RECENSION: Dry Land, Jermyn Street Theatre ✭✭✭✭

Dry Land

Jermyn Street Theatre

05/11/15

4 stjärnor

Köp biljetter

Dry Land uruppfördes på New Yorks Here Arts Centre för ett år sedan till stora hyllningar från både kritiker och publik. Damsel Productions har nu valt att sätta upp pjäsens brittiska premiär som sin allra första produktion. Kompaniets mål är att ”provocera, inspirera, chocka och underhålla med sanna och ärliga skildringar av kvinnliga erfarenheter”. I detta lyckas de utan tvekan.

Dramatikern Ruby Rae Spiegel har nyligen tagit examen från Yale, är endast 22 år gammal, och det som slår en först med detta exceptionellt mogna verk är hur trovärdigt porträttet av tonårsliv och dess dilemman är. Det finns få pjäser som så träffsäkert fångar kombinationen av den sköra och ofta överdrivet självsäkra fasaden som döljer inre osäkerhet, tvivel och ångest. Ändå är det precis vad detta åttio minuter långa drama gör. Det visar en gradvis övergång till vuxenvärlden genom grafiska men helt trovärdiga medel. Sammanfattningsvis är denna pjäs en betydande, om än tveklöst omskakande, prestation.

Vi befinner oss i omklädningsrummet vid en simhall på en high school i Florida. Med ett kort undantag förblir detta spelplatsen under hela föreställningen. Anna Reids enkla och effektiva scenografi består av en rad skåp, ett par bänkar i förgrunden och två utgångar till poolen och duscharna. Handlingen utspelar sig medan flickorna förbereder sig för eller återvänder från simträningen, där de två huvudkaraktärerna är mycket framgångsrika och har verkliga framtidsutsikter. Kostymen är därför begränsad till badkläder och lager för omvärlden utanför. Det är en mer eller mindre sluten värld med ett par korta instick från manliga bikaraktärer längs vägen.

Skenbart handlar pjäsen om abort, och även om man inte vill avslöja för mycket av handlingen är det omöjligt att diskutera verket meningsfullt utan att granska detta fokus i detalj. Kvällen inleds med att Amy (Milly Thomas) ber Ester (Aisha Fabienne Ross) att slå henne hårdare och hårdare i magen för att framkalla ett missfall. Handlingen punkteras av alltmer desperata försök att avbryta graviditeten, vilket kulminerar i en grafisk skildring av en framkallad dödfödsel – en scen som är både mycket svår att se på och en anmärkningsvärd teknisk skådespelarinsats av Thomas och Ross, som i detta ögonblick av extremt trauma visar ett unikt band till varandra.

Jag har vissa reservationer kring hanteringen av detta tema. Det är naturligtvis helt upp till författaren hur hon väljer att presentera materialet, och språket är aldrig onödigt frossande eller överdrivet didaktiskt. Jag anser dock att det var ett missat dramatiskt tillfälle att inte låta karaktärerna utforska möjligheten att Amy skulle bära graviditeten till fullo. Att säga detta är inte att ta ställning i abortdebatten, utan snarare att uttrycka en saknad av att en situation som redan är så rikt skildrad inte utforskades med ytterligare ett lager av möjligheter.

Det saknas dock inget i karaktärernas trovärdighet; de två huvudrollernas liv fylls ut med ett beundransvärt finkornigt detaljarbete. Det som gör denna dramatiska debut så minnesvärd är inte främst den nakna hanteringen av huvudtemat, utan det faktum att så många aspekter av tonårstiden berörs och integreras så naturligt i en relativt kort pjäs.

Så medan kvällspressen har fokuserat på publikmedlemmar som svimmat och teatrar i USA som vägrat sätta upp verket, var det jag tog med mig framför allt en beundran för hur de två unga kvinnorna i dramats centrum så naturligt vävde samman samtal om familjealienation, ätstörningar, sexuellt utforskande och ambivalens. Det var heller inte ett porträtt av en komplikationsfri vänskap; här fanns både småsinthet och elakhet å ena sidan, och en sårbar direkthet och mogen lojalitet å den andra. Varken Amy eller Ester är helt eller ens främst sympatiska, men de är fullkomligt trovärdiga på samma sätt som Räddaren i nöden var för en annan generation – i all sin finkorniga rörighet och känslomässigt plågade förvirring.

Vad som imponerade i de två rollprestationerna, utöver den tekniska skickligheten och känsloregisteret, var hur teman och egenskaper varsamt förebådades för att sedan framträda fullt ut i efterhand. Amys arga, stöddiga självsäkerhet visar sig dölja en stor bräcklighet och sårbarhet, medan Esters blotta blygsel och vördnad inför de andra flickorna döljer en styrka och målmedvetenhet som överträffar hennes jämnåriga helt och hållet.

Även de mindre rollerna spelar roll. Avgörande för pjäsens balans är Reba (Charlotte Hamblin) som helt saknar de två huvudpersonernas neurotiska häftighet. Hon är trygg i sig själv på ett sätt som de inte är, och fladdrar in och ut ur pjäsen, vilket lättar på spänningarna och bjuder på flera ögonblick av skön, flummig humor. Likaså bjuder Dan Cohen på ett mycket finstämt skådespeleri som Victor. Hans scen med Ester ligger lite utanför pjäsens huvudriktning, men är strukturellt viktig då den ger oss avgörande inblickar i Amys självföraktande personlighet. Även om detta medvetet är en pjäs för och om kvinnor, låter hans roll oss se de två centralgestalterna ur ett annorlunda och avslöjande perspektiv.

Min andra reservation gäller slutet. Detta är ett skolexempel på det problem som uppstår vid ett oproportionerligt klimax. Hur rundar man av när publiken fortfarande är skakad efter en överväldigande svår och grafisk händelse? Tynar man bort i ett stilla slut, skildrar man sakligt hur livet går vidare som förut, eller väljer man ett drastiskt stämningsbyte lika våldsamt som det vi just bevittnat?

Författarens första steg är mycket djärvt och för tankarna till portvaktsscenen i Macbeth. Medan vi kämpar för att ta in vad vi sett kommer en vaktmästare (Mark Keegan) in för att städa upp. Detta är dramatiskt sett oerhört effektivt: fasan fördjupas i en scen där nästan ingenting sägs, vilket lämnar åt publikens fantasi att göra grovjobbet. Men den följs av en slutscen där stämningen aldrig riktigt landar, och det förblir oklart var pjäsen slutligen stannar... Ester går vidare, och det gör Amy också, men mycket mellan dem förblir olöst.

Detta var en av de mest krävande kvällarna jag upplevt på teatern som recensent eller publik på länge, och det motiverades helt av pjäsens utmaning och kraft. Vi kommer utan tvekan att få höra mer av både denna dramatiker och dessa skådespelare framöver. Pjäsens konstruktion hade mått bra av lite mer dynamik och ett något öppnare fokus, men det går inte att förneka dess fängslande och obevekliga kraft.

Dry Land spelas på Jermyn Street Theatre till och med den 21 november 2015