RECENSION: The Spitfire Grill, Union Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Darren Bell The Spitfire Grill

Union Theatre

24 juli 2015

5 stjärnor

Ta ett tomt utrymme. Ljussätt det med insikt och skicklighet. Lägg till en orkester som passar både för partituret och lokalen. Se till att orkestern leds av en musiker som är lika intresserad av musiken som av ackompanjemanget. Rollsätt med omsorg och känsla för potential. Se till att alla sitter i samma båt och ror uppströms med samma kraft. Ta väl avvägda, genomtänkta risker. Öppna. Håll tummarna för att publiken ser och hör det ni har skapat.

Om någon skulle publicera en samling "recept för bra produktioner av okända eller nya musikaler", då skulle Alastair Knights bidrag – baserat på hans uppsättning av The Spitfire Grill som nu spelas på Union Theatre – se ut ungefär så, för det är precis den känslan hans smarta, livfulla och helt fängslande produktion framkallar.

Baserad på Lee David Zlotoffs film från 1986 med samma namn, stoltserar denna musikalversion av The Spitfire Grill med ett ovanligt samarbete i sitt hjärta. Kompositören James Valcq och textförfattaren Fred Alley skrev librettot tillsammans. Musikalen debuterade Off-Broadway 2001 efter att ha tilldelats Richard Rodgers Production Award; en utmärkelse som gavs av en kommitté där bland andra Lynn Ahrens, Sheldon Harnick och Richard Maltby Jnr ingick, under ledning av Stephen Sondheim.

Sondheim hade, som vanligt, helt rätt.

The Spitfire Grill är en musikalisk delikatess. James Valcqs partitur är rikt belönande och skapar en genuint engagerande atmosfär som hjälper till att forma och driva berättelsen framåt. Han skapar en sann musikalisk värld för karaktärerna, och inom den världen har varje karaktär melodier och fraser som belyser dem och deras roll i historien. Det känns inte som ett Sondheim-partitur, men det har en liknande effekt. Sångerna härstammar från situationen, platsen och berättelsens puls; de är inte ditsatta som en efterhandskonstruktion eller ytlig utsmyckning.

Här finns gott om spännande musikaliska passager, några mjuka och hjärtskärande, samt glädjefyllda och färgstarka (och trallvänliga) nummer. Det är den sortens musik som omsluter dig med sin charm och själ, och när det är slut vill man bara lyssna på den igen.

Detta beror till stor del på Simon Holts precisa musikaliska ledning. Balans är ofta ett problem för produktioner på Union Theatre, men inte här. Orkestern ackompanjerar sångarna på rätt sätt och låter dem leda vägen. Diktionen är prioriterad, och helt rättvist så. Mest imponerande är att Holt tillåter och stöttar sångarna i sällsynta, mycket dämpade partier. Att ta tillvara på det akustiska ljudet på detta sätt är så ovanligt i dagens värld av överförstärkning att effekten blir trollbindande. Ärliga, genomträngande prestationer genomsyrade av lysande musikalitet: sällsynt och givande.

Knights, för sin del, briljerar också. Det är mer sällsynt än att höra akustisk sång att hitta en musikalregissör som inte vill "sätta sin egen stämpel" på ett verk. Men Knights är en sådan: en teaterns enhörning. Allt han gör med stycket är utformat för att belysa text och karaktär och för att etablera stämning, sanning och inspiration. Han håller tempot uppe, låter varsamt karaktärerna och situationerna avslöja sin komplexitet och styr långt bort från smörig sentimentalitet. Allt är bedömt med en fantastiskt klar blick och, viktigast av allt, varje hörn av produktionen flödar av hjärta.

Hans beslut att öppna produktionen med en tom scen är både praktiskt och inspirerat. När historien börjar är huvudpersonen, Perchance Talbot (Percy), ensam och i princip berövad allt efter att just ha släppts från fängelset. Att hon dyker upp ensam på en tom scen passar exakt de omständigheter som librettot och musiken utforskar i början.

När Percy anländer till Gilead, Wisconsin, har hon fortfarande ingenting och, som hon upptäcker, händer det inte mycket i Gilead. Den totala bristen på dekor betonar stadens karga natur. Men allt eftersom Percy påverkar de invånare hon möter, vaknar Gilead till liv igen och återfår sin självkänsla genom kontakten med henne. Liksom ett sandkorn i ett snäckskal irriterar och förvandlar Percy sin omgivning. Där det fanns tystnad, melankoli och nederlag kommer nu acceptans, tillit och hopp. När Hannah, den vresiga ägaren till matstället, plötsligt plockar fram en fräsch, ren och livfullt rutig bordsduk, då vet man att pärlorna kan börja glänsa i ljuset.

Handlingen är uppfriskande oförutsägbar, även om det först verkar annorlunda. Knights leker vackert med detta. Skådespelet är mustigt och nyanserat, men känns samtidigt bekant – det finns en sorts gestaltning som hämtar intryck och influenser från otaliga amerikanska pjäser och filmer. Men inget är vad det verkar, och Knights ser till att överraskningarna, när de kommer, är genuint obekväma, konfronterande eller överväldigande. Endast de mest hårdhudade kan låta bli att plocka fram näsduken någon gång i andra akten – så smärtsamt vacker och livsbejakande är Knights vision här.

Givetvis är god rollsättning en av en stor regissörs viktigaste egenskaper, och Knights är i toppform när det gäller rollsättningen här.

I huvudrollen som Percy, den katalysator som förändrar Gilead och dess folk, är Belinda Wollaston fängslande på alla sätt. Från de första, vackra och gripande a cappella-tonerna i "A Ring Around The Moon", via den humoristiska "Out Of The Frying Pan" och den sprudlande "Shoot The Moon", till den enastående "Shine", använder Wollaston sin magnifika röst för att ge full kraft åt Valcqs musik. Det är en ren fröjd att höra Wollaston ge liv åt varje fras och melodi. Hennes känslomässiga koppling till musiken och texten är total.

Detsamma gäller Wollastons inlevelse i Percys psyke. Hon är helt övertygande som den frigivna kåkfararen, rädd för sitt förflutna och sin framtid, desperat att inte förolämpa någon, undertryckande sina tårar och rädslor, och klumpigt, trevande och helt världsfrånvänd när hon försöker landa i Gilead. Genom att bemästra en svår accent och dölja sin naturliga skönhet skapar Wollaston en sargad och kaxig Percy som är exemplarisk i varje avseende.

Tre scener sticker verkligen ut: hennes tvära, hjärtslitande avvisande av sheriff Joes frieri (innan han ens hunnit framföra det); hennes bekännelse för Shelby, hennes nya bästa vän, om de tragiska omständigheter som ledde till fängelset; och den intensiva scenen mellan "mor och dotter" med den vresiga Hannah där korten läggs på bordet. Genom att täcka hela spektrat från sluten, nästan avstängd kontroll till ett rått, blottat och bultande hjärta, ser Wollaston till att Percy Talbott är en karaktär man minns länge och alltid älskar.

Wollaston har utmärkt stöd från resten av ensemblen. Chris Kiely gör sheriff Joe helt trovärdig och hans frustration över Gilead innan Percy dök upp är påtaglig. Han har en fin röst och även om han inte har en mörk barytonklang, äger han sångerna han sjunger och får dem att fungera. Andrew Borthwick är utmärkt som den skumme besökaren; helt övertygande och hjärtskärande trots att han inte säger ett ord eller sjunger en ton. Hans ögon och kroppsspråk var märkvärdigt pricksäkra i att förmedla känslor och avsikt.

Hans Rye gör en utmärkt Caleb, en vanlig man som frustreras över hur tiden och Gilead har sprungit ifrån honom, så att det inte längre räcker att bara vara en ärlig och hårt arbetande karl. Han sjuder av ångest och osäkerhet, inte minst för att kvinnorna i staden har genomskådat honom. Hans röst är varm och stark, precis rätt för karaktären. Som byns skvallertant och lägg-i-blöt, Effy, är Katie Brennan en virvelvind av intriger, prat och charm. Brennan spelar henne precis på gränsen; under en lång tid är det osäkert om Effy är elak eller inte. Detta gör henne mer intressant, en mer komplett karaktär. Brennan sjunger med samma attack och entusiasm som Effy ägnar åt skvaller.

Som Shelby, Percys räddare i köket och hennes närmaste förtrogna, är Natalie Law söt, varm och genomsnäll. Law visar tydligt Shelbys frigörelse från Calebs kontroll, och det utan bitterhet. Den spirande vänskapen med Percy är en sann glädje att se. Röstmässigt är Law något osäker i första akten, men hon blommar verkligen ut i den andra, och hennes passionerade framförande av "Wild Bird" är en verklig höjdpunkt.

Hilary Harwood fullbordar ensemblen som den bryskt raka och oförlåtande Hannah. Harwood börjar något trevande, men hittar snart rätt och ger liv åt Gileads dystra matriark på ett klart och direkt sätt. Det finns något av Granny Clampett över Harwoods gestaltning som är mycket tilltalande. Även hon verkar emellanåt lite osäker sångmässigt i akt ett, men sätter sina nummer perfekt i akt två, där "Way Back Home" blir ett elektrifierande "eleven o'clock number".

Lee Crowley står för utmärkt koreografi (av det lågmälda slaget, inte steppdans) som passar händelseförloppet perfekt, och Jack Weirs ljussättning är enastående och ekonomisk; han använder ljuset effektivt för att förstärka och fördjupa känslor och karaktär.

Detta är en genuint fantastisk produktion av en storslagen men ofattbart okänd musikal. Om det fanns någon rättvisa i världen skulle en entreprenör plocka upp den här uppsättningen och sätta upp den i West End. Med rätt stöd och marknadsföring skulle detta kunna bli en dundersuccé – det perfekta musikaliska motgiftet till det moderna livets hopplöshet och strama tider.

Det är en bättre musikalproduktion än många som har spelats i West End de senaste åren. Det är en särskild triumf för Knights, Holt och Wollaston.

The Spitfire Grill spelas till och med den 15 augusti 2015 på Union Theatre