RECENSIE: The Rage of Narcissus, Pleasance Theatre, Londen ✭✭✭✭✭

Julian Eaves recenseert The Rage Of Narcissus van Sergio Blanco, nu te zien in het Pleasance Theatre in Londen.

Sam Crane (Sergio Blanco). Foto: Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21 februari 2020

5 sterren

BOEK TICKETS

WAARSCHUWING: BEVAT SPOILERS....

Ik denk dat dit een 'poststructuralistisch' drama is: het is zeker niet het soort voorstelling dat je dagelijks in het Verenigd Koninkrijk ziet, en het is zeer ongebruikelijk om het zo goed uitgevoerd te zien. De Frans-Uruguayaanse schrijver Sergio Blanco benadert theater op een manier die volstrekt onbekend is voor het meeste Britse publiek, dat zelden de kans krijgt om iets te zien dat zo grondig afwijkt van de naturalistische conventies die hier de boventoon voeren. De auteur plaatst zichzelf in het middelpunt van het verhaal, waarbij een acteur hem 'imiteert' en een relaas doorloopt waarvan we worden uitgenodigd te geloven dat het echt gebeurd is. Aangezien het verhaal draait om de uiteindelijke dood van de auteur (een andere poststructuralistische troop), is de volledige waarheidsgetrouwheid van het verhaal op zijn zachtst gezegd onwaarschijnlijk. De kracht ervan ligt echter in de mate waarin de geloofwaardigheid wordt opgebouwd voor het relaas van een bezoekende universiteitsdocent die duistere gebeurtenissen ontdekt in zijn hotelkamer, om er vervolgens zelf in verstrikt te raken. Tijdens de 90 minuten die de voorstelling duurt, heeft het stuk veel te zeggen over de aard van het zelf, de relatie tussen mythe en realiteit, seksueel verlangen en menselijke destructiviteit. Bovendien slaagt het als een meeslepende thriller, waarbij de duimschroeven van incrementele onthullingen en spanning stap voor stap worden aangedraaid tot de ingenieuze ontknoping.

Foto: Ali Wright

Blanco is een opmerkelijk wezen: hij is tegelijkertijd alomtegenwoordig in dit 'verhaal' en toch volledig ongrijpbaar. De blootlegging van zijn ziel in dit werk is totaal, en toch lijkt het een daad van lege wanhoop die niets onthult: het uiteengereten lichaam van de auteur aan het einde van het stuk is een kille, tamelijk angstaanjagende metafoor voor veel ergere zaken, zo voelen we, zaken waar constant naar wordt gehint maar die nooit – helemaal – worden vastgelegd. De pretentie van het academische leven; de oppervlakkigheid van erotisch verlangen; het onvermogen van beschaafde instanties om enig begrip te tonen voor de mensen voor wie ze zijn opgericht, of bescherming te bieden aan de kwetsbaren; en, uiteindelijk, de onkenbaarheid van het zelf en de onbegrijpelijkheid van menselijke emoties en driften. Dit zijn niet het soort thema's die de meeste schrijvers de neiging of de vaardigheid hebben om aan te snijden, laat staan te beheersen. Maar het overkoepelende effect van het werk is veelzeggend: het publiek zit gehypnotiseerd door de meedogenloze eenvoud, de kunsteloze banaliteit van de inhoud en de pure alledaagsheid van de verschrikkelijke gebeurtenissen. Voor het publiek zijn de gruwelijke details van brute moorden dagelijkse kost via de televisie en de sensatiepers. Blanco vervaagt de grenzen tussen die gruwelen en de mensen die zich er 'op afstand' mee willen vermaken, en suggereert dat er eigenlijk niet veel voor nodig is om ieder van ons in de positie van zijn acteur te plaatsen....

Sam Crane is, zo wordt ons gevraagd te geloven, specifiek door de auteur uitgenodigd om deze rol op zich te nemen. Als we de waarachtigheid van wat dit stuk ons vertelt kunnen geloven – en ik denk dat er waarschijnlijk weinig reden is om dat te doen, maar voor het doel van het stuk wel – dan lijkt Crane inderdaad de beste keuze. Zijn beheersing van de immens lange tekst – hij moet het meeste zelf uitspreken – is verbazingwekkend evenwichtig en gematigd, terwijl hij een constante sfeer van verrassing en nieuwheid behoudt in zijn doorgaans rustige en beheerste stem. Sterker nog, hij staat zichzelf slechts bij één regel toe om zijn borststem volledig te gebruiken: 'Deze wereld. Deze wereld. Deze wereld!' En het is een meesterzet, die het metaforische karakter van de gehele performance benadrukt en de bedoeling om een breder commentaar te leveren op ons leven en onze tijd. Toch suggereert er verder, afgezien van dat moment, absoluut niets in zijn quasi-slonzige voorkomen en lome houding iets van die strekking: vanaf het moment dat hij voor het eerst verschijnt tot hij uiteindelijk verdwijnt, lijkt hij nooit meer – of minder – dan elk ander lid van het publiek, in wiens midden hij zich zelfs eenmaal voorzichtig begeeft om een punt te maken. Het is een vertolking van opmerkelijke stealth en zorgvuldigheid, waarin hij met griezelig meesterschap de uiterste diepten van menselijke wanhoop – het uitdoven van het zelf – verkent.

Foto: Ali Wright

De rol van regisseur Daniel Goldman is niet direct zichtbaar, vanwege de moeite die hij doet om – net als de auteur – elk spoor van zichzelf uit te wissen. Hij plaatst de acteur op een leeg, 'black-box' toneel, en verplaatst hem af en toe in subtiel veranderende lichtbundels, maar doet verder weinig om het gevoel te doorbreken dat de 'performer' aanwezig is en een 'verhaal vertelt'. En toch. Er zijn veel momenten waarop hij de tekst uit de mond van de acteur haalt en in projecties op een scherm boven zijn hoofd plaatst. Hij 'neemt' zelfs delen van de tekst van de acteur op en doet alsof – door ze af te spelen – deze afkomstig zijn van de stem van de onzichtbare auteur, die de acteur vraagt om de klus te klaren die we hem nu zien doen, waarbij e-mail wordt gecombineerd met voicemail. Hij gaat op dezelfde manier om met de positionering en dichtheid van het geluid. Er zijn zelfs zoveel kleine elementen die precies goed moeten zijn, dat het verleidelijk zou kunnen zijn om andere medewerkers meer erkenning te geven. Maar gezien de vele rollen die Goldman hier speelt – vertalen en bewerken, evenals regisseren (en de opgevoerde tekst wijkt op veel details af van de tekst in het programmaboekje) – vermoed ik dat de meeste belangrijke keuzes hier de zijne zijn.

Desalniettemin werken Natalie Johnsons verontrustend dubbelzinnige decor, Richard Williamsons griezelig subtiele gebruik van belichting en videoprojecties en Kieran Lucas' perfect gekozen geluid allemaal samen met Goldman om dit tot een beklijvende, grimmige theaterervaring te maken, die geleidelijk de intellectuele sluier van de menselijke natuur oplicht en de nihilistische lust die daaronder loert blootlegt. Als u The Rage Of Narcissus wilt zien, wacht dan niet te lang: de voorstelling loopt tot en met 8 maart.

BOEK TICKETS VOOR THE RAGE OF NARCISSUS