RECENSIE: Sunday In The Park With George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

National Youth Music Theatre in The Other Palace,

zaterdag 19 augustus 2017

Andrew Lloyd Webber, die er de nodige ervaring mee heeft, zegt altijd dat het moeilijkste aan musicals het enorme aantal verschillende elementen is. Om die allemaal te laten samenwerken tot één harmonieus geheel is ontzettend lastig: het vereist bloed, zweet en tranen, en ook een flinke dosis geluk. Er kan van alles misgaan, en dat gebeurt ook regelmatig; maar áls alles klopt... dan is het resultaat fenomenaal. In het geval van deze hoofdproductie van de NYMT — een van zijn favoriete gezelschappen en inmiddels een vaste waarde tijdens hun zomerseizoen op deze locatie (evenals in vele andere grote theaters door het hele land) — is die grootsheid absoluut bereikt.

Regisseur Hannah Chissick, die vorig jaar een daverend succes oogstte met de NYMT-revival van Ben Tills prachtige epos over de Eerste Wereldoorlog, 'Brass', in het Hackney Empire, keerde terug naar het gezelschap met een scherp inzicht in hoe de groep functioneert — en hoe ze het allerbeste uit de getalenteerde jonge acteurs en musici uit het hele land kan halen. Samen met de ervaren choreografe Sam Spencer-Lane, de voortreffelijke ontwerper Matt Kinley, veteraan in lichtontwerp Mike Robertson en de vooraanstaande sound designer Avgoustas Psillas, hebben Chissick en de onvermoeibare producent Jeremy Walker een topteam van professionals samengesteld om het werk van deze jongeren te ondersteunen. En ze hebben nog een troef achter de hand: de aanstormende muzikaal leider Alex Aitken. Zijn werk voor 'Brass' vorig jaar trok landelijk de aandacht, en hier verricht hij wonderen door vanaf het keyboard op de galerij achteraan het toneel de orkestpartijen terug te brengen tot een intiem kamerensemble van zes musici (Michael Madigan, 18, rietblazers; Emilia De St Croix, 18, en Jamie Faulkner, 21, viool; Ellie Blight, 19, cello; Chris Poon, 21, toetsen 2), waardoor de focus van de luisteraar volledig op de stemmen van de acteurs komt te liggen.

Dit stuk gaat over de uitdagingen van de kunst en eist niets minder dan volledige artistieke overgave van het creatieve team, de cast en de band. Gezien door de brekende prisma van een van de meest curieuze en intrigerende Franse meesterwerken uit de late 19e eeuw, Georges Seurats 'Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte', is het een deels autobiografische en fantasierijke interpretatie van de verhalen die wel of niet schuilgingen achter de compositie van figuren zoals we die kennen uit het voltooide schilderij, dat sinds 1924 in het Art Institute of Chicago hangt. Seurat is beroemd om zijn divisionistische (pointillistische) methode, wat in het scherpzinnige en levendige script van James Lapine herhaaldelijk aan bod komt, maar wat mij betreft is Seurat vooral fascinerend door de manier waarop hij de eerbiedwaardige Franse tradities van de schilderkunst voortzet, met name waar het personages en vertelling betreft.

Net als Antoine Watteau, de grondlegger van het Franse pastorale genre, schetste Seurat eindeloos individuen om vervolgens rigoureus te kiezen wie hij met wie combineerde in een ensemble op het doek. In tegenstelling tot de gedisciplineerde principes van de impressionisten, die erop stonden alleen te schilderen wat ze feitelijk zagen, draaide het bij hem om waarnemen en vervolgens verbeelden wat hij kon maken van vele verschillende, vaak tegenstrijdige impressies. In die zin, wat betreft zijn gevoel voor vorm en structuur, heeft hij veel gemeen met zijn dramatische biograaf Sondheim, die in hem en zijn levensinstelling een metafoor vindt voor zijn eigen passie en creatieve lot. Zo is dit niet zomaar een musical, maar een onderdeel van een groots gesprek dat eeuwen overbrugt en continenten beslaat: het gaat in feite over de mensheid zelf.

Deze enorme filosofische reikwijdte is voor volwassenen al lastig te bevatten, laat staan over te brengen. Juist daarom is deze productie zo verbijsterend goed als je kijkt naar de perfectie die dit gezelschap bereikt. In de hoofdrollen toont Laura Barnard (21) vanaf het begin autoriteit en maturiteit als de muze van de kunstenaar, Dot. Het is de meest gelaagde rol — ze moet ook haar bejaarde dochter spelen in de tweede akte, om daarna als haar eigen geest terug te keren — en bovendien de meest veeleisende rol. Met vocale en dramatische kwaliteiten van het hoogste niveau laat Barnard zien dat ze tot de beste vertolkers van deze rol behoort die we in dit land hebben gezien. Naast haar is de minder sympathieke rol van Georges, met een verbluffende geloofwaardigheid gespeeld door de 19-jarige Thomas Josling, een mijnenveld aan uitdagingen. Geen daarvan vormde echter een probleem voor deze vakbekwame acteur met zijn volle, perfect gecontroleerde stem en het inzicht om de turbulente mix van jeugdige energie en ijzeren toewijding van de kunstenaar tot leven te wekken. Samen zorgen ze ervoor dat je volledig gelooft in wie ze zijn en wat ze doen.

En in zekere zin is dat waar het stuk over gaat. Hoewel het vrij conventioneel begint en de herkenbare structuur van musicaltheater lijkt te volgen, voert het ons gaandeweg steeds verder weg van het bekende. Uiteindelijk belanden we op volstrekt onontgonnen terrein en — het mooiste van alles — wij als publiek zijn bereid om de voorstelling overal te volgen waar ze ons mee naartoe wil nemen.

De reden voor het succes van deze productie is dat het de intentie van het werk door en door begrijpt. Geen enkel detail is overbodig; alles is verdiend. Zelfs een plotselinge flard toneelrook wordt gerechtvaardigd door een terloopse verwijzing in de tekst. Dat geldt voor elk visueel onderdeel van de mise-en-scène, van de elegant bewegende ezels tot de doeken die de hele universum van deze mensen vormen. Er is geen beweging van een acteur op het toneel die niet bijdraagt aan de welbespraakte kracht achter deze zelfverzekerde en suggestieve uitvoering. Kortom: dit gaat niet alleen over 'Kunst', het is een dialoog over wat theater is.

In de schaduw van de hoofdrollen schitteren de meer conventionele Jules (Adam Johnson, 20) and Yvonne (Florence Russell, 19): zij spelen de 'Snows' tegenover de 'Bigelows' van de anderen. Zij maken deel uit van Sondheims verhandeling over de essentie van musicaltheater en zijn eigen relatie daarmee. De diverse paren personages om hen heen lijken bijna bezoekers uit andere werken die hij daarvoor of daarna schreef: de Old Lady (Eloise Kenny-Ryder, 19) en haar Nurse (Lucy Carter, 18) lijken zo uit 'A Little Night Music' te zijn weggelopen, terwijl de Soldiers (Marcus Harman, 18 en Scott Folan, 17) elk moment in de prinsen uit 'Into The Woods' kunnen veranderen. En zo gaat het maar door: overal zien en horen we echo's van Sondheims brein. Maar misschien is dat wel wat we allemaal ervaren als we naar kunst kijken? Wat vraagt kunst immers anders dan een intellectuele en emotionele reactie.

Het hele gezelschap werkt samen om dit mogelijk te maken. Louise (Kiera Milward, 13); de twee Celestes (Ellie Green, 17, en Aliza Vakil, 19); Louis (Thomas Mullan, 17); de hilarische 'musical-comedy' Amerikanen, Mr (Alfie Richards, 17) and Mrs (Lucy Coyle, 19); en hun personeel, Franz (Michael McGeough, 21) and Frieda (Lydia Crosher, 20); de Boatman (Matt Pettifor, 20); Boy Sitting (Paul French, 16); Woman Standing (Lydia Clay-White, 17); Purple Dressed Woman (Heather Conder, 20); Kneeling woman (Kitty Watson, 19) en de Horn Player (Alex Stephenson, 21) vormen samen een briljant vloeiend en harmonieus ensemble dat het verhaal met meesterlijke overtuiging vertelt.

Wanneer het verhaal in de tweede akte honderd jaar later naar Chicago verplaatst — en iedereen een andere rol speelt! — houdt het ontwerp van Kinley de boel prachtig bij elkaar. Zijn spaarzame gebruik van kleur in een verder monochrome wereld doet het publiek snakken naar niet alleen kleur, maar naar een eerlijk en betekenisvol gebruik ervan. De kille parodie op de moderne 'installatie' die door de nazaat van de schilder (eveneens gespeeld door een onherkenbare Thomas Josling) en zijn technische handlangers is opgezet, de Chromolume, is eerder triest dan lachwekkend. De melancholie vloeit voort uit de frustratie van een maker die weet dat hij de weg kwijt is en niet in staat is om iets met diepgang uit te drukken. Hiervoor moeten we terugkeren naar het mooiste moment van het stuk — zoals ook aan het eind van de eerste akte — naar het transcendente koraal 'Sunday'. Dit stuk is zo krachtig humanistisch dat het alles wat eraan voorafging wegvaagt en met enorme passie rechtstreeks tot het hart spreekt.

Ja, er zijn nog steeds mensen die beweren dat er geen 'emotie' in het werk van Stephen Sondheim zit. Zij hebben dit stuk duidelijk nooit gezien. Dat zouden ze wel moeten doen. En wellicht krijgen ze binnenkort een nieuwe kans. Ondertussen zal de herinnering aan deze briljante NYMT-productie blijven voortleven in de harten van degenen die het geluk hadden erbij te zijn. Voor wie het gemist heeft: probeer alsjeblieft tijd vrij te maken voor de producties van dit verbazingwekkende jonge gezelschap. Je leven zal nooit meer hetzelfde zijn.

ONTDEK MEER OVER NYMT