RECENSION: The Elephant Man, Booth Theatre ✭✭✭✭✭

The Elephant Man

Booth Theatre

18 januari 2015

5 stjärnor

De andra kvinnorna vi skymtat är alla traditionella viktorianska gestalter; strikta, korrekta, medvetna om sin samhällsställning och vad som förväntas av dem och vad de själva förväntar sig. De är sjuksköterskor, lärare eller missionärer, eller skuggorna av exotiska slavar som utnyttjas av sina hallåor. Den här kvinnan är annorlunda. På något sätt skimrar hon och glider fram, likt det dyrbaraste siden som svävar i en sommarbris. Hon är skådespelerska, berömd och van vid att bli avgudad. Hon uppvisar sin divakonsts alla knep till fulländning och med stor humor i sin första scen.

Kommer hon att vilja träffa John Merrick, mannen känd som Elefantmannen? Hon får veta att han aldrig har rört vid kvinnohud – skulle hon kunna tänka sig att skaka hans hand? En av hans händer är inte deformerad utan ganska elegant, säger den behärskade och självsäkre doktor Treves. Hon överväger det, samtycker och övar sedan på hur hon ska tacka mr Merrick för mötet. Hon prövar frasen på en mängd olika sätt, till stor komisk effekt.

Men när hon väl möter honom blir det inte som hon tänkt sig. Denne knöliga och onaturligt missbildade man är mild, öppen och hedrad. Och när hon till slut tar av sig handsken och de skakar hand, då spelar hon inte längre teater. Hon har stött på något, någon, alldeles otrolig. Att hon rör vid hans bara hud, hans friska hand, är det mest extraordinära som någonsin hänt i de bådas liv. Att se ögonblicket utspela sig är en stund av ren och skär teaterglädje.

Scott Ellis nyuppsättning av Bernard Pomerances pjäs från 1977, The Elephant Man, med Bradley Cooper, Patricia Clarkson och Alessandro Nivola i rollerna, spelas just nu på Booth Theatre på Broadway och flyttar snart till West End.

Vid första anblicken är det en enkel historisk berättelse med ett par stjärnglittriga huvudroller; en ganska ordinär historia som dock har potential att nå glammiga höjder. Ellis ser dock bortom det, och även om rollistan utan tvekan är stjärnspäckad, är detta en tankeväckande, insiktsfull och i slutändan förkrossande meditation över tolerans, konventioner, acceptans och kärlek. Karaktären Merrick är en metafor för det som är annorlunda, något skapat av Gud men inte till hans avbild; någon som samhället inte vill tolerera och betalar för att hålla ur vägen; någon som är annorlunda i ordets alla bemärkelser.

I en tid då flyktingar avvisas från de platser där de söker skydd, homosexuella män mördas av ISIS genom att kastas från husstak, kvinnor stenas till döds för att de blivit förälskade och minoriteter och invandrare döms kollektivt, är The Elephant Man en aktuell påminnelse om att även om det är svårt att vara annorlunda, är det också livsviktigt – utan olikheter sker ingen förändring.

Genom att klokt undvika tungt smink, protester eller kostymer väljer Ellis att förlita sig på enkel iscensättning och skickliga skådespelare. Det är en välkänd devis i skräckfilmer att ju mindre man ser av monstret, desto läskigare blir effekten. Här etableras föreställningen om Merricks fasansfulla utseende noggrant med olika tekniker: han hörs först ge ifrån sig märkliga djurlika ljud bakom en skärm; sedan ser vi den extraordinära blicken av oförståelse och förtvivlan i dr Treves ansikte när han ser Merrick för första gången, och vi förstår då, helt obestridligt, att han har sett något mardrömslikt.

Sedan står Cooper plötsligt där, tyst och stilla på scenen, endast klädd i smutsiga underkläder. Medan dr Treves visar diabilder på den verklige Merrick, förvrider Cooper sina stiliga ansiktsdrag och blir det som Treves pratar om och visar. Hans mun är ett ständigt öppet sår av smärta; hans högerarm hålls i en märklig vinkel och hans högerhand är förvriden med fingrarna sammanflätade till obrukbarhet; hans huvud hålls i en säregen, plågsam vinkel och man tror sig kunna se den tunga massa som orsakar detta; hans rygg är sned; hans bara fötter är också felvinklade och ena benet är helt obrukbart; han kan bara gå med käpp.

När han väl har etablerat de fysiska begränsningarna och förvridningarna slappnar Cooper aldrig av; han håller troget fast vid den standard han sätter i början genom hela pjäsen. Treves förtydligar att hans ansikte är sådant att det inte kan visa några känslor; Cooper anammar detta fullt ut. Det är hans ögon som gör jobbet och förmedlar smärta, svek, rädsla, hopp, kärlek, generositet, visdom, uppgivenhet, intelligens och längtan. Cooper är helt makalös att beskåda.

Det finns många stunder av ren njutning: ögonblicket då Cooper ifrågasätter om sjukhusbiträdet som kom för att skratta åt honom ska avskedas; diskussionen mellan Cooper och Patricia Clarksons Mrs Kendall om Romeo och Julia; den enkla glädjen när han får julklappar; det extraordinära ögonblicket när Clarkson tar hans deformerade hand och placerar den mot sitt blottade bröst för att låta honom se en naken kvinna; stunden då Cooper bestämmer sig för att han har fått nog av sitt liv. I var och en av dessa stunder, men inte bara då utan i varje sekund, gnistrar Coopers ögon med sitt djup och sin skicklighet.

Även Clarkson är oklanderlig och enastående på alla sätt. Hon skildrar resan för Mrs Kendall från fåfäng skådespelerska till godhjärtad, lysande humanist med lätthet och avmätt elegans. Hennes scener med Cooper är mer än förtjusande – det är skådespeleri av högsta klass. Att se rädsla och darrande förväntan skölja över henne när hon klär av sig för Merrick är ett av de mest skimrande och fängslande ögonblicken jag någonsin upplevt på en teater.

Som dr Treves är Alessandro Nivola helt perfekt. Han bemästrar den svåra uppgiften att skenbart ha ansvaret för Merricks välbefinnande, samtidigt som han gör det tydligt att Treves lär sig mycket av Merrick och ständigt plågas av tvivel på sin egen förmåga och sitt värde. Hans outtalade kärlek till Mrs Kendall är vackert fångad, liksom hans raseri och efterföljande förfall efter det ögonblick då han överraskar Merrick och Kendall i deras stund av förbjuden närhet. Nivola gör Treves mänsklig och konfliktfylld, där han annars så lätt skulle kunna ha blivit stel och trist.

Hela ensemblen är lysande. Det finns inte ett enda ruttet ägg i den här korgen.

Henry Stram är helt rätt som Gomm, sjukhusadministratören som styr med järndisciplin och ett öga på sponsring och hur de uppfattas av allmänheten; han låter gärna Treves hjälpa Merrick, men bara så länge han och sjukhuset tjänar på det. Anthony Heald är i högform som den vedervärdige Ross, som "räddar" Merrick från fattighuset för att sedan tjäna pengar på honom samtidigt som han behandlar honom sämre än en hund; han spelar också biskop How som insisterar på att sörja för Merricks tro trots Gomms förakt för hans kall. Kathryn Meisle är underbar som den allvetande och rutinerade sjuksköterskan som påstår sig ha vårdat spetälska men inte står ut med att vara i samma rum som Merrick, för att senare briljant gestalta kunglig glans som prinsessan Alexandra. Scott Lowell imponerar i en rad mindre roller.

Scendesignen, inklusive projektionerna av Timothy R Mackabee, är sparsmakad men precis tillräcklig. På samma sätt som Cooper antyder Merricks tillstånd, antyder Mackabees scenografi de olika platser där handlingen utspelar sig. Skärmar flyttas över scenen för att skapa specifika rum, och detta, tillsammans med användningen av möbler, sker effektivt och snabbt så att berättelsens flyt och driv aldrig hindras.

Clint Ramos har designat särskilt vackra kostymer, speciellt för Clarkson och Nivola, som bidrar med sin egen magi till att etablera tidsperiod och klass. Philip A Rosenbergs ljussättning är helt enkelt fantastisk; bilden i slutet av första akten är särskilt drabbande tack vare den. Dessutom bjuds vi på utmärkt musik och ljud av John Gromoda.

Det här är en förstklassig produktion av en förstklassig pjäs med en förstklassig rollista och regi. Den är fängslande, berörande och intensivt relevant i dagens splittrade samhälle.

Helt enkelt oumbärlig.