RECENSION: High Society, Old Vic Theatre ✭✭✭

High Society

Old Vic Theatre

6 maj 2015

3 stjärnor

BOKA BILJETTER

När du känner ett överväldigande sug efter att fly auditoriumet på Old Vic under pausen – vilket mycket väl kan hända om du ser Maria Friedmans nyuppsättning av High Society – så stå emot. Verkligen. Stå emot. För de första femton minuterna av andra akten är nämligen lika bra som, om inte rentav bättre än, vilka femton minuter som helst i någon av de musikaler som spelas i West End just nu (de sista femton minuterna av båda akterna i Gypsy undantagna).

Cole Porters utsökta texter och magnifika musik (Susan Birkenhead står för kompletterande texter) ges glansfull uppmärksamhet i en nyskapad sekvens av det kreativa teamet (Friedman, kapellmästare Theo Jamieson och koreograf Nathan Wright) baserad på Arthur Kopits originalmanus och Porters partitur, möjligen med Kopits medverkan. Det är en genuin triumf.

När andra akten drar igång pågår en bal inför ett bröllop i ett ståtligt residens på Long Island. Scenen ger en inblick i huvudkaraktärernas göranden och kretsar kring dialog och två nummer: Well, Did You Evah? och Let's Misbehave. Den första är underfundig och len, som en sådan där gincocktail som skulle locka farbror Willie, och den andra bubblar och exploderar av energi och stil, snarare som en skakad flaska årgångschampagne (passande nog då det är precis vad alla mestadels häller i sig).

Plötsligt, i denna sekvens, hittar föreställningen fotfästet och dundrar fram. Detta beror i huvudsak på tre saker: superb orkestrering (Chris Walker), skickligt musicerande (Theo Jamieson, Joe Stilgoe och ett glödhett band) och en inspirerad, kreativ koreografi (Nathan M Wright). Tillsammans skapar dessa tre magiska element musikalisk alkemi, och ensemblen hänger på med en smittande entusiasm utan hämningar. Det är oemotståndligt.

Walkers orkestreringar är rakt igenom fantastiska och de fyller Porters partitur med en känsla av det rökiga, sensuella 50-talet som denna nyuppsättning utspelar sig i. Skuggan av rock'n'roll är påtaglig i musikens struktur här, vilket ger allt det musikaliska en fräsch och väldigt sexig framtoning. Wright tar fasta på detta och galopperar iväg, och ser till att den lättfotade ensemblen dansar med entusiasm och glöd – stappdansnumret är suveränt – med steg som pulserar av den spänning och sensualitet som genomsyrar musiken.

Allt hjälps upp, i enorm grad, av en fantastisk sekvens där Stilgoe och Jamieson framför en pianoduett/duell/uppvisning i showmanship par excellence. Att se dessa två spela på samma piano, och sedan spela tillsammans men separat när ett andra piano dyker upp, är elektriskt. Hela sekvensen är fylld av glädje och etablerar på ett smart och fullständigt sett den sortens "Swell Party" som karaktärerna och gästerna njuter av. Berusande.

Stilgoe är också avgörande för kvällens andra verkliga höjdpunkt: underhållningen före ridåhal, där han ensam vid pianot spelar på både instrumentet och publiken. Han lockar fram gensvar från den senare och visar sin sanna färdighet som estradör vid det förra. Han komponerar en fånig mash-up på stående fot baserat på publikens önskemål, vilket sprakar av humor och musikalitet och sätter precis rätt ton för kvällen.

Dessa två, väldigt olika, inledningar på varje akt lovar en äventyrlig, klok och visionär regi av Friedman. Med undantag för små glimtar infrias dock sällan det löftet, utan krossas oftast mot de katastrofala klipporna av felaktig rollbesättning. Friedmans mest konsekvent inspirerade bidrag här visar sig vara hennes val av koreograf och kapellmästare; på helt rätt sätt är det de som utgör den grund som produktionens glansnummer vilar på.

Det bjuds på många märkliga val under kvällens gång, men inget kanske märkligare än beslutet att sätta upp High Society som arenateater. Väldigt udda scenlösningar visar sig vara det enda egentliga resultatet av det beslutet. För att ytterligare försvåra arbetet med en så pass gammaldags musikal i en rund scenmiljö, väljer Friedman att skapa illusionen av en stor pool på det begränsade utrymmet. Även om det är obestridligt vackert, leder poolens närvaro till klumpiga och obekväma manövrar längs poolkanten. Att se en modellyacht flyta på vattenytan känns som ett klent skäl för att kräva att scener och sånger ska framföras nästan på tå runt en glittrande pool.

Inget händer på den cirkulära scenen som inte skulle ha kunnat ske smidigare på Old Vics traditionella prosceniumscen, och allt som sker skulle ha fungerat mer effektivt med ett sådant val. Det finns också stora problem med ljussättningen (Peter Mumford); skådespelarna hamnar oförklarligt i mörker när det borde vara ljust. Öppningsnumret, titelspåret, lider särskilt av oprecisa, eller om de är tänkta så, märkliga ljusval som hindrar Wrights annars finurliga och fängslande koreografi.

Trots att det görs många entréer och sorti genom salongen, blir ingenting bättre av det. Det skapas ingen känsla av närhet mellan publik och ensemble, ingen ökad intimitet eller förståelse uppnås. Att spela som arenateater leder till två oundvikligheter: nästan alltid är det någon som inte ser det som är viktigt på scenen, och ena halvan av publiken kan alltid se exakt hur den andra reagerar. I det här fallet sker det första ständigt, och det andra visar sig vara nedslående. Att se medpublik tappa intresset gör inte att man själv njuter mer av föreställningen.

Den bästa prestationen står Jamie Parker för, som på senare tid har genomgått en förvandling till en verklig musikalstjärna. Parker spelar den hårdkokta, skämtlystna reportern Mike Connor. Mer Kolchak än Clark Kent; Parkers Mike är smidig (på ett lite skrynkligt sätt) och världsvan, en riktig karlakarl. Han är trygg i sång och dans och bidrar med en naturlig schvung till alla delar av sin musikalprestation. Det är hans energi som håller andra akten vid liv efter Let's Misbehave.

Han får välkommet stöd av Jeff Rawle, vars alkoholiserade, kjoljagande farbror Willie är förstklassig. Hans avslappnade men frenetiska tolkning av Say It With Gin var en genuin vitamininjektion.

Som den charmige, båtälskande C K Dexter Haven ger Rupert Young allt. Han är verkligen tilltalande i de flesta avseenden, och hans scener med Ellie Bambers kaxiga Dinah är genuint varma. Han klarar sången hyfsat, men det är inte hans starka sida. (Faktum är att bortsett från Parker och Rawle finns det ingen i huvudensemblen vars starka sida kan sägas vara sång – en märklig situation för rollistan i en musikal.) Young tillför en lättsam maskulinitet till sina scener som är vinnande, men i sanningens namn kräver rollen mer än så. Innerst inne måste publiken vilja att Dexter får Tracy snarare än antingen Mike eller hennes nuvarande fästman George. Men eftersom Mike är den överlägset mest karismatiska och övertygande, blir det inte så.

Detta kan dock bero mer på Kate Fleetwoods kantiga, vassa och kärlekslösa Tracy än något annat. Fleetwood är en bra dramatisk skådespelerska, men att vara kvalificerad för Lady Macbeth gör en inte mer lämpad för rollen som Tracy Lord i High Society än vad rollen som begåvad komisk skådespelerska skulle göra någon självskriven för huvudrollen i Woman On The Verge Of A Nervous Breakdown. Musikaler kräver speciella färdigheter. Man måste kunna agera, visst, men man måste också kunna sjunga – och inte bara "hålla tonen" utan verkligen sjunga, leverera vokalt och musikaliskt. Man måste åtminstone kunna sälja in ett nummer. Fleetwood sjunger inte på det sättet, och oundvikligen blir hennes prestation lidande.

Något som förstärker denna brist är valet att spela Tracy med sådan hårdhet, sådan avsaknad av värme och sådant syrligt gift. Tracy är en mycket svår roll; skådespelerskan måste besitta många kvaliteter, men en kärna av inre värme, medkänsla och förståelse gömd under en fasad av likgiltighet och kvickheter är den mest grundläggande. Annars blir hennes fars skarpa bedömning och efterföljande ursäkt helt meningslös. De flesta av karaktärerna avgudar Tracy; publiken måste förstå varför.

Det finns inget varmt eller charmigt över Fleetwoods Tracy. Ingenting. Hon går igenom stegen, levererar replikerna och sjunger sångerna – men utan entusiasm för genren eller ens en förståelse för den. Det är inte spännande att höra Fleetwood sjunga och hennes egen obekvämlighet i rollen skiner igenom. Hon hanterar fyllescenen väl nog, men det är inte den som utgör merparten av pjäsen.

Denna brist på koppling till musikalisk prestation genomsyrar även resten av rollbesättningen. Annabel Scholey, Barbara Flynn och Christopher Ravenscroft verkar alla obekväma med musikalformen. Scholey klarar sig bäst; hennes fotograf Iris är pigg och intressant, men det finns ingen koppling till verkets musicalitet och man kommer inte ifrån känslan av obehag när hon sjunger. Flynn, som Mother Lord, har egentligen bara ett effektivt ögonblick (morgonen efter att hon tillåtit sin otrogne make att återvända till den äktenskapliga fröjden, vilket ger Flynn ett ögonblick av ren buskis som hon njuter av) och Ravenscroft har inga alls; han verkar helt ute på djupt vatten hela tiden. Det är inte så att Ravenscroft går på halvfart; han verkar inte ens ha dykt upp till jobbet mentalt.

Richard Grieve spelar George som enfaldig, självgod och dödstrist. Rollen är inte skriven så, och inget intressant uppstår ur det valet. George saknar humor, enligt Dexter i alla fall, men det betyder inte att han är helt charmlös eller saknar livskraft. Det måste vara logiskt att Tracy är förlovad med honom och han måste vara ett gångbart alternativ till Mike eller Dexter. Den agg George bär på är inte ständigt närvarande, så det blir inget bittersött slut på hans historia, bara en sur eftersmak.

Som Dinah ser Bamber inte ut att passa in i familjen, men hennes tydliga tillgivenhet för Dexter är klar. Att säga att ett barn är brådmoget är inte samma sak som att säga att barnet är vulgärt eller inställsamt, men det verkar vara de egenskaperna Friedman låter Bamber utforska. Det är synd, för Bambers naturliga lyster och värme finns där, men visas alltför sällan. Det är dock tydligt att hon är skicklig på att göra det som krävs av henne.

Ensemblen sliter hårt, sjunger fint och dansar så bra och entusiastiskt som det lilla utrymmet tillåter. Wright utnyttjar skickligt begränsningarna hos den cirkulära spelplatsen, och koreografin verkar vara den enda aspekt som är skapad specifikt för arenascenen. Kombinationen av bandet och Cole Porter är en glädjekälla rakt igenom.

Vid den förhandsvisning jag besökte fanns det en tydlig entusiasm från publiken när föreställningen var slut, vilket ledde till stående ovationer från vissa håll (anförda av regissören själv). Så, uppenbarligen var det vissa som hade ett "swell party".

Det är Friedmans rollbesättning och regi som hindrar denna High Society från att fungera så bra som Let's Misbehave-partiet antyder att den borde. Vid flera tillfällen var det svårt att skaka av sig tanken att val har gjorts bara för att de var raka motsatsen till de naturliga valen. Snarare än att belysa stycket och karaktärerna, verkar dunkelhet och udda infall viktigare för Friedman. Detta är inte så Friedman tog sig an regin av Merrily We Roll Along, så varför här?

Det är förbryllande. I en stad med dussintals och åter dussintals slipade, skickliga och tillgängliga musikalartister, hur och varför tillsätts en musikal på Old Vic med främst personer som inte är musikalartister, eller åtminstone med personer som inte är bekväma med att stå på scen och sjunga och sälja in sång- och dansnummer?

Ja, seriöst, Did You Evah?

BOKA BILJETTER TILL HIGH SOCIETY