RECENZJA: Visitors, Arcola Theatre ✭✭✭✭✭

Na zdjęciu: Robin Soans i Linda Bassett. Fot. Alastair Muir Visitors

Arcola Theatre, przed przeniesieniem na West End

29 marca 2014 r.

5 gwiazdek

Pod koniec pierwszej sceny drugiego aktu wyśmienitej nowej sztuki Barneya Norrisa pt. „Visitors”, cudowna wiejska babcia Edie, która powoli poddaje się demencji, zwraca się przeciwko swojemu nieumyślnie okrutnemu, lecz bezgranicznie egoistycznemu synowi, Stephenowi. W potoku tłumionych wyrzutów mówi:

A co, jeśli umrę, a wciąż nie uda mi się zamienić z tobą choćby słowa?

W ułamku sekundy przerażenia, jaki następuje potem, demencja przejmuje kontrolę nad umysłem Edie – kobieta całkowicie zapomina, co się przed chwilą wydarzyło i z kim przebywa. Jej furię nagle zastępuje niepewność, początkowo gderliwa, a następnie lękliwa.

To wstrząsający moment prawdziwego ludzkiego dramatu, głęboko smutny, w pełni zrozumiały i absolutnie niezapomniany.

Premierowa inscenizacja sztuki Norrisa w sprawnej reżyserii Alice Hamilton jest obecnie w trasie po Wielkiej Brytanii, po zakończonym właśnie sezonie w teatrze Arcola. To bez wątpienia jedna z najlepszych produkcji nowej dramaturgii ostatnich lat. Opiera się wyłącznie na bohaterach, sytuacji, genialnym tekście i wyjątkowym aktorstwie. Nie znajdziemy tu krzykliwych dekoracji, lśniących kostiumów, obrotowej sceny czy reżyserskich sztuczek.

To po prostu stara, dobra teatralna alchemia. I coś absolutnie wspaniałego.

Sztuka opowiada o małżeństwie, które całe wspólne życie spędziło w niewielkim gospodarstwie. Arthur każdego dnia pracował w polu pszenicy lub doglądał kur, naprawiając wszystko, co było potrzebne (silniki, meble, cokolwiek), podczas gdy Edie wychowywała syna, zajmowała się domem, gotowała i dbała o wygody Arthura. Od czasu do czasu wyjeżdżali na wakacje, choć nie tak często, jak Edie mogłaby skrycie marzyć.

Ich syn, Stephen, odwrócił się od rodziców i ich marzeń o przejęciu przez niego farmy. Ożenił się i zrobił karierę w ubezpieczeniach na życie, wyraźnie zawstydzony rodzicami i ich prostym życiem. Jednak gdy jego małżeństwo przechodzi kryzys, a stan Edie pogarsza się z powodu demencji, Stephen szuka rozwiązań, które będą najlepsze dla niego, pod pozorem troski o dobro rodziców. W tę skomplikowaną sytuację wchodzi Kate, opiekunka mieszkająca z nimi w domu, której obecność ujawnia bolesną prawdę.

Choć akcja osadzona jest mocno w realiach angielskiej wsi, tematyka spektaklu oraz wgląd w ludzką kruchość i relacje mają charakter uniwersalny.

Najtrudniejszą rolą w sztuce, którą najłatwiej byłoby sprowadzić do karykatury lub jednowymiarowego schematu, jest postać syna. Jednak kreacja Simona Mullera jest fascynująca, niesamowicie złożona i wielowarstwowa – niemal idealna pod każdym względem. Najpierw go nie lubimy, potem nim gardzimy, by w końcu spróbować go zrozumieć. Jego występ jest zdumiewający, zachwyca detalem i promienieje prawdą. To szczegółowy portret izolacji, bólu i społecznego wycofania. Muller odnosi tu pełny triumf.

Wspiera go wspaniała Linda Bassett, która po swojej głośnej roli w „Roots” w Donmar Warehouse, brawurowo wciela się w zupełnie inną postać prostej kobiety z prowincji. Jest równie autentyczna, trafiając w punkt w każdym aspekcie: odnajduje łagodny humor w błysku oka Edie, czystą radość w jej relacji z Arthurem i rzeczową zdolność do akceptacji losu z prawdziwą odwagą i godnością, nie szczędząc przy tym rubasznego dowcipu. Momenty, w których droczy się z synem, udając, że o czymś zapomniała, to majstersztyk.

Aktorka ma tyle genialnych momentów, że nie sposób wymienić wszystkich, ale dwa szczególnie zapadają w pamięć: czuły pocałunek dla męża przed snem, który w pełni oddaje ich dozgonną miłość i wieczne partnerstwo (moment naprawdę rozdzierający serce), oraz chwila, gdy wyciąga rękę, by z macierzyńską miłością dotknąć pleców syna, pokazując, że mimo jego uczynków nie potrafi przestać go kochać. Cudowna, doprawdy cudowna rola.

Arthur w wykonaniu Robina Soansa dorównuje Edie w każdym calu. Aktorzy są ze sobą idealnie zgrani, tworząc prawdziwie harmonijny duet. Widz obserwuje, jak porozumiewają się bez słów, mają te same myśli, to samo zrozumienie i te same ideały. To piękny widok – subtelne przywołanie wspólnie przeżytego życia. Z kolei jego relacja z synem jest zarysowana z innej strony: jest twarda, a zarazem czuła i pełna rozczarowania. Jest wspaniały moment, gdy bohater Soansa stwierdza, że mężczyźni nigdy nie chcą ze sobą rozmawiać, i inny, gdy rozpacza, że demencja nie dotknęła jego zamiast Edie. To kolejna dojrzała i w pełni przekonująca kreacja.

Ostatnia z obsady, Eleanor Wyld, również jest znakomita, a w pewnym sensie stoi przed najtrudniejszym zadaniem. Jej postać nie jest tak bogato nakreślona w dialogach jak pozostałe, a jednak Wyld sprawia, że postać „osoby z zewnątrz” – opiekunki, która na krótko wkracza w ich życie z empatią i życzliwością – jest realna i pełnowymiarowa. Sceny z jej udziałem i Edie są wyborne, a bolesne interakcje ze Stephenem – skrupulatnie powściągliwe, podszyte niepewnością i lękiem.

W tym spektaklu nie ma słabych punktów. Prosta, ale efektowna scenografia Franceski Reidy dyskretnie, lecz stanowczo osadza nas w życiu Arthura i Edie, na ich farmie, przywołując surowe, lecz solidne czasy, które razem przeżyli.

Nie można nie docenić osiągnięcia Norrisa. Język sztuki bywa zachwycająco poetycki, a poruszające fragmenty dotyczące piękna, kruchości umysłu, złożoności relacji międzyludzkich i grozy demencji zostają w głowie na długo. Autor wykazuje się dużą wnikliwością, szczególnie gdy Edie zastanawia się, jaka jest różnica między demencją a zwyczajnym życiem: czy zapomnienie imion kolegów ze szkolnej ławki to już choroba?

To niezwykła sztuka, zagrana i wyreżyserowana z najwyższym kunsztem i niesamowitym wyczuciem. Powinna trafić na West End i zostać obejrzana przez każdego, kto ma rodzinę.

Ostatnie zdanie zostanie ze mną na bardzo długo:

I jesteś we wszystkich moich snach, bo byłeś też obecny w moim życiu.