ELEŞTİRİ: Sunday In The Park With George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

The Other Palace'da National Youth Music Theatre,

19 Ağustos 2017 Cumartesi

Müzikaller konusunda engin bir deneyime sahip olan Andrew Lloyd Webber, bu türün en zor yanının birbiriyle çok farklı pek çok unsuru barındırması olduğunu söyler; tüm bunları uyumlu bir etki yaratacak şekilde bir araya getirmek gerçekten çok çetrefilli bir iştir: Hem büyük bir emek hem de bir o kadar şans gerektirir. Pek çok şey ters gidebilir ve genellikle gider de; ancak her şey bir uyum içinde çalıştığında... sonuçlar muhteşem olur. Bu adresteki yaz sezonunda (ve ülkenin dört bir yanındaki önde gelen pek çok tiyatroda) yerini sağlamlaştırmış olan Lloyd Webber'ın favori topluluklarından NYMT'nin bu ses getiren prodüksiyonunda, o ihtişama tam anlamıyla ulaşılmış.

Geçen yıl Hackney Empire'da Ben Till'in muazzam Büyük Savaş destanı 'Brass'ın NYMT tarafından sahnelenen yeniden yapımıyla müthiş bir başarı yakalayan yönetmen Hannah Chissick, topluluğun işleyişine ve ülkenin en yetenekli genç oyuncuları ve müzisyenleri arasından seçilen bu parlak kadrodan en iyi verimi nasıl alacağına dair derin bir içgörüyle geri dönmüş. Deneyimli koreograf Sam Spencer-Lane, usta tasarımcı Matt Kinley, emektar ışık tasarımcısı Mike Robertson ve sektörün önde gelen ses tasarımcılarından Avgoustas Psillas ile çalışan Chissick ve yorulmak bilmeyen yapımcı Jeremy Walker, bu gençlerin emeğini desteklemek için en iyi profesyonellerden oluşan müthiş bir ekip kurmuşlar. Ayrıca gizli bir kozları da var: Geçen yıl 'Brass'taki çalışmasıyla ulusal çapta dikkatleri üzerine çeken ve burada sahnenin arkasındaki balkonda klavyeyi yöneterek orkestra partisyonlarını altı kişilik küçük bir oda topluluğuna indirgeyip (Michael Madigan, 18, nefesliler; Emilia De St Croix, 18 ve Jamie Faulkner, 21, kemanlar; Ellie Blight, 19, çello; Chris Poon, 21, klavye 2) harikalar yaratan yükselen müzik direktörü Alex Aitken. Aitken, tüm dikkati oyuncuların seslerine çekmeyi başarıyor.

Bu eser sanatın zorluklarını konu alıyor ve yaratıcı ekibinden, oyuncularından ve orkestrasından tam bir sanatsal adanmışlık talep ediyor. 19. yüzyıl sonu Fransız başyapıtlarının en merak uyandırıcı ve düşündürücü örneklerinden biri olan Georges Seurat'nın 'Un dimanche apres-midi a l'Isle de la Grande Jatte' tablosunun kırılma prizmasından bakıldığında, bugün Chicago Sanat Enstitüsü'nde sergilenen o bildiğimiz kompozisyonu oluşturan imgeler koleksiyonunun ardında yatan (ya da yattığı varsayılan) hikayelerin kısmen otobiyografik ve cömertçe yeniden kurgulanmış bir yorumu bu. Seurat, tuvale boya uygulama yöntemi olan noktacılık (puantilizm) tekniğiyle ünlüdür ve bu konu James Lapine'in ustalıkla kurgulanmış ve canlı metninde birkaç yerde vurgulanıyor; ancak bana kalırsa Seurat, özellikle karakter ve anlatı söz konusu olduğunda Fransız resminin kadim geleneklerini sürdürme biçimiyle daha da büyüleyici hale geliyor.

Fransız romantik pastoral türünün mucidi Antoine Watteau gibi Seurat da bireyleri defalarca taslak haline getirmiş ve ardından hangilerini, ne tür bir bütünlük içinde tuvale aktaracağına titizlikle karar vermiştir. Dolayısıyla, sadece orada olanı resmetmekte ısrar eden İzlenimcilerin disiplinli ilkelerinin aksine, o her zaman bir şeyleri görmek ve sonra pek çok farklı ve hatta birbirine zıt izlenimden ne yaratabileceğini hayal etmekle ilgiliydi. Bu anlamda, form ve yapı kavrayışı bakımından, dramatik anı yazarı Sondheim ile pek çok ortak noktası vardır; Sondheim da onda ve hayata karşı tutumunda kendi aşkı ve yaratıcı kaderi için bir metafor bulur. Bu yüzden, bu sadece bir müzikal değil; yüzyılları ve kıtaları aşan görkemli bir sohbetin parçası: Aslında insanlığın ta kendisi üzerine.

Bu denli muazzam bir felsefi derinliği yetişkinlerin kavraması, bırakın aktarması bile yeterince zorken, bu topluluğun ulaştığı icra kusursuzluğunu düşündüğümüzde, bu çarpıcı prodüksiyon çok daha dikkat çekici görünüyor. Başrollerde Laura Barnard (21), sanatçının ilham perisi Dot karakterinde en baştan itibaren otorite ve olgunluğunu hissettiriyor. İkinci perdede yaşlı kızı olarak karşımıza çıkıp sonra kendi hayaleti olarak dönen Dot, eserin en değişken ve teatral açıdan en zorlayıcı rolü; Barnard, en üst düzey vokal ve dramatik becerileriyle bu rolün bu ülkede görüp duyduğumuz en iyi yorumcularından biri olduğunu kanıtlıyor. Onun yanında, 19 yaşındaki Thomas Josling tarafından şaşırtıcı bir inandırıcılıkla canlandırılan Georges rolü ise pek çok zorluk barındırıyor. Ancak zengin ve mükemmel kontrollü sesiyle bu usta aktör, sanatçının o çalkantılı, yaşamsal gençlik enerjisi ve demir gibi azminden oluşan karışımını yeniden yaratma zekasıyla tüm bu zorlukların üstesinden geliyor. Aralarındaki uyum, kim olduklarına ve ne yaptıklarına sizi tamamen inandırıyor.

Bir bakıma oyunun asıl meselesi de bu. Her ne kadar geleneksel bir şekilde başlasa ve görünüşte müzikli tiyatronun bilindik yapısını ve kalıplarını takip etse de, ilerledikçe bizi bildiklerimizden adım adım uzaklaştırıyor ve sonunda tamamen bilinmeyen bir bölgeye ulaşıyor. En güzeli de biz seyircilerin, bizi nereye götürmek isterse oraya gitmeye hazır olmamız.

Bu prodüksiyonun başarısının ardındaki neden, eserin niyetini bütünüyle kavramış olması ve hak edilmemiş hiçbir detayın içeri sızmasına izin vermemesidir. Sahnedeki ani ve geçici bir duman bulutu bile metindeki bir atıf sebebiyle oradadır. Sahne tasarımının her bir görsel bileşeni, bu insanların evreninin tüm özünü oluşturan o zarifçe hareket eden şövaleler ve tuvaller için de durum aynı; sahnedeki tek bir oyuncu hareketi bile bu inanılmaz derecede kendinden emin ve etkileyici uygulamanın itici gücünü ifade etmeye hizmet ediyor. Kısacası bu sadece 'Sanat' hakkında değil, tiyatronun ne olduğu üzerine bir sohbet.

Başrollerin yanında, daha geleneksel karakterler olan Jules (Adam Johnson, 20) ve Yvonne (Florence Russell, 19) yer alıyor. Diğerlerinin Bigelow'larına karşılık onlar Snow'ları canlandırıyorlar ve Sondheim'ın gösterinin içine yerleştirdiği müzikli tiyatronun doğası ve kendisinin bu türle olan ilişkisine dair o derin tartışmanın bir parçasını oluşturuyorlar. Etraflarında dönen çeşitli karakter çiftleri, sanki Sondheim'ın bu eserden önce veya sonra yazdığı yapıtlarından gelen ziyaretçiler gibi: Yaşlı Kadın (Eloise Kenny-Ryder, 19) ve Mürebbiyesi (Lucy Carter, 18) sanki 'A Little Night Music'ten fırlamış, Askerler ise (Marcus Harman, 18 ve Scott Folan, 17) 'Into The Woods'taki prenslere dönüşmek üzereler. Ve böylece devam ediyor: Her köşede Sondheim'ın zihninin işleyişine dair yankılar görüyor ve duyuyoruz. Ama belki de sanata baktığımızda hepimizin deneyimlediği şey tam olarak budur? Nihayetinde sanat, zihinden gelecek bir tepkiden başka neye davet eder ki?

Tüm topluluk bunun gerçekleşmesi için bir bütün olarak çalışıyor. Louise (Kiera Milward, 13); iki Celeste (Ellie Green, 17 ve Aliza Vakil, 19); Louis (Thomas Mullan, 17); eğlenceli müzikal komedi karakterleri olan Amerikalı Bay (Alfie Richards, 17) ve Bayan (Lucy Coyle, 19); yardımcıları Franz (Michael McGeough, 21) ve Frieda (Lydia Crosher, 20); Kayıkçı (Matt Pettifor, 20); Oturan Çocuk (Paul French, 16); Ayaktaki Kadın (Lydia Clay-White, 17); Mor Elbiseli Kadın (Heather Conder, 20); Diz Çöken Kadın (Kitty Watson, 19) ve Kornetçi (Alex Stephenson, 21), hikaye anlatıcılığını ustalıkla ve büyük bir inançla paylaşarak harika bir akıcılık ve uyum içinde çalışıyorlar.

İkinci perdede hikaye bir yüzyıl sonrasına, Chicago'ya taşındığında ve herkes farklı bir rol üstlendiğinde, Kinley'nin tasarımı tüm gösteriyi gerçekten bir arada tutuyor: Aksi takdirde monokrom olan bu dünyada rengi tasarruflu kullanımı, seyirciyi sadece boyaya değil, onun dürüst ve anlamlı kullanımına da hasret bırakıyor. Ressamın soyundan gelen kişi (yine Thomas Josling tarafından ürkütücü derecede tanınmaz halde canlandırılıyor) ve teknik ekibi tarafından hazırlanan modern 'enstalasyonun' (Chromolume) o berbat taklidi, gülünç olmaktan ziyade üzücü; taşıdığı melankoli, hiçbir derinliği ifade edemediğini bildiği için kendini kaybolmuş hisseden o satıcının hüsranından besleniyor. Bunun için, ilk perdenin sonunda olduğu gibi, eserin en görkemli anına dönmemiz gerekiyor: 'Sunday'in o ulvi korosu. Öylesine açık bir hümanizme sahip bir parça ki, kendinden önceki her şeyi yıkıp geçiyor ve muazzam bir güç ve tutkuyla doğrudan kalbe sesleniyor.

Evet, Stephen Sondheim'ın eserlerinde 'duygu' olmadığını söyleyenler hala var. Bu oyunu izlemedikleri çok bariz. İzlemeliler. Ve belki yakında bir şansları daha olabilir. Bu sırada, bu muhteşem NYMT prodüksiyonunun hatırası, onu izleme şansına erişenlerin kalbinde parlamaya devam edecek. İzleyemeyenler için ise söyleyebileceğim tek şey şudur: Lütfen, eğer yapabiliyorsanız, bu şaşırtıcı genç topluluğun oyunlarını görmek için zaman ayırın. Hayatınız bir daha eskisi gibi olmayacak.

NYMT HAKKINDA DAHA FAZLASINI ÖĞRENİN