ANMELDELSE: Casa Valentina, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

BritishTheatre.com har gleden av å tilby seter til kun £14. Klikk her for mer informasjon om tilbudet. Casa Valentina

Southwark Playhouse

16. september 2015

5 stjerner

BESTILL BILLETTER

Taket er overstrødd med lampeskjermer – bleke, i pastellfarger og nydelige. Den typen din bestemor kanskje hadde hatt ved dødsleiet. Følelsen av overgangen til 1960-tallet er til å ta og føle på, ikke bare på grunn av skjermene, men også parkettgulvet og de gammeldagse sminkebordene som er stilt opp langs teaterveggene. Det er utvilsomt et lunt og koselig rom, men det ligger tydelig noe «annet» i luften.

Hits fra perioden dundrer inn i salen. «Walk Like A Man» er bare én av de fengende låtene som spilles. Nakne grener stikker inn i rommet og antyder uanstrengt Catskills-fjellene der handlingen utspiller seg. En flekk med grønt gress vekker assosiasjoner til en veranda. Alt er veldig tydelig amerikansk, men samtidig fremmed. Hvorfor, virker uforklarlig.

Og så blir det klart. Lampeskjermer er individuelle; de kan være pene, med rysjer eller helt enkle. De presenterer et bevisst bilde til omverdenen, et bevisst valg. Lampeskjermer uttrykker personligheten og karakteren til eierne sine. Og alle skjuler de en lyspære.

Som en metafor for et stykke om den spesielle og sårbare verdenen til den heterofile, transvestittiske mannen, er denne settingen så inspirert som man kan forestille seg. Og den milde varmen lampeskjermene utstråler, fungerer som en subtil påminnelse om karakterstyrken som er i spill i handlingen.

Dette er Casa Valentina, et uvanlig, men utrolig vakkert skrevet stykke om spenninger blant transvestitter i Catskills i 1962, som nå har sin London-premiere på Southwark Playhouse. Det føles som om dette er Harvey Fierstein-uken i London, med både Kinky Boots og Casa Valentina som åpner innenfor 48 timer. Man kunne nesten si at det er et tilfelle av Kinky Boots og «Kinky Boys», da Casa Valentina utforsker en gruppe menn som liker å kle seg i kvinneklær. De to vidt forskjellige verkene har mye til felles. Spesielt viser historiene hvorfor det er best for folk å omfavne sitt sanne jeg, og hvorfor det å mislykkes med dette kan få rystende konsekvenser.

Casa Valentina hadde en beskjeden spilleperiode i New York i 2014, og var, tross visse reservasjoner rundt rollebesetningen, en givende og tankevekkende kveld i teateret (Les vår anmeldelse her). Jeg sa den gangen at dette kanskje er det beste stykket Fierstein har skrevet, og denne oppsetningen bidrar bare til å forsterke det synet. Det er ikke alltid slik at et stykke kan få en ny og dypere klangbunn hver gang det settes opp, men slik er det med dette stykket.

I Luke Sheppards regi er Casa Valentina et stykke om et ekteskap. Alt dreier seg om det sentrale forholdet mellom George (Edward Wolstenholme) og Rita (Tamsin Carroll). De har et ukonvensjonelt ekteskap. Hun giftet seg med ham vel vitende om at han likte å gå i dameklær; hun har faktisk oppmuntret og støttet ønsket hans fordi hun elsker ham. Hun er tilfreds med at hans kjolekledde selv er den peneste jenta i deres ekteskap. Hun ønsker velkommen, støtter og er som en mor for de andre mennene som kommer for å leie rom i deres helgepensjonat for å slippe løs sin indre kvinne. En sommernatts drøm – med en vri.

Alt er strålende mellom dem helt til George prøver å endre spillereglene i ekteskapet, når han bestemmer seg for å gjøre noe uten å snakke med Rita først. Noe som fundamentalt endrer premissene for deres samliv. I dette spesielle tilfellet handler det om hans behov for å være transvestitt, men forholdet deres fungerer som en metafor for alle parforhold, uansett natur. Fierstein poengterer rett og slett at alle typer forhold kan blomstre der det finnes tillit, ærlighet og kommunikasjon. Uten dette er smerte det eneste sikre resultatet.

Sett i dette lyset er de ulike livene, holdningene og standpunktene til vennene i sirkelen viktige, fordi de viser presset, belastningene og lengslene som fører til at George begynner å føle annerledes om hva han vil ha.

Det er mye glede og kameratskap blant transvestittene, men også en underliggende følelse av frykt og mistenksomhet. Alle ønsker å være frie til å uttrykke seg som de vil, men alle er smertelig klar over samfunnets fordømmende syn på deres legning. Noen frykter å bli dømt som homofile; noen skjuler sin egen seksualitet; noen lever skjulte liv og holder koner og barn utenfor det som gjør dem lykkelige. Alle lever i frykt.

Fierstein skaper her en smeltedigel av ideer og tanker. Det hele er pakket inn i et hav av humor og oppriktig varme, men det finnes skumle og svikefulle skjær i det havet – bølger som får deg til å grøsse, akkurat som andre får deg til å smile og le. Det er et klokt og innsiktsfullt stykke om kjærlighet, vennskap og ærlighet – tre temaer som berører ethvert liv.

Justin Nardellas scenografi er enkel, men helt perfekt, og rammer inn denne verdenen av skjulte lyster på en varsom og elegant måte. Andrew Riley har skapt smarte og sjarmerende kostymer på et stramt budsjett, men de fungerer alle sammen, spesielt antrekkene som gjør Gloria (Ashley Robinson) og Charlotte (Gareth Snook) til formidable arketyper. Å spille på en scene med publikum på alle kanter byr på mange utfordringer for lysdesignere, men Howard Hudson gjør en formidabel jobb med å styre stemningen gjennom lyset mens scenene flimrer gjennom det emosjonelle spekteret.

Sheppards beslutning om å spille «in-the-round» gir blandede resultater. På den ene siden skapes det en uunngåelig nærhet som passer perfekt til denne lukkede verdenen av hemmelige begjær og ufortalte sannheter. På den andre siden går man uunngåelig glipp av enkelte nøkkelscener fordi den sirkulære plattformen betyr at ikke alle i publikum kan se alt som skjer. Men alt i alt oppveies tapet av intimiteten; det er vanskeligere å ignorere karakterene som ekte mennesker når du sitter så nær at chiffong og tyll berører skulderen din når de svinger seg forbi.

I andre henseender er imidlertid ikke Sheppards visjon så sylskarp som den kunne ha vært. Det er en merkbar forskjell på drag og transvestisme, og denne forskjellen – som er sentral i flere av stykkets dialoger – blir uforklarlig ullen. Disse mennene er kanskje «camp», men ikke i homofil forstand – noe teksten også understreker gjentatte ganger; dette er menn som etterstreber å være ekte kvinner, som gir sin feminine side vakre navn, og som (hovedsakelig) ikke ønsker annet enn å bli akseptert for de de er. Denne mangelen på klarhet forvirrer fortellingens tråder unødig. Det går særlig ut over Charlotte (Gareth Snook), Terry (Bruce Montague) og Amy (Robert Morgan).

Men disse problemene svekker ikke effekten av Fiersteins tekst i særlig grad, mest av alt takket være en upåklagelig casting i nøkkelrollene. Robinson er suveren og kanaliserer sin indre Julianne Moore som den trutmunnede sirenen Gloria med timeglassfigur. Fra starten av er Gloria en sydende masse av sensuell eksentrisitet, med en tunge som kan piske eller kjærtegne, og øyne som aldri slutter å vurdere og dømme. Robinson spiller rollen med en kontrollert og sprudlende selvsikkerhet, og hans verbale demontering av Snooks snarsinte Charlotte er helt praktfull.

Wolstenholme er like strålende som George/Valentina, som sammen med Carrolls Rita driver pensjonatet. Paret etablerer et sterkt, seksuelt bånd tidlig i stykket, og det er ingen tvil om at forholdet deres er ekte. Dette er spesielt smart, og helt avgjørende for at de senere scenene skal fungere. Wolstenholme gjør George sint og frustrert, usikker og hemmelighetsfull; den rake motsetningen til hans Valentina. Dette skaper en nerve i hverdagen George må utstå, noe som gir gjenklang gjennom hele stykket og kaster lys over hans relasjoner til Rita, Charlotte, Gloria og Amy. Det er et inspirert og gjennomført overbevisende portrett av en sjel i krise.

Som den unge mannen som besøker pensjonatet for første gang, en nærmest jomfruelig transvestitt, er Ben Deery formidabel. Han balanserer nøling med ungpikeaktig entusiasme på perfekt vis: Øyeblikket når han først dukker opp som Miranda, litt som en skolegutt som viser frem uniformen sin for første gang, nølende men håpefull, er magisk. Det samme er den lune og herlig kollektive scenen hvor Miranda får en «makeover». Hysterisk morsomt, men fullt av hjertevarme. (Mirandas uøvde parykkstyling gir Carroll muligheten til kveldens morsomste visuelle poeng). Senere, når fasaden sprekker, faller ikke Deery for fristelsen til å spille melodrama. Han styrer stødig gjennom naken ærlighet og økende frykt.

Både Morgan, Montague og Matthew Rixon (den ofte svært morsomme Oscar Wilde-siterende Bessie) gjør en god jobb, selv om ønsket om å bli likt av publikum og være morsom av og til overskygger karakterens røde tråd. Men samtidig har hver av dem øyeblikk med brutal innsikt og givende observasjoner. Montagues forsvarstale for hvorfor han aldri kunne avvise vennskapet til en homofil, er et av kveldens virkelige høydepunkter. Charlie Hayes gjør en sen, men konfronterende opptreden som Amys datter, Eleanor, og i en kort, poengtert scene legger hun frem det offentlige synet på transvestisme. Hayes er herlig ukomfortabel.

Snook feilvurderer karakteren Charlotte. Ytterpunktene vises frem, om enn noe inkonsekvent, men han kommer aldri nær det fillete, rasende indre kaoset til denne politiske, defensive og ambisiøse skapningen. En ulmende, stille og overlegen avsky ville tjent denne karakteren bedre, spesielt i det mesterlig skrevne oppgjøret med dommer Amy (som gir Morgan hans beste øyeblikk). Snooks valg om å spille en Alexis Colby-aktig, privilegert furie har absolutt sine fordeler, men Fiersteins tekst handler om en mer kompleks skapning. Definitivt et tilfelle der «less is more».

Med tanke på hans bakgrunn og tidligere suksesser, som Torch Song Trilogy, Hairspray og La Cage Aux Folles, ville man forvente at Fiersteins beste arbeid i Casa Valentina dreide seg om de mannlige karakterene. Det var i hvert fall inntrykket New York-premieren ga: Det er minnene om Charlotte, Amy, Terry, Gloria og Miranda som sitter igjen. Men her viser den strålende Tamsin Carroll tydelig hvorfor den mest komplekse og fascinerende karakteren er den eneste ekte kvinnen i pensjonatet: Rita.

Kledd praktisk, men grått (strikkejakken er et mestergrep), svever Carrolls Rita i utkanten av jente-aktivitetene, og gir ektemannen både praktisk og moralsk støtte. Hun fikser parykker, lufter og stryker kjoler, hjelper til med sminken, lager mat og vasker. Hun gjør denne unike søsterskap-klubben trygg og spesiell. Carroll fyller Rita med en dyp lojalitet til George og venninnene hans; hun er på vakt, men tar del i moroa og er flink til å få jentene til å føle seg vel og komme overens. Hun demper konflikter og retter opp misforståelser; hun er som en mor for alle. Carrolls Rita er bevisst den mest ordinære av gjengen, og viser hvor langt den sanne kjærligheten er villig til å gå.

Carroll og Wolstenholme er perfekte sammen, og alt ved forholdet deres fungerer. Likeledes etablerer Carroll et tydelig bånd til alle de andre karakterene, til og med Charlotte og Miranda, de to personene Rita møter for første gang etter hvert som stykket utfolder seg. Du vet akkurat hvor Rita står med alle, og i alle spørsmål. Når Rita endelig setter ord på sin hemmelige frykt, er Carroll magesugende god – en symfoni av desperasjon og alarm. Selv om det ikke er Rita som ender opp på sykehus, er det hun som, slik Carroll levendegjør henne, fremstår som den som har lidd mest, den mest tragiske figuren. Sluttbildet av Rita, sammenkrøket og rystet av bitre tårer, er utrolig sterkt. Skuespill på sitt mest komplette, mest fengslende og mest rørende.

Dette er et svært viktig og dagsaktuelt stykke. Det setter lupen på forestillinger om likestilling på måter som sjelden diskuteres. Det er morsomt, lettsindig, alvorlig og viktig på samme tid. Vakkert skrevet, vakkert designet og for det meste strålende spilt. Dette er en fulltreffer som, takket være spesielt Carroll og Wolstenholme, fungerer langt bedre enn den opprinnelige New York-oppsetningen. Hvis det finnes rettferdighet, vil dette stykket flyttes til West End eller Dorfman. Det er et stykke som helt klart bør sees.

Casa Valentina spilles på Southwark Playhouse frem til 10. oktober 2015. Bestill nå.