ĐÁNH GIÁ: Sunday In The Park With George tại The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

Đoàn Nhạc kịch Thanh niên Quốc gia (NYMT) tại Nhà hát The Other Palace,

Thứ Bảy ngày 19 tháng 8 năm 2017

Andrew Lloyd Webber, một bậc thầy trong làng nhạc kịch, từng chia sẻ rằng điều khó khăn nhất chính là việc kết hợp vô vàn yếu tố khác nhau để tạo nên một tác phẩm thống nhất; điều đó đòi hỏi sự nỗ lực phi thường và cả một chút may mắn. Bất cứ điều gì cũng có thể chệch nhịp, và thực tế thường là vậy; nhưng khi mọi thứ hòa quyện... kết quả thật sự kỳ diệu. Với tác phẩm tâm điểm này của NYMT — một đoàn kịch yêu thích của ông và đã quá đỗi quen thuộc tại địa chỉ này vào mỗi mùa hè (cũng như tại nhiều nhà hát danh tiếng khác trên khắp Vương quốc Anh) — sự kỳ diệu ấy đã thực sự thăng hoa.

Đạo diễn Hannah Chissick, người đã gặt hái thành công vang dội năm ngoái với bản phục dựng vở nhạc kịch sử thi ' Brass' tại Hackney Empire, đã trở lại đầy bản lĩnh. Cô hiểu rõ cách thức vận hành của đoàn và cách khơi gợi tài năng từ những diễn viên, nhạc công trẻ xuất sắc nhất được tuyển chọn trên toàn quốc. Hợp tác cùng biên đạo tài năng Sam Spencer-Lane, nhà thiết kế Matt Kinley, cùng các chuyên gia dày dạn kinh nghiệm như Mike Robertson (ánh sáng) và Avgoustas Psillas (âm thanh), Chissick và nhà sản xuất tận tụy Jeremy Walker đã xây dựng một đội ngũ hậu cần chuyên nghiệp bậc nhất để nâng bước các bạn trẻ. Và họ còn có một "át chủ bài": giám đốc âm nhạc trẻ Alex Aitken. Sau thành công từ 'Brass', Aitken tiếp tục gây ấn tượng mạnh mẽ khi chỉ huy dàn nhạc từ phím đàn ở phía sau sân khấu, biến hóa kỳ diệu với dàn nhạc thính phòng chỉ 6 người (Michael Madigan (18 tuổi), Emilia De St Croix (18 tuổi), Jamie Faulkner (21 tuổi), Ellie Blight (19 tuổi) và Chris Poon (21 tuổi)), giúp khán giả tập trung hoàn toàn vào giọng hát của các diễn viên.

Tác phẩm này xoay quanh những thách thức của nghệ thuật và đòi hỏi sự cam kết tuyệt đối từ ê-kíp sáng tạo cho đến dàn diễn viên và nhạc công. Được nhìn qua lăng kính của một trong những kiệt tác Pháp gây tò mò nhất cuối thế kỷ 19 — bức 'Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte' của Georges Seurat — vở kịch là một bản diễn giải đầy chất tự sự và giàu trí tưởng tượng về những câu chuyện có thể (hoặc không) ẩn sau những hình ảnh được sắp đặt tỉ mỉ mà chúng ta biết đến trong bức họa trưng bày tại Viện Nghệ thuật Chicago từ năm 1924. Seurat nổi tiếng với kỹ thuật điểm nhãn (pointillism), và điều này được thể hiện rõ nét trong kịch bản sống động của James Lapine. Tuy nhiên, với tôi, Seurat thú vị hơn ở cách ông tiếp nối những truyền thống hội họa Pháp lâu đời, đặc biệt là trong cách khắc họa nhân vật và cốt truyện.

Khá giống với Antoine Watteau, người khởi xướng dòng tranh mục đồng lãng mạn Pháp, Seurat ký họa các cá nhân không mệt mỏi, rồi khắt khe lựa chọn người nào sẽ xuất hiện cùng nhau trên khung vải. Ngược lại với nguyên tắc của trường phái Ấn tượng vốn chỉ vẽ những gì hiện hữu, ông tập trung vào việc quan sát rồi tưởng tượng ra một cấu trúc từ nhiều cảm nhận khác nhau, đôi khi đối lập. Nhìn từ góc độ cấu trúc, Seurat có nhiều điểm tương đồng với người kể chuyện kịch nghệ Sondheim — người cũng tìm thấy trong Seurat một ẩn dụ cho tình yêu và định mệnh sáng tạo của chính mình. Vì vậy, đây không chỉ là một vở nhạc kịch; nó là một cuộc đối thoại vĩ đại xuyên thế kỷ và lục địa, bàn về chính nhân tính của chúng ta.

Chiều sâu triết học này vốn đã khó để người lớn thấu cảm và truyền tải, nên sự hoàn hảo của bản dựng này từ NYMT lại càng đáng kinh ngạc hơn. Ở vai chính, Laura Barnard (21 tuổi) đã thể hiện quyền uy và sự chín chắn ngay từ đầu trong vai nàng thơ Dot. Đây là vai diễn đa dạng nhất — cô phải đóng cả vai người con gái già ở hồi hai trước khi trở lại làm hồn ma của chính mình — và cũng là vai đòi hỏi kỹ thuật sân khấu cao nhất. Với kỹ năng thanh nhạc và diễn xuất thượng thừa, Barnard chứng minh mình là một trong những người thể hiện vai diễn này xuất sắc nhất mà quốc gia này từng có. Bên cạnh cô, vai Georges ít gây thiện cảm hơn nhưng đã được Thomas Josling (19 tuổi) thủ vai với sự thuyết phục đến khó tin. Nam diễn viên trẻ sở hữu chất giọng mượt mà, kiểm soát tốt và trí tuệ nhạy bén để tái hiện một nghệ sĩ đầy mâu thuẫn giữa năng lượng tuổi trẻ và sự tận hiến sắt đá. Sự ăn ý của họ khiến bạn tin hoàn toàn vào nhân vật và câu chuyện đang diễn ra.

Và theo một cách nào đó, đó chính là ý nghĩa của vở kịch. Dù bắt đầu khá truyền thống theo cấu trúc nhạc kịch quen thuộc, nhưng dần dần, nó đưa chúng ta rời xa vùng an toàn, tiến sâu vào những lãnh địa xa lạ và tuyệt vời nhất — chúng ta, những khán giả, sẵn lòng đi theo bất cứ nơi nào vở diễn dẫn dắt.

Thành công của bản dựng này nằm ở sự thấu hiểu tuyệt đối ý đồ tác phẩm. Không một chi tiết nào được đưa vào mà không có mục đích. Ngay cả một làn khói sân khấu thoáng qua cũng phải khớp với lời thoại. Mọi thành phần thị giác, từ những khung giá vẽ di động thanh lịch cho đến từng bước chân của diễn viên, đều góp phần tạo nên một dòng chảy cảm xúc mãnh liệt. Nói ngắn gọn, đây không chỉ là về 'Nghệ thuật', mà là cuộc đối thoại về bản chất của sân khấu.

Bên cạnh các vai chính là Jules (Adam Johnson, 20 tuổi) và Yvonne (Florence Russell, 19 tuổi) đầy phong thái. Họ đại diện cho những giá trị truyền thống và là một phần trong cuộc thảo luận sâu sắc của Sondheim về bản chất của nhạc kịch. Các cặp nhân vật phụ xung quanh dường như là những vị khách từ các tác phẩm khác của ông: Quý bà (Eloise Kenny-Ryder, 19 tuổi) và cô Y tá (Lucy Carter, 18 tuổi) như vừa bước ra từ 'A Little Night Music', trong khi các anh lính (Marcus Harman, 18 tuổi và Scott Folan, 17 tuổi) lại gợi nhắc đến các Hoàng tử trong 'Into The Woods'. Ở mọi ngóc ngách, ta đều thấy âm vang từ trí tuệ của Sondheim. Nhưng chẳng phải đó là điều chúng ta đều trải qua khi chiêm ngưỡng nghệ thuật sao? Nghệ thuật, sau tất cả, chính là lời mời gọi tâm trí chúng ta phản hồi.

Toàn bộ dàn diễn viên đã phối hợp nhịp nhàng để tạo nên điều này. Từ bé Louise (Kiera Milward, 13 tuổi), hai nàng Celeste (Ellie Green, 17 và Aliza Vakil, 19), Louis (Thomas Mullan, 17), cho đến cặp vợ chồng người Mỹ hài hước (Alfie Richards và Lucy Coyle), cùng các nhân vật khác của Michael McGeough, Lydia Crosher, Matt Pettifor, Paul French và nhiều người khác; tất cả tạo nên một tập thể gắn kết, kể chuyện với sự thuyết phục bậc thầy.

Khi câu chuyện chuyển đến Chicago một thế kỷ sau ở hồi hai, thiết kế của Kinley thực sự là sợi dây gắn kết mọi thứ. Việc sử dụng màu sắc tiết chế trong một thế giới đơn sắc khiến khán giả khao khát không chỉ màu sắc, mà còn là ý nghĩa thực sự của nó. Tác phẩm 'Chromolume' hiện đại đầy châm biếm của hậu duệ họa sĩ (cũng do Thomas Josling thủ vai một cách xuất thần) mang vẻ u sầu nhiều hơn là nực cười — sự u sầu của một nghệ sĩ lạc lối, không thể diễn đạt điều gì có chiều sâu. Để tìm thấy điều đó, chúng ta phải quay lại khoảnh khắc đẹp nhất của tác phẩm ở cuối hồi một: bản đồng ca 'Sunday' siêu thực. Một khúc nhạc nhân văn mạnh mẽ giúp xóa tan mọi nghịch cảnh và chạm thẳng đến trái tim bằng đam mê mãnh liệt.

Vẫn có người nói rằng nhạc kịch của Stephen Sondheim thiếu 'cảm xúc'. Rõ ràng họ chưa xem vở kịch này. Và họ nên xem. Trong khi đó, ký ức rực rỡ về bản dựng này của NYMT sẽ mãi tỏa sáng trong lòng những khán giả may mắn được thưởng thức. Với những ai chưa xem, tôi chỉ có thể nói rằng: nếu có thể, hãy dành thời gian đón xem các tác phẩm của đoàn kịch trẻ kinh ngạc này. Cuộc sống của bạn sẽ không còn như trước nữa.

TÌM HIỂU THÊM VỀ NYMT