ANMELDELSE: Nell Gwynn, Globe Theatre ✭✭✭

Nell Gwynn

Globe Theatre

24/09/15

3 stjerner

Når man befinner seg i det galleriet i et engelsk gods, går man mer enn gjerne forbi en rekke restaurasjonsskjønnheter malt av Lely eller Kneller. Det er en litt nummen og deprimerende opplevelse å se disse kvinnene blottet for personlighet og livlighet, alle redusert til identikit-versjoner av hva kong Karl IIs roving blikk ønsket å se. Helt til man plutselig snubler over et portrett av Nell Gwynn. Uansett hvor hardt de prøvde, klarte ikke malerne å kvele hennes individualitet. Med hodet på skakke, en bestemt eksponert décolletage, kvikk og tydelig argumenterende, skiller hun seg ut fra mengden – klar til å svare med en vittig replikk som mer enn matcher enhver kritikk eller hånlig bemerkning.

I det siste stykket i den ellers strenge «Justice and Mercy»-sesongen, byr Globe nå på det som i gresk forstand kunne kalles et satyrspill, som prøver å gjenskape Nells lekne ånd, samtidig som det byr på noe mer enn bare en lystig feiring av «den gode kong Karls glansdager». Det ligger en seriøs intensjon her også: nemlig å gi en beretning om restaurasjonskomediens fødsel og tidlige utvikling ved å presentere Nell som dens slagferdige og delvis bevisste jordmor.

I enhver forstand er «innstramminger» forvist – faktisk, når kong Karl (David Sturzaker) eksplisitt forkynner slutten på det, utløser han kveldens største (om enn mest forutsigbare) jubelbrus. Overflod er dagens orden, og vi ser det helt fra start ved hvordan Globe-scenen er pyntet med overdådige draperier og silkesnorer, det hele sentrert rundt en kongelosje på balkongnivå som bærer det fulle kongelige våpenskjoldet. Kostymer og parykker er tilsvarende tidsriktige, ned til minste turnyre, krusedull og ufunderlig overdimensstemmende hatt – en flott oppvisning fra Globes kostymeavdeling under ledelse av Binnie Bowerman.

Stykket er skrevet av den prisvinnende Jessica Swale, og forfølger i hovedsak to temaer på hver sin side av pausen. Første akt handler først og fremst om Gwynns vei opp fra en dyster barndom i et bordell i Covent Garden og arbeid i utkanten av teatermiljøet som appelsinselger i Drury Lane. Derfra tiltrekker hennes livlige personlighet seg oppmerksomheten til Charles Hart, en av tidens ledende skuespillere, og sikrer henne innpass i ett av de to rivaliserende teaterkompaniene som loddet stemningen hos publikum etter restaurasjonen og slutten på puritanernes teaterforbud.

Gwynns store mulighet – og muligheten for andre ambisiøse kvinner fra enkle kår – stammet fra det faktum at Karl hadde gått lenger enn bare å gjenåpne teatrene; han hadde tillatt kvinner å opptre på scenen, slik han hadde sett det i Paris i sine eksilår. Hun utnyttet suget etter luftige, lette og mytologiserte komedier, særlig de skrevet av Dryden, som favoriserte kvinner som kunne synge, bevege seg og danse godt, fremfor bare å innta stiliserte positurer for å fange tekstens stemninger.

Selvfølgelig var datidens publikum også ute etter kvinner kledd som menn i tettsittende «bukseroller», før de ble avduket med mer enn bare en liten dæsj naken hud underveis. Gwynn var i denne beretningen (ganske likt Gypsy Rose Lee, som for tiden spilles andre steder) ekspert på å gi publikum litt av det de ville ha, men ikke for mye, eller for tidlig. Hun brukte deretter samme strategi overfor Karl II, etter at han la merke til henne en kveld under en forestilling.

Andre akt av stykket utforsker hvordan denne strategien fungerte midt i hoffpolitikkenes mange skjær og svik. Når Nell trekker seg tilbake fra scenen, hvordan håndterer hun kjendistilværelsen, sjalusien fra andre elskerinner og triksene til Karls politikere, særlig Arlington – en sammensatt skikkelse for dramaets formål? Fremfor alt, hvordan lykkes hun med å beholde oppmerksomheten til Karl selv, når nyhetens interesse og forholdets første glød har lagt seg? Stykket antyder at hun gjorde det bedre enn mange av sine rivaler ved å se hans grunnleggende ensomhet bak den manierte og vittige fasaden, og ved å søke å stimulere ham intellektuelt gjennom sitt medfødte vidd og støtte ham emosjonelt, fremfor bare gjennom sex som de andre.

Historiens lærdom, og lærdommen i dette stykket, er at hun i stor grad lyktes. Hun var den eneste langvarige elskerinnen som overlevde uten uavhengige ressurser og støttespillere. Ingen annen elskerinne klarte å klatre så høyt i hierarkiet fra en så lav bakgrunn, og hun klarte det hovedsakelig ved å innse at hvis hun ikke krevde en tittel til seg selv, men bare til sønnene sine, ville hun dempe sjalusien. Det var en triumf av både listig snedighet og ekte personlig varme, en vinnende kombinasjon både på scenen og i livet.

Stort sett er første akt mer vellykket enn den andre – det er en historie som skal fortelles og en utviklingsbue som skal beskrives, og Swale holder både den personlige fortellingen og teaterhistorien gående i elegant samspill. Etter pausen blir handlingen nødvendigvis mer stillestående og avhengig av nokså konstruerte krangler og satte diskusjoner hvis utfall virker nokså forutbestemte og ubetydelige.

Kontrollen over tonen fungerer i det store og hele godt. Dette er ikke en pastisj på restaurasjonskomedie, men dialogen er likevel skarp og tidvis vittig, hjulpet frem av noen virkelig utmerkede sanger komponert av Nigel Hess. Disse treffer igjen de rette historiske tonene uten å virke tilgjorte, jålete eller sjarmløst grove. Når det er sagt, er den selvbevisste og ironiske verdenen fra Sorte Orm (Blackadder) til tider ikke langt unna, og skuespillerne spiller tidvis opp – eller ned – til det på ganske skamløst vis. Publikum elsket det, og kanskje må det være slik, ettersom den serien nå antagelig er populærkulturens referansepunkt og inngang til denne sjangeren for de fleste av oss.

Gitt den generelle tonen av bredspent komedie og behovet for storstilt projeksjon fra Globes scene, var prestasjonene nødvendigvis litt generaliserte, men likevel svært effektive. Regissør Christopher Luscombe holdt et høyt tempo, og scenene gled sømløst over i hverandre med rikelig med sprek koreografi underveis.

I tittelrollen har Gugu Mbatha-Raw den helt rette troverdige blandingen av frekkhet og tøff sjarm, og hun synger og danser godt, men ikke *for* godt. Den tidlige scenen der den godslige Hart (Jay Taylor) lærer henne hvordan hun skal fremføre dialog, er en veldig god øvelse i å vise både hvordan restaurasjonsteater fungerte, og at levende kontakt med publikum betydde mer enn sofistikerte tolkninger. Blant skuespillerne i «the King’s Company» var Greg Haiste et høydepunkt som den fornærmede og skandaløse kvinnelige imitatoren Edward Kynaston, samt påklederen og altmuligkvinnen Nancy, som nærmest stjal showet gang på gang i det man kan kalle «Baldrick-rollen». Graham Butler kavet og raste også som en ung John Dryden, en rolle som dessverre var litt tynt skrevet.

Ved hoffet bevarte Sturzakers Karl akkurat den rette eimen av fare og tilbakeholdenhet for å beholde sin verdighet og autoritet over det hele, og David Rintoul demonstrerte femti nyanser av misbilligelse over det som foregikk rundt ham, mens han fulgte sin egen form for politisk svik. Det var livlige bidrag fra Sasha Waddell som to kontrastfylte elskerinner – den giftige Castlemaine og den overlegne og lettspottede Louise de Keroualle; og Sarah Woodward klarte å være ugjenkjennelig forskjellig som den bitre dronning Catherine og Nells mor, bordellmammaen Ma Gwynn. Anneika Rose spilte Nells søster, som fungerte som samvittighet og motpol på viktige steder.

Selv om det finnes mer seriøse øyeblikk i dette stykket, spesielt fokusert på mulighetene for kvinner i det nye teateret på 1660-tallet, er det ingen vits i å lete for hardt etter dype meningslag i denne lette godbiten. Mystikken rundt Nell Gwynn forblir like uutgrunnelig som smilet i de samtidige portrettene. Men det gir absolutt en sjarmerende avslutning på det som har vært en hovedsakelig seriøs og tankevekkende sesong på Globe, og det er en underholdende måte å tilbringe en av våre nåværende gylne høstkvelder på.

Nell Gwynn spilles på Globe Theatre frem til 17. oktober 2015