RECENSION: Queen Of The Mist, Charing Cross Theatre ✭✭✭✭✭

Julian Eaves recenserar Michael John LaChiusas Queen Of The Mist som nu spelas på Charing Cross Theatre i London.

Queen Of The Mist

Charing Cross Theatre,

31 augusti 2019

5 stjärnor

Boka biljetter Detta är en av de finaste och mest förtjusande musikaler som just nu visas i London, och ingen som älskar högklassig musikteater och befinner sig i närheten av teatern bör låta de kommande fyra veckorna passera utan att försöka se den.  Michael John LaChiusas märkvärdigt symfoniska, ofta genomkomponerade meditation över Anna Edison Taylors liv och karaktär – den första människa som åkte utför Niagarafallen i en tunna och överlevde för att berätta om det – hade premiär i USA för åtta år sedan. Denna första brittiska uppsättning öppnade tidigare i våras på den underbara Brockley Jack Studio i södra London.  Produktionen har redan förevigats på en dubbel-CD och har nu flyttats till denna Off-West End-scen i en betydligt utökad och omarbetad form.  Den ser lika bra ut som den låter och bjuder på en engagerande, annorlunda berättelse med stor relevans för vår tid.

Regissören Dom O'Hanlon tar sig an verket på samma sätt som jag har sett honom göra med allt annat inom musikteater: som en pjäs.  I hans värld finns det inget som skiljer skådespelarnas tal från deras sång, vilket är än mer häpnadsväckande eftersom musiken de sjunger är allt annat än vardaglig i sin framtoning.  LaChiusa är enormt begåvad inom alla discipliner – text, musik och libretto – och här använder han en palett av tidstypiska stilar som lurar örat att tro att vi verkligen befinner oss vid 1900-talets början: här hörs cakewalks, valser, ballader och marscher, operett och operakänsla som sträcker sig från Sousa till Irving Berlin, Charles Ives eller Richard Strauss; och dessutom hör vi ekon av mer samtida genrer, som Sondheims klipska konstnärskap.  Strålande melodiöst och fantastiskt välorkestrerat av Michael Starobin för ett konventionellt teaterkapell på åtta musiker (klaviatur - Erika Gundesen, Ashley Jacobs; stråk - Grace Buttler, Hannah Thomas, Jack Cherry; valthorn - Maude Wolstenholme; och träblås - Claire Shaw, Simon Williams), som tillsammans med de förstklassiga rösterna hos de sju ensemblamedlemmarna skapar ett av de rikaste ljudlandskap du kan höra i London just nu.

Men den avgörande faktorn för föreställningen är den majestätiska närvaron hos musikaliska ledaren och dirigenten Connor Fogel, som hanterar det enorma partituret med bravur. Han uppnår en oklanderlig balans (tack vare Adrian Jeakins perfekt avvägda ljuddesign, med Henry Whittaker och Chris Love som assistenter) och en klarhet i uttrycket som lätt skulle kunna fälla en mindre skicklig yrkesman.  Här är föreställningens drivkraft aldrig i tvivel; tempot är felfritt med ett partitur som, till skillnad från så många konventionella shower, ständigt bygger upp och ökar spänningen ända fram till sista ögonblicket.  Faktum är att den fungerar mycket mer som en opera än något annat, där varje nummer bygger vidare på det föregående för att ta oss med på en musikalisk upptäcktsresa.

Centralt för denna prestation är Trudi Camilleris häpnadsväckande insats i huvudrollen.  Hon sågs här för inte så länge sedan som Modern i 'Ragtime' och imponerade stort när hon med kort varsel ersatte en sjuk Anita Louise Combe.  Producenten Blake Klein kontaktade henne och bad henne göra ett stort projekt med honom, och gick sedan ut och letade efter rätt show.  Så småningom, med LaChiusas godkännande, landade han i detta: men den här rollen är en utmaning av en helt annan magnitud.  Anna är nästan aldrig utanför scenen; hon är den person genom vilken vi ser och upplever hela dramat.  Lyckligtvis har Camilleri vana av att sjunga stora operaroller (Butterfly, Mimi, Sieglinde) och har år av erfarenhet bakom sig.  Hon är den överlägset mest seniora medlemmen i ensemblen och utstrålar en auktoritet och ett fokus som med rätta dominerar: röstmässigt växlar hon obehindrat mellan dramatiskt djup och fjäderlätta pianissimi, hennes diktion är knivskarp och hennes frasering känns naturlig.  Det enda problemet – och det beror inte på henne – är att det tar ungefär 15 minuter för showen att verkligen komma igång.  Eftersom det sker direkt i inledningen känns det som ett större problem än vad det faktiskt är – LaChiusas enda svaghet i konstruktionen.  Det som följer väger mer än väl upp för det.

Resten av ensemblen fungerar som en utmärkt "kör" som kommenterar Taylors stagnation som en kuvad och förbisedd lärarinna och terapeut i en småstad i USA som helt enkelt inte förstår vilken outnyttjad "storhet" hon bär på. Senare får vi höra dem kommentera hennes märkvärdiga framgång som arkitekten bakom ett av de mest våghalsiga stunt som någonsin fascinerat en sensationshungrig publik vid förra sekelskiftet. Slutligen finns de där för att berätta om hur hon återigen tynar bort i glömska och visa oss vad som hände med alla dem som försökte imitera och överträffa hennes bedrift.  Det är dock i deras mer personliga roller, som gestaltningar av verkliga människor i hennes liv, som de sätter de djupaste spåren.

Will Arundell genomgår en välskriven resa i rollen som hennes "agent" Frank Russell och hittar överraskande nyanser, särskilt i andra akten.  Emily Juler, som ibland även hoppar in som reserv för Anna, spelar vanligtvis hennes syster Jane samt en helt kontrastrik karaktär, "The Blonde"; hon är en underbar motvikt till sin desperata och dominerande systers bombastiska framtoning.  Lika slående är Emma Ralston, som i denna produktion blommar ut med en karaktärisering som placerar henne bland de skådespelare vi kommer att få se gång på gång i West End: hennes uppgörelse med Taylor i andra akten, i rollen som den hängivna motståndaren Carrie Nation, är en titanernas kamp värdig Händel och en av produktionens dramatiska höjdpunkter.  Hennes fingertoppskänsla för detaljer och hennes kyliga kontroll är utan tvekan resultatet av O'Hanlons lyhörda regi.  Tom Blackmore drar också nytta av detta konstnärskap: han växer i styrka under föreställningens gång och gör sin unga soldat till en karaktär med talande enkelhet.  Slutligen matchar Conor McFarlanes varma baryton väl med Andrew Carters ännu mörkare och fylligare bas.  Vid den föreställning jag besökte fick jag även se Matthew Gent ersätta en hastigt insjuknad Carter: hans seniga och intensiva utspel passade lika bra in i ensemblen.  Natalie Williams är den andra reserven.

Allt detta utspelar sig på teaterns öppna scen, vilket är en perfekt inramning för intim kammarmusikal.  Sidorna är dekorerade – nästan överdekorerade – med kuriosa hopsamlade av Tara Usher.  Textens rikedom och den snygga kostymdesignen (förverkligad av Lemington Ridley, medan Karolina Pociute sköter mask och hår med bravur) gör dock att en del av denna rekvisita känns något överflödig.  Detsamma kan inte sägas om Beth Gupwells klockrena ljusdesign, som frammanar en närmast episk storhet med expressionistiska effekter och en lyhördhet för musikens skiftningar.  Som helhet är detta en produktion som alla inblandade kan vara oerhört stolta över.  Det är ett förtjusande spektakel i miniatyr, väl förtjänt av en större produktion och en inspelning man vill lyssna på om och om igen för de vackra melodierna och det geniala berättandet.  Det är ett fantastiskt bevis på Michael John LaChiusas styrka – jag hoppas innerligt att vi får se mer av honom framöver.  Under resten av månaden har du chansen att uppleva detta själv, så ta chansen med båda händerna.  Precis som Anna!