de modderige maar nog steeds heroïsche filmversie van Kenneth Branagh, of de anti-oorlogsproductie van Hytner-Lester van zo'n tien jaar geleden. Weinigen van ons kunnen naar dit stuk kijken zonder een hele reeks vooroordelen, en dapper is de regisseur die op zoek gaat naar een manier om iets nieuws te zeggen over dit stuk dat we allemaal denken zo goed te kennen. Toch is dat precies wat Antic Disposition en de regisseurs Ben Horslen en John Risebero hebben weten te bereiken in een van de meest indrukwekkende heropvoeringen van een Shakespeare-stuk die ik de afgelopen jaren heb gezien. Ze doen dit bovenal door in hun visie de dubbelzinnigheden te erkennen en te omarmen die de kern van het stuk vormen, zodat het geen simplistische viering of afwijzing van de oorlog is, maar een erkenning dat oorlog onlosmakelijk verbonden is met het menselijk bestaan. Het is kenmerkend voor Shakespeares ruimdenkendheid dat het stuk de fascinatie en aantrekkingskracht van de hoge politiek omvat, terwijl het ook de gevolgen toont van die beslissingen voor zowel de gewone man en vrouw als de koning – de pracht en de jammerklacht, de dunne scheidslijn van angst tussen mislukking en triomf, overleven of sterven.

Andrew Hodges, Alex Hooper, Freddie Stewart en James Murfitt. Foto: Scott Rylander

De setting in de Temple Church had niet bevorderlijker kunnen zijn met haar resonerende lagen Engelse geschiedenis. Naast de graftombes van Tempelridders en de baronnen die de Magna Carta afdwongen, is het decor opgesteld in de breedte tussen de kerkbanken. Op een verhoogd platform dat aan beide uiteinden open is, ligt een verspreide verzameling munitiekisten en medische voorraden. Twee soldaten komen op in uniformen uit de Eerste Wereldoorlog, een Fransman en een Engelsman. Daarna een Franse verpleegster. Bekende communicatieproblemen volgen, eindigend met de Engelse soldaat die zijn Franse tegenhanger een exemplaar van Shakespeares toneelstuk geeft. We bevinden ons in een geallieerd veldhospitaal in Azincourt achter de linies, en beide contingenten spreken af om een voorstelling op te voeren om de tijd te doden. Maar voordat we de proloog bereiken, introduceren een accordeon en piano George Butterworth’s compositie van A.E. Housmans ‘The lads in their hundreds’, en bovenop Shakespeares geïnspireerde retoriek krijgen we nog een resonerende laag van hoofse spijt, geschreven vlak voor de Eerste Wereldoorlog. Dit was in zoveel opzichten treffend – zowel dramatisch, esthetisch als historisch – dat het me dezelfde schok van geestverruimende ervaring gaf die ik me herinner van de Olivier-film van al die jaren geleden. Een groter compliment aan de aanpak van de openingssequentie kan ik niet geven.

En toen zaten we in het stuk zelf, maar voordat ik de kwaliteiten van de productie bespreek, is het de moeite waard om te benadrukken dat het scenario van de Eerste Wereldoorlog altijd als referentiepunt blijft bestaan. Verdere toonzettingen van Housman, in de muzikale stijl van het Edwardiaanse tijdperk, breken in op de actie om emoties op cruciale momenten te vangen, en de ervaring van het recente conflict dringt zich ontroerend en passend op in de uitvoering op significante momenten – zoals het moment waarop Bardolph wordt geëxecuteerd voor plundering en de acteur die de rol speelt in een stuip in elkaar zakt. Het gebeurt zelden dat een gezelschap een nieuw concept zo grondig integreert in een Shakespeare-stuk – te vaak is het louter een gebaar – maar hier is de aandacht voor detail enorm indrukwekkend en fantasierijk, terwijl het toch comfortabel aansluit bij de geest van het origineel.

Zoals gebruikelijk bij dit gezelschap is er een uniform hoog niveau van individuele prestaties en ensemble-spel. De overgangen tussen de scènes zijn zeer goed geregeld en hoewel de ruimte beperkt is, hebben de regisseurs deze zeer flexibel gebruikt met een minimaal maar fantasierijk gebruik van rekwisieten (bijv. een doos verband voor tennisballen, cakevormen voor kronen enz.). Ik vroeg me af hoe ze de grote veldslag zouden aanpakken, maar ook hier bood het omlijstende scenario de oplossing in de vorm van een plotselinge artilleriebeschieting buiten de coulissen, nog een lied van Housman en het geschal van een klaroen... het moment werd vastgelegd en voelbaar gemaakt zonder het daadwerkelijk te hoeven tonen.

Freddie Stewart en Louise Templeton. Foto: Scott Rylander

De beperkingen van een recensie voorkomen dat ik recht kan doen aan de reeks uitstekende vertolkingen die hier worden geboden, waarbij diverse acteurs meerdere rollen op zich nemen. Het volstaat te zeggen dat zowel de politieke scènes als de komische scènes even goed uit de verf kwamen, wat bij dit stuk zeker niet altijd het geval is. Ook de nationalistische stekeligheden onder de soldaten gingen niet vervelen, zoals wel eens gebeurt. De tekst was goed verstaanbaar en werd versterkt door vloeiend spel op het toneel, vooral in de scènes in de nacht voor de slag, toen de kameraadschap en de gekscherende zenuwachtigheid van het origineel en de moderne setting bijzonder goed in elkaar overvloeiden.

Het was een waar genoegen om voor de verandering echte Franstaligen de rollen van het Franse koningshuis te zien spelen: er was een oprecht, geloofwaardig politiek tegengewicht voor de Engelse strijdkrachten, en de rivaliteit tussen de Dauphin en de Constable werd getoond op een manier die normaal gesproken niet gebeurt. Floriane Andersens Katherine speelde verrukkelijk met de taalcassades die Shakespeare voor haar schrijft, en ze was meer dan een partij voor Freddie Stewarts Henry V in hun hofmakerij-scène.

Stewarts vertolking bezat veel van de kwaliteiten die nodig zijn voor succes in deze rol. Hij was van nature gezaghebbend in de politieke en publieke scènes, en in de scène van de hofmakerij combineerde hij flirterigheid, humor en ongemakkelijkheid in gelijke en verrukkelijke mate – hij bezit zonder twijfel de ‘sugar touch’. In de incognito ruzie met Williams (Alex Hooper), cruciaal voor elke productie van dit stuk, had hij de toon volledig onder controle en tegenover zijn troepen was hij de geloofwaardige belichaming van ‘a little touch of Harry in the night’.

Ik heb echter een voorbehoud bij zijn behandeling van de beroemde monologen, een voorbehoud dat breder getrokken kan worden naar de manier waarop Shakespeariaanse paradepaardjes tegenwoordig over het algemeen worden gebracht. Hoewel naturalisme op het toneel je ver brengt, werkt het niet bij deze hoogdravende staaltjes retoriek, die expliciete kristallisaties zijn van specifieke emoties, geen beschrijvingen ervan. Een naturalistische benadering eindigt dan als schreeuwerig en monotoon, zonder op een betekenisvolle manier te boeien. De acteur moet deze gestileerde toespraken echt interpreteren en vormgeven alsof het muziekstukken zijn waarmee je het publiek in vertrouwen neemt. Hoewel ik de weerstand van jongere acteurs tegen de zelfbewuste ‘stemkunst’ in de stijl van Olivier en Gielgud begrijp, kan het ook zonder de rest van je personage geweld aan te doen. De oudere acteurs in het gezelschap – zoals Geoffrey Towers (Exeter) en Louise Templeton (Mistress Quickly) gaven het goede voorbeeld; vooral Templetons evocatie van de dood van Falstaff was subtiel en ontroerend door simpelweg het natuurlijke ritme van de tekst te volgen en niet te forceren. Zoals Jonathan Bate ooit zei: ‘De sleutel tot dramatische kunst is onoprechtheid.’ Kunstgrepen kunnen tot kunst worden verheven, en het publiek zal die speciale ruimte op dat moment graag met je delen...

Dit is slechts een klein puntje van kritiek op wat een totaal meeslepende theateravond is die velen van ons in het publiek opnieuw liet nadenken over dit ogenschijnlijk zo bekende stuk. Ik hoop echt dat ze de kans krijgen, hier of elders, om deze prachtige herinterpretatie van een van Shakespeares grootste prestaties te hernemen. Terwijl de cast in formatie de donkere nissen van de Temple Church in marcheerde richting de liggende ridders, kon je hen niet langer loskoppelen van de lange traditie van ridderschap die zich uitstrekt van Chaucers Knight’s Tale, via Shakespeares koningsdrama’s tot de verdoemde infanterie van Housman:

‘They carry back bright to the coiner the mintage of man.

The lads that will die in their glory and never be old.’

Henry V speelt tot 5 september in de Temple Church